CHANTS DE LA TRADITION SÉFARADE JUDÉO-ESPAGNOLE
26 SEPTEMBRE 2026
MARSEILLE – THEATRE DU HANG’ART

PROGRAMME 

• • Journée Portes-Ouvertes : 10h à 13h
  • Atelier d’initiation : 14h à 16h
  • Concert des élèves : 19h

CONTEXTE

A la différence d’autres traditions musicales, les chants judéo-espagnols ne constituent pas un ensemble stylistique homogène. Cette diversité, due à la fois à leur histoire, à la multiplicité des aires géographiques où ils se sont développés et aux nombreuses influences qui les traversent, laisse une grande part de liberté aux interprètes, liberté qui demande cependant à s’inscrire dans un cadre cohérent et fidèle à l’esprit qui les anime.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<

OBJECTIFS

• Se familiariser avec le monde poétique et musical des chants judéo-espagnols dans leur diversité, en intégrant le contexte historique, sociologique et géographique dans lequel ils s’inscrivent.
• Approcher les différentes branches du répertoire et leurs spécificités : des romances trouvant leur origine dans l’Espagne médiévale aux kantigas nées à Salonique ou Istanbul au XXe siècle, des chants d’amour profanes aux coplas rythmant les fêtes religieuses.
• Respecter les contraintes – et les libertés – modales du répertoire (sauf pour les chants, souvent plus récents, relevant de l’univers tonal) : continuité et différences entre les modes musicaux de l’Espagne médiévale, les modes arabo-andalous, les modes orientaux et/ou ottomans.

DÉMARCHE PÉDAGOGIQUE

Maria Zopounidis proposera l’apprentissage de divers chants durant la formation. Ce travail alternera des temps d’apprentissage collectif et des temps d’interprétation individuelle.
Un temps sera consacré à l’écoute et l’analyse comparative des chants et de leurs diverses interprétations possibles en fonction de l’aire géographique et de l’époque (des premières décennies du 20e siècle à aujourd’hui…)
L’atelier se déroulant essentiellement de façon orale, il ne nécessite pas de connaissance en lecture musicale. Cependant les partitions correspondant aux chants étudiés seront distribuées autant que possible.
La formation pourra s’achever sur une présentation par les participants du travail accompli durant la semaine, reprenant les principaux chants étudiés.

CONTENUS 

• Préparation corporelle : détente du corps et prise de conscience des éventuels points de blocage, ancrage et fluidité gestuelle.
• Ecoute, disponibilité, intériorisation et concentration, présence à soi-même et à l’auditoire.
• Echauffement et travail vocal : la souplesse et l’agilité, l’ornementation et les mélismes, en fonction des chants abordés et dans le respect des modes.
• Apprentissage et interprétation de quelques chants judéo-espagnols des différents rameaux constitutifs du répertoire : romances issues de la tradition médiévale espagnole, kantigas. Coplas.
• Les chants de la tradition salonicienne (et plus largement de la Méditerranée orientale) : similitudes et différences avec les chants de la tradition occidentale, nord du Maroc essentiellement.
• Les possibilités d’interprétation, d’accompagnement et l’art de l’ornementation selon les aires géographiques, les époques et les choix des interprètes.
• Les interprétations contemporaines : suivre les tendances et « l’air du temps », et/ou s’ouvrir à sa propre singularité : trouver sa voie/voix tout en respectant les spécificités du répertoire.
• Travail sur la langue : la prosodie, la (ou les…) prononciation(s) spécifique(s) du judéo-espagnol au regard du castillan, les mots que l’on souhaite mettre en avant en fonction de leur sens et de l’émotion que l’on transmet.
• Approche rythmique de l’accompagnement à la percussion digitale : chanter en s’accompagnant.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Bonne pratique du chant et intérêt pour le répertoire abordé dans sa diversité (pas de connaissance théorique  nécessaire).
• Une connaissance, même superficielle, de l’espagnol et/ou du judéo-espagnol facilitera le travail et l’apprentissage des chants.
• Ouvert aux amateurs et professionnels, lecteurs ou non-lecteurs de partitions.
  Les instrumentistes sont également bienvenus, s’ils souhaitent s’accompagner et/ou interpréter les intermèdes instrumentaux des chants abordés.
• Si possible, venir avec une percussion (tambour sur cadre comme bendir, daf, tambourin).

BIOGRAPHIE

MARIA ZOPOUNIDIS 

Maria Zopounidis grandit en Grèce où elle baigne, depuis son enfance, dans une double culture musicale : son père, grec pontique, lui transmet les chants traditionnels de Grèce, d’Asie Mineure et de la mer noire dont ils sont originaires ; sa mère, pianiste franco-italienne, lui enseigne le piano et lui donne une éducation musicale classique.

Elle arrive en France afin de poursuivre ses recherches musicales et obtient en 2018, le Diplôme d’études Musicales en chant lyrique au CRR d’Avignon. Elle se perfectionne à l’Institut Supérieur des Arts de Toulouse où elle obtient, en 2022, le Diplôme National Supérieur Professionnel de Musicien en chant lyrique dans la classe de Sophie Koch et Didier Laclau-Barrère. Elle obtient également sa Licence en Musicologie à l’université de Toulouse Jean Jaurès et le Diplôme d’État en chant lyrique. En 2021 elle gagne le prix Espoir de l’Académie Internationale Maurice Ravel à Saint-Jean-de-Luz et en 2022, elle débute sa carrière de chanteuse professionnelle avec le Chœur National du Capitole de Toulouse. En 2023 et 2025, Maria incarne le rôle de Susanna dans les Noces de Figaro de Mozart à l’occasion du festivalNuits Musicales en Armagnac.

Son amour pour le chant ancien de transmission orale l’amène à suivre, en 2022, le cursus Chants sacrés et profanes des traditions séfarades et Al-Andalus auprès de Françoise Atlan, à l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne, où elle obtient en novembre 2023 son Diplôme d’Études Musicales. Depuis, elle enseigne en tant qu’assistante auprès de Sandra Bessis dans le cursus Chants de la tradition séfarade judéo-espagnole et approche des répertoires associés de l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne. Elle y enseigne également depuis 2022 le grec moderne dans le cursus Chants de Grèce et d’Asie Mineure dirigé par Maria Simoglou. Maria a également validé le Master en Musicologie à l’Université Jean Jaurès de Toulouse et a communiqué auprès de Florence Mouchet, maître de conférences en musicologie médiévale, au colloque Musiques modales d’aujourd’hui et d’hier, organisé en avril 2023 à l’Abbaye de Sylvanès. Depuis juin 2023, Maria collabore avec différents artistes de la scène des musiques du monde, notamment Soroush Kamalian, poly-instrumentiste iranien et Bruno Allary, guitariste et directeur artistique de la Compagnie Rassegna.

KATHAK – DANSE DE l’INDE du NORD
10 au 14 SEPTEMBRE 2026
AUBAGNE

OBJECTIF

L’objectif est de vous faire découvrir l’art de la danse classique de l’Inde du Nord Kathak. La forme d’atelier que je propose s’appuie sur l’ensemble de mes expériences professionnelles. L’enseignement de l’Histoire et des théories de la danse, chant des Bôles (onomatopées rythmiques) pour vocaliser la subdivision et le phrasé des temps, utilisation de la battue de main comme technique de repérage dans les cycles. Au sein de cet atelier qui s’adresse aux danseurs, danseuses venant de tous les horizons de la danse, nous allons plonger dans la chorégraphie autour de la fluidité de la danse et le rythmique indienne.

RÉPERTOIRE & HISTOIRE

Enseignement de la danse Kathak « Lukhnow Gharana » (de l’école de Lukhnow) / Culture musicale & percussions corporelles) / Les subtilités d’interprétations selon les grandes écoles / L’Art de l’improvisation / Apprentissage de la rigueur grammaticale.

Le Kathak, danse classique du Nord de l’Inde est un art vieux de 3000 ans. Le mot « kathak » dérive du mot « katha » ou « fait de raconter une histoire ». Katha kahe so kathak : celui qui raconte une histoire en dansant est un kathak. A l’origine, cette communauté d’artistes dénommés Kathakar, raconte donc des histoires à caractère mythologique dans les temples hindous du Nord de l’Inde. Sans aucun doute, leur art trouve ses racines dans la pratique religieuse et dévotionnelle hindoue. Les mouvements des mains (mudra) et du corps, ainsi que les expressions du visage (abhinaya) utilisés par les Kathakars pour enrichir leur narration donnent naissance au Kathak. Le savoir des Kathakars s’est ainsi transmis de génération en génération selon la tradition orale.

Sous le règne des dynasties mogholes, entre le 11e et le 18e siècle, le Kathak quitte l’enceinte des temples et pénètre dans les somptueux palais des empereurs musulmans et des rois hindous. D’une pratique purement dévotionnelle, il évolue vers une danse de cour destinée à l’agrément de ces hauts et puissants seigneurs. Il adopte des éléments culturels typiquement persans et s’épanouit.

Sous le patronage des Moghols, le Kathak prend la forme que nous lui connaissons aujourd’hui. D’un aspect tout d’abord essentiellement hindou, l’esthétique de cette danse évolue, en accord avec l’esthétique de la culture musulmane. Ainsi, l’expression, le mime et la gestuelle deviennent plus subtils, l’artiste s’attachant à exprimer un même thème de mille et une manières grâce à d’infimes nuances. L’aspect danse pure ou nritta du Kathak devient aussi très sophistiqué, les rythmes, les mouvements, les pirouettes plus complexes. Le Kathak s’imprégné alors également de la poésie Urdu.

Le Kathak est, de nos jours, la seule danse classique de l’Inde qui fait la synthèse des cultures hindoue et musulmane.

CONTENU (sous réserve de modifications)

• Introduction à la musique et danse Kathak Spiritualité, Gestuelle, Rythme, Émotions, Sentiments, Histoire.
• Travail autour du Rythme à 16 temps (TEENTAL)
• Échauffements Salutation de la danse kathak (Namaskar)
• Exercices de base les HASTAKS (mouvements des bras)
• Travail du rythme, régularité, intensité, tempo,
• Travail dans l’espace, déplacements, marche,
• Travail des pieds (Tatkar)
• Pirouettes (Chakaar) : 1,2 ,3, 4, 5 et 8 temps qui sont toutes les possibilités de pirouettes en Kathak
• Nritta: danse technique et rythmique.
• Apprentissage des « mudras », le langage des mains à une main (ASAMYUKTA HASTA) et deux mains (SAMYUKTA HASTA)
• Travail du rythme, régularité, intensité, tempo,
• Travail dans l’espace, déplacements, marche, sauts, tours
• Travail des pieds TATKAR de base (frappes de pieds ) en Vilanbit laya , Madhya Lay et Drut lay (lent, intermédiaire et rapide 3 vitesses différentes)
• Chorégraphie technique: association des pieds et des bras sur les syllabes de danse et de tabla
• Chant des frappes rythmiques (Padhant )
• Introduction de différents rythmes utilisés dans le Kathak TUKRAS ,TIHAIS LADI

HORAIRES :
10h00 – 13h00 & 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Adolescents et adultes, femmes et hommes, de tout niveau, aucune connaissance préalable exigée.
• Ce stage s’adaptera aux aptitudes de tout le monde, que vous débutez ou que vous ayez une certaine habitude de la danse voir de la danse kathak.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Sharmila Sharma fait revivre avec passion l’héritage millénaire de la danse classique indienne. Elle a commencé à apprendre son art très jeune auprès de sa mère Tara Sharma, du Pandit Rajendra Kumar Gangani et du légendaire Pandit Birju Maharaj. Sharmila est devenue danseuse professionnelle à l’âge de quatorze ans. Elle a fait de nombreuses tournées avec sa compagnie et s’est produite dans de nombreux festivals nationaux et internationaux dans 35 pays. Elle a créé de nombreuses créations et collaboré avec des groupes de flamenco, des musiciens iraniens, de la musique de la Renaissance. Elle est la première danseuse à avoir introduit le Kathak en France.

Pédagogue passionnée, elle s’adonne à la transmission de l’héritage d’une longue tradition classique reçue par ses maîtres, qu’elle enrichit de son expérience internationale, forgée à travers de nombreux dialogues artistiques et multiculturels.
Son activité d’artiste se complète donc par une intense activité d’enseignement et de masterclass dans divers conservatoires en France ainsi que dans des structures associatives partout dans le monde depuis 1993.

KHÖÖMII MONGOL :
TIMBRE, MÉLODIES ET RÉPERTOIRE
10 AU 14 OCTOBRE 2026
AUBAGNE

10 & 11 Octobre : Johanni CURTET
12 au 14 Octobre : Johanni CURTET & Nemekhbayar Yadma

OBJECTIF

S’initier et se perfectionner :
• au timbre du chant diphonique de Mongolie,
• aux mélodies diphonées a cappella,
• au répertoire à la fois chanté en chant de gorge et diphoné.
Pour les plus avancés : à l’accompagnement instrumental traditionnel

CONTENU GÉNÉRAL

Saviez-vous que tout le monde est capable de sortir plusieurs sons avec une seule voix ? Un khöömiich (diphoneur ou diphoneuse mongol(e)) peut, à lui ou elle seul(e), émettre un bourdon vocal et réaliser simultanément une mélodie d’harmoniques entourée de diverses résonances. Cette acrobatie de la voix semble virtuose, mais elle est accessible à tous si on nous en donne les clés. N’importe qui peut être initié au chant diphonique (khöömii).

Pour aborder la technique du khöömii dans sa globalité, Johanni Curtet sera accompagné par le soliste mongol Nemekhbayar Yadma. Ils apporterons au cours du stage des éléments théoriques et pratiques propres à leurs démarches complémentaires : à la fois ethnomusicologique pour l’un et au plus proche de la tradition des Mongols de l’Altaï pour l’autre.

Avec cette méthode, chacun peut repartir avec un bagage lui permettant de développer l’art du khöömii sérieusement, en restant au plus près de la pratique traditionnelle.

La démarche de Nemekhbayar Yadma est ancrée dans une tradition familiale de l’Altaï mongol, enrichie au contact de nombreuses expériences de créations en musique traditionnelle.

HORAIRES : 
10H00 – 13H00 & 14H00 – 16H00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Tous publics (à partir de 18 ans). La masterclass est ouverte aux débutants pour les 2 ou 3 premiers jours, et sur toute  la période pour les plus avancés.

>> S’INSCRIRE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIES

Nemekhbayar YADMA

Né en 1991 à Naran bulag dans la province d’Uvs en Mongolie, il étudie la musique traditionnelle à travers son premier instrument, la vièle khuuchir (équivalent mongol de l’erhu) au Collège de musique et de danse de Zavkhan pendant 4 ans. Il travaille comme musicien d’orchestre au Théâtre Dramatique d’Uliastai de 2006 à 2007 puis de 2010 à 2015. Entre temps il exerce la même fonction avec sa vièle au Théâtre Dramatique de Khovd de 2007 à 2010. C’est à cette période qu’il rencontre Sengedorj Nanjid, directeur du théâtre et l’un des plus grand maître de khöömii professionnel, et qu’il s’initie à cette technique vocale à ses côtés. Depuis 2015, il joue en Europe avec l’ensemble Hosoo-Transmongolia, et à partir de 2019 avec Argusan, son ensemble principal dans lequel il est soliste diphoneur, aux côtés de Mandakhjargal Daansuren, enseignant à l’IIMM. Il joue également en duo avec Johanni Curtet depuis 2024.

Pour découvrir la pratique du khöömii mongol, Nemekhbayar et Johanni proposeront :
• des exercices adaptés aux novices comme aux musiciens confirmés.
• l’apprentissage des fondements techniques et avancés
• un travail accentué sur la recherche d’un timbre vocal typiquement mongol
• l’apprentissage de mélodies et d’un nouveau répertoire lié au chant de gorge pour les plus avancés.

Liens :

https://soundcloud.com/capsule-master/master-argusan-band-notre-ame-2021

https://soundcloud.com/search?q=argusan%20band

Johanni CURTET

Johanni Curtet est musicien, ethnomusicologue, pédagogue du chant diphonique et producteur. Formé d’abord par Trân Quang Hai, son apprentissage traditionnel lui vient de D. Tserendavaa dans les steppes de l’Altaï, et B. Odsüren à l’Université des arts et de la culture d’Oulan-Bator. Il enseigne actuellement le khöömii pour la Philharmonie de Paris, et vient d’ouvrir en 2020 un premier cursus en Occident avec l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne. Il a également enseigné pour Le Pont Supérieur, DROM, ADEM, l’Académie équestre de Versailles ; dans des festivals comme Les Suds à Arles ou Les Orientales, pour des musiciens professionnels, le réseau associatif en pratique amateur, et en 2017 aux États-Unis dans des universités de la côte est. Il a été invité en résidence pour le programme « UD international artist-in-residence in ‘Healing Arts’ initiative » en février et mars 2020 par l’Université du Delaware à Newark.

En dehors de Meïkhâneh, son trio principal, il a notamment joué avec Tserendavaa & Tsogtgerel, Urbi&Orbi de Pierrick Lefranc, l’Opéra électrique Èves futures d’Alain Basso, l’ensemble 9 de Pierre Redon, ou encore Katajjaq et Khöömii, Chorus Nunavik / Mongolie de Katia Makdissi-Warren pour le festival Présence Autochtone à Montréal.

En tant que chercheur, il est chargé de cours en ethnomusicolgie à l’Université Rennes 2. En 2010, il a participé à l’inscription du khöömii mongol sur la liste représentative du Patrimoine Culturel Immatériel de l’Humanité à l’UNESCO. Suite à cela, il publie avec Nomindari Shagdarsuren en 2017 un disque de référence, Une Anthologie du khöömii mongol, qui a reçu de nombreuses distinctions dont ffff Télérama, Coup de cœur de l’Académie Charles Cros, Sélection meilleurs albums 2017 par Le Monde, Top of the World du magazine Songlines, ou encore Meilleur album 2017 de l’Asie centrale et de l’est par le Transglobal World Music Chart.

Toute cette aventure musicale est racontée dans deux films documentaires de Jean-François Castell, Maîtres de chant diphonique (2010) et Voyage en Diphonie (2018).

Il vient de composer sa première musique de film pour « If Only I Could Hibernate » de la réalisatrice mongole Zoljargal Purevdash, en sélection officielle au festival de Cannes 2023 dans la catégorie Un certain regard.

LES MAQAMS :
LANGAGES MODAUX ET OUTILS DE CRÉATION MUSICALE
12 AU 14 OCTOBRE 2026
AUBAGNE

OBJECTIF

L’objectif de cette master-class est d’explorer, de manière exhaustive, toutes les phases du processus créatif d’une œuvre musicale dans le cadre de ce que l’on appelle la musique modale. Ce terme englobe une vaste famille de systèmes musicaux, présentant divers degrés de formalisation, allant de l’Afrique du Nord aux traditions modales européennes (contemporaines et médiévales), jusqu’à l’Asie centrale et au sous-continent indien, en passant par les Balkans et le Moyen-Orient.

APPRENTISSAGE DES PARAMÈTRES ESSENTIELS À LA CRÉATION 

• des facteurs organologiques à considérer lors du choix de son instrument;
• au contexte historique, social, politique, ethnique et religieux propre à chaque style abordé;
• avec un accent particulier sur la formation technique et théorique des élèves, à travers l’étude;
• des modes, de la rythmologie, et des formes compositionnelles issues des grandes traditions évoquées.

CONTENU GÉNÉRAL

Le travail collectif sera également encouragé, avec ses multiples enjeux :

• arrangements
• instrumentation
• choix de timbres
• techniques d’enregistrement en studio et son en concert, etc.
  
  HORAIRES : 
  10H00 – 13H00 & 14H00 – 16H00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Cette master-class s’adresse à tous les musiciens pratiquant un instrument mélodique ou de percussion et chanteurs/euses, issus de n’importe quel univers musical, disposant d’un niveau suffisant de maîtrise instrumentale.

Des notions de solfège sont recommandées.

>> S’INSCRIRE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

EFRÉN LÓPEZ

Multi-instrumentiste · Compositeur · Producteur · Ingénieur du son

Spécialisé dans la vielle à roue et les luths de la tradition médiévale européenne, de la Méditerranée orientale, du Moyen-Orient et de l’Asie centrale.

Depuis plus de 30 ans, Efrén López (València, Espagne, 1972) a participé en tant que compositeur, interprète et/ou producteur à certains des projets musicaux les plus créatifs des deux rives de la Méditerranée, du Moyen- Orient, de l’Asie et des traditions médiévales européennes: Jordi Savall & Hespèrion XXI, Ross Daly, Trio Petrakis López Chemirani, L’Ham de Foc, Stelios Petrakis, Kelly Thoma, Keyvan Chemirani, Katerina Papadopoulou, Derya Türkan, Dilek Türkan, Göksel Baktagir, Sima Bina, Zohar Fresco, Michalis Kouloumis, Azam Ali, Paloma Gutiérrez del Arroyo, Arianna Savall, Capella de Ministrers, Oni Wytars, Eléonore Fourniau, Sylvain Barou, Rocío Márquez, Carles Dénia, María del Mar Bonet, Lamia Yared, Yasamin Shahhosseini, Daud Khan, Parvathy Baul, Fernando Barroso, Germán Díaz, Ziya Tabasian, Nilgün Aksoy, Ertan Tekin, Veka Aler, Arslan Hasreti, Siamak Aghaei, Pedram Khavarzamini, Kourosh Ghazvineh, Bashir Faramarzi, E.A.R., 3,14, Elena Ledda, On, Noma Omran, Zohreh Jooya, Núria Rovira Salat, Faun, Al Firdaus, InTactvs, Eloqventia, Cabra, Armand Amar, Minco Eggersman ou Sandra Sangiao.

Avec toutes ces formations, il a offert des concerts dans des festivals les plus prestigieux d’Europe, d’Afrique du Nord, d’Amérique du Nord et du Sud, du Moyen-Orient, de Chine et du sous-continent indien, et a participé à l’enregistrement de plus de 100 CD.

Il a étudié les techniques et la théorie de divers instruments et systèmes musicaux de la Méditerranée, du Moyen-Orient et de la musique medievale avec Ross Daly, Erkan Oğur, Erol Parlak, Mehmet Erenler, Erdal Erzincan, Ömer Erdoğdular, Necati Çelik, Yurdal Tokcan, Daud Khan Sadozai, Mohammed RahimKhushnawaz, Yasamin Shahhosseini, Keyvan Chemirani, Zohar Fresco, Isabel Martín, Araz Salek, Nigel Eaton, Maurizio Martinotti, Germán Díaz et Pascal Lefevre, entre autres.En tant que professeur de musique, il a donné des ateliers sur la musique médiévale, traditionnelle, modale et l’ingénierie du son à :

Berklee Music School à Valence (Espagne)
Labyrinth Music School en Crète (Grèce)
Labyrinth Catalunya (Espagne)
Labyrinth Online
ESMUC (Barcelone, Espagne)
Ateliers d’Ethnomusicologie (Genève, Suisse)
Ruhnu Fiddle Festival (Estonie)
Fondation Royaumont (France)
École de Musique Persane (Malmö, Suède)

Photo © Jean-Christophe Ken

DAF KURDE :
TRAVAIL SUR LE RAPPORT DU RYTHME ET DE LA POÉSIE À PARTIR DES POÈMES DE MOWLÂNÂ RÛMI
13 au 17 octobre 2026
AUBAGNE

Objectif

S’initier au monde poétique soufi et musical du Kurdistan d’Iran à travers la découverte et la technique des rythmes majeurs kurdes, attachés au chant qui marque cette tradition, à travers la pratique du daf.

Contenu général

• Découverte et approfondissement des principaux rythmes kurdes liés au chant, utilisés particulièrement dans la confrérie Ghâdériyeh du Kurdistan d’Iran (lignée de maîtres Khalifeh – Mirza – Agha – Ghowssi)
• Travail sur les différentes techniques et frappes
• Travail sur des poèmes de Hafez et de Mowlânâ Rûmi, accompagné par l’ensemble des dafs, pour mieux comprendre le lien étroit entre le rythme et la parole dans cette tradition.

HORAIRES : 
10H00 – 13H00 & 14H00 – 16H00
Restitution publique le samedi 17 octobre à 16h30 – AUBAGNE

>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

Biographie

De famille kurde, Shadi Fathi perpétue l’héritage millénaire de la musique classique persane par une expérience de concertiste au long cours et par un lumineux sens de l’improvisation.

Disciple du grand maître Dariush Talaï, elle maîtrise également les instruments à cordes traditionnels et fait vibrer sa sensibilité sur des percussions digitales comme le zarb, ou plus particulièrement le daf, avec un style de jeu dans la lignée de la confrérie Ghâderiyeh du Kurdistan iranien.

Installée en France depuis 2002 et retournant régulièrement en Iran, Shadi confronte dès lors sa musicalité fleurie aux esthétiques européennes et méditerranéennes, multipliant les collaborations sur disques et sur scène.

Elle a encadré plusieurs stages de musique iranienne et de percussions kurdes en France et en Suisse. Avec ces inspirations tutélaires, elle tisse ce fil ténu qui, d’un trait, d’un mot, d’un regard ou d’une note, transperce la beauté et contient dans l’infini détail la puissance de l’universalité. Sa musique navigue dans ses sources vives, de celles qui, fidèles à la poésie soufie, permettent de voir le monde dans une goutte d’eau.

Source photo : Muriel Despiau

OUD ORIENTAL
14 au 18 OCTOBRE 2026
AUBAGNE

COURS DISPENSÉS EN ANGLAIS

OBJECTIFS

• Développer ses performances par l’analyse des notions théoriques et pratiques
• Améliorer sa connaissance musicale et sa technique instrumentale
• Acquérir les outils (modes en tétracordes) pour développer les techniques d’improvisations
• Explorer les différents modes d’interprétations
• Développer sa capacité d’analyse et d’écoute
• Elargir sa pratique de la musique classique arabe par les différents modes de jeux
  
  Programme complet en cours d’élaboration

CONTENU PÉDAGOGIQUE

Les méthodes pédagogiques :  Au-delà, de l’enseignement dit « traditionnel », le programme sera constitué autour d’une nouvelle approche qui permettra d’élargir les différents modes d’interprétations basés sur l’utilisation rythmique du plectre (dispositif permettant de pincer ou gratter les cordes du luth arabe – oud).

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

NOM DES ŒUVRES MUSICALES

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Avoir un niveau minimum d’anglais.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Extraits vidéo

MODALITÉ ET HARMONISATION DANS LE RÉBÉTIKO
La structure et le développement mélodique dans les gammes modales du rebetiko.
16 au 19 octobre 2026
AUBAGNE

OBJECTIFS

L’objectif principal du séminaire est de permettre aux étudiants de comprendre comment les gammes de cette musique sont structurées et le rôle de l’harmonisation, et comment ces deux éléments ont été utilisés dans chacune des périodes au cours desquelles le rébétiko s’est développé.

CONTENU PÉDAGOGIQUE

Nous nous concentrerons sur un répertoire issu des quatre périodes du rébétiko. La première période de la fin du 19ème siècle à 1922, la période de Smyrne de 1922 à 1934 où le rébétiko a été influencé par la musique des réfugiés venus après la destruction de Smyrne, la période d’avant-guerre de 1934 à 1940 et la période d’après-guerre de 1944 à 1955.

• Dans ce séminaire, nous allons apprendre toutes les gammes modales (majeures et mineures) utilisées dans le rébétiko ainsi que la façon dont nous utilisons les accords et les rythmes dans le répertoire.
• Manolis Karapiperis, Giorgos Katsaros, Charilaos Piperakis, Markos Vamvakaris, Manolis Chiotis, Kostas Skarvelis et Vasilis Tsitsanis sont quelques-uns des compositeurs des chansons que nous allons apprendre.
• Bien sûr, puisqu’il s’agit de musique folklorique, l’improvisation ne peut manquer.
• Pour chaque gamme modale que nous apprendrons, il y aura des exemples d’improvisation.

HORAIRES // 20 heures ou 21 heures pour les prises en charge :

• Vendredi 16 octobre : 09h00–13h00 & 14h30–17h30 = 7h
• Samedi 17 octobre : 09h00–13h00 = 3h
• Dimanche 18 octobre : 10h00–13h00 & 14h00–17h = 6h00
• Lundi 19 octobre : 09h00–13h00 = 4h

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Le type de master class sera ouvert – groupe de musique et tous les instruments sont les bienvenus. Les participants doivent avoir un niveau raisonnable sur leurs instruments respectifs.
• Nous travaillerons avec des partitions ainsi qu’à l’oreille, mais un bon niveau de lecture des partitions est essentiel.

INSCRIVEZ-VOUS
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Dimitris Mystakidis est un virtuose grec de la guitare folk qui, depuis 20 ans, poursuit sa quête personnelle des racines et des branches du rebetiko. Multi-instrumentiste, Mystakidis a collaboré avec un grand nombre d’artistes grecs, parmi lesquels compositeurs, musiciens et chanteurs, mais ses collaborations les plus durables ont été celles avec le compositeur et interprète Nikos Papos et son groupe « Loxi Falagga » (Oblique Phalanx), ainsi qu’avec le compositeur, auteur et interprète Thanasis Papakonstantinou.
Mystakidis est professeur au département d’études musicales de l’université de Ioannina. Il a publié deux livres, l’un pour le luth grec continental (Steryianó Laoúto) et l’autre pour la guitare folklorique grecque (Laikí Laoúto).

Mystakidis s’est produit dans des festivals de musique du monde et dans des salles de spectacle à travers l’Europe. En décembre 2006, il a sorti son premier album solo, « 16 Rembetika Tragoudia me Kithara “ (” 16 Rembetika pour guitare ») dans lequel, pour la première fois dans l’histoire de la musique grecque, des chansons de rébetiko ont été arrangées exclusivement pour la guitare folk. Ce travail a eu un tel impact que qu’aujourd’hui, de nombreux groupes de rembetiko suivent les traces de Mystakidis. World Music Network (Royaume-Uni) a présenté cet album et l’a inclus dans l’album Greek Café de Rough Guide en tant que CD bonus, tandis qu’Introducing a publié l’album en version numérique en 2012.

L’ardeur de Mystakidis à aborder le répertoire du rébetiko dans toute sa profondeur l’a conduit à publier, avec Evgenios Voulgaris, Apostolos Tsardakas et Theodora Athanasiou, un deuxième album, « Apsilies » (2009), avec des chansons de rébetiko de l’avant-guerre et de l’époque de Smyrna (Izmir), ‘Apsilies’ (2009) avec des chansons de rembetiko d’avant-guerre et de l’époque de Smyrne (Izmir) et son troisième album, ‘Psithirizontas to Rembetiko’ (‘Whispering Rembetiko’), avec Evgenios Voulgaris en 2013, avec des chansons de rébetiko arrangées pour guitare folk et tambour yayli.

Son album suivant « Esperanto », le deuxième enregistrement solo de Mystakidis, est sorti en novembre 2015, comprenant seize chansons du répertoire d’après-guerre, exclusivement arrangées et interprétées à la guitare et avec la participation de quelques-uns des plus grands chanteurs grecs.

Son dernier album « Amerika » est sorti en avril 2017, comprenant des chansons qui ont été écrites par les immigrants grecs en Amérique il y a plus d’un siècle. Dans cet album, Mystakidis fait revivre le style de guitare « tsibiti » oublié de ces musiciens, une technique clairement influencée par la technique de fingerpicking des bluesmen afro-américains.

Discography links :
https://youtu.be/vMlVBWonzFw?si=-oOpl8tLjLF4Vwvu
https://youtu.be/Phuf739xrYI?si=KBC31e-l9Mjlx1Xr
https://youtu.be/Ip6a7v84GfA?si=xEmHYW-JHwsWf0wd

Video links :
https://www.youtube.com/watch?v=q2VSi3zDNtc&t=25s
https://www.youtube.com/watch?v=8luXRi9YBRA
https://www.youtube.com/watch?v=mZ3HCMUEeEo
https://www.youtube.com/watch?v=AXjygcjDv3o&t=3902s
https://www.youtube.com/watch?v=o5xuZdcO7a8

LES MAQÂMS AU VIOLON ARABO-ORIENTAL :
IMPROVISATION, COMPOSITION ET CRÉATION COLLECTIVE
14 au 17 octobre 2026
AUBAGNE

Cette master-class de 4 jours se déroule du
– 14 & 15 Octobre 2026 à Marseille (Lieu communiquer ultérieurement)
– 16 & 17 Octobre 2026 à Aubagne

CONTEXTE

OBJECTIF

• Assimiler et reconnaître les principaux maqâms de la musique arabe
• Construire et Développer un discours musical cohérent à travers l’improvisation.-
• S’initier aux micro-intervalles-
• Aborder les principales techniques ornementales du violon arabo-oriental avec une mise en contexte pour chaque zone géographique étudié.-
• Stimuler la partition intérieure en optimisant l’écoute et en poussant les limites de la mémoire.
• Mettre en application les bases de la polyrythmie en stabilisant l’horloge interne.
• Percevoir les phénomènes de Tension/Détente rapportés aux maqâms.
• Développer des stratégies d’exploration musicale individualisées selon le Background de chaque candidat.

Extrait vidéo 

LA DOÏNA : ORNEMENTATION, IMPROVISATION ET TRANSMISSION DANS LES RÉPERTOIRES KLEZMER
16 AU 18 OCTOBRE 2026
AUBAGNE / MARSEILLE

PROGRAMME : 

16/10/2026 : MARSEILLE
17/10/2026 : AUBAGNE
18/10/2026 : AUBAGNE

OBJECTIF GÉNÉRAL

Initiation et perfectionnement aux différentes expressions du Klezmer, musique traditionnelle des juifs d’Europe de l’Est. 

CONTENU PÉDAGOGIQUE

> Apprentissage de morceaux du répertoire :

• Danses (pour les diverses célébrations et fêtes : mariages, anniversaires, bat-mitsvot ou bar-mitsvot)
• Nigunim (chansons sans paroles)
• Chansons domestiques (berceuses, etc.)
• Quelques mélodies issues de prières du culte juif (ex : Avinu Malkenu)

> Travail sur les spécificités techniques et théoriques du répertoire Klezmer :

• la mélodie et ses différentes variations
• la souplesse de l’agogique dans le phrasé d’une mélodie (jouer avec la vitesse),
• les harmonisations et arrangements
• les modes «Klezmer majeur» (Ahavah Rabbah), «Klezmer mineur» (Mi Chébérakh), myxolydien (Adonaï Malakh) et d’autres plus classiques
• les ornements (krekhts, glissandi, trilles)
• les motifs idiomatiques mélodico-rythmiques typiques de la musique Klezmer
• les différentes rythmiques : hora (ex : Gasn Nigun), freylekh (Bukoviner Freylekh), bulgar (ex : Heyser Bugar), terkish (ex : Der Yid In Yerushalayim ou Terkishe Yale V’Yove Tantz), Khosidl (ex : Khosidl de German Goldenshteyn)

> Apprendre à construire une improvisation (lors d’une Doïna, par exemple) : modale, sur un bourdon, et en initiant des changements d’harmonies

> Analyse générale du Klezmer à partir de l’écoute de sources audio, avec un apprentissage du répertoire. Il est possible d’amener des morceaux sous forme écrite ou audio souhaitant être travaillés pendant l’atelier.

> Écoutes :

• Anciens enregistrements (Naftule Brandwein, Dave Tarras, Abe Schwartz, Belf’s Romanian Orchestra, A. Elenkrig’s Yidishe Orchestra, Lieut. Jos. Frankel’s Orchestra, State Ens. of Jewish Folk Music of Ukrainian SSR, S. Young’s Yiddisher Orchestra, Josef Solinski, Max Leibowitz, Menashe Oppenheim)
• Comparaison avec enregistrement plus récents (Klezmatics, Brave Old World, Deborah Strauss, Chicago Klezmer Ensemble, Di Naye Kapelye, German Goldenshteyn, Zisl Slepovitch’s Litvakus, Steven Greenman, Pete Rushefsky And Jake Shulman-Ment)

> Comparer la modalité et l’influence de la tonalité occidentale dans les arrangements Klezmer actuels

CONTEXTE DU RÉPERTOIRE

La musique « klezmer » est celle que les baladins juifs ashkénazes colportaient de fête en fête, de « shtetl » (village) en ghetto, dans toute l’Europe de l’Est depuis le Moyen Âge jusqu’aux persécutions nazies et staliniennes du vingtième siècle. Elle s’inspire aussi bien de chants profanes et de danses populaires Au contact de musiciens slaves, tsiganes, grecs, turcs et -plus tard- du jazz, le klezmer a acquis une diversité et une sonorité caractéristique qui lui vaut aujourd’hui d’être reconnu et apprécié dans le monde entier. Le répertoire klezmer et yiddish invite le public à la danse et permet au musicien d’exprimer toutes les émotions humaines, de la joie au désespoir, de la piété à la révolte et du recueillement à l’ivresse, sans oublier l’humour juif et… l’amour! Depuis le 21ème siècle, une mention spéciale doit être faite aux nouvelles tendances qui incluent du klezmer ou se revendiquent, même de loin, de cette mouvance : il s’agit des multiples fusions avec des musiques occidentales contemporaines comme le reggae, le ska, le hip-hop, le drum’n bass, la disco, la techno, la house, le rap, le ragga, la jungle…

LE COLLECTAGE

Le collectage est devenu une urgence en voyant la génération de la Shoah disparaitre, avec elle toute la Yiddishkeit s’en aller. Dès les années 70 des musiciens et ethnomusicologues ont commencé ce travail de collectage, à commencer par le YIVO à NY (Yiddish Institute for Jewish Research – YIVO en Yiddish). Des personnes comme Zev Feldman ont fait plusieurs travaux de collectage sur le terrain pour récolter les sources des dernières personnes sur place encore vivantes.

LE RÔLE DE LA TRANSMISSION

De nombreux musiciens d’Europe de l’Est ont émigré aux USA, fuyant les pogroms, comme Dave Tarras ou Naftule Brandwein. Ils ont continué à jouer cette musique aux USA pour la communauté dans le cadre des célébrations de la vie juive, puis sur scène. Comme toutes les traditions orales, celle-ci s’est modifiée au contact notamment du jazz aux USA, donnant un style particulier qu’on ne trouve pas dans les transmissions qui ne sont pas passées par les Etats-Unis (ex: German Goldenshteyn, avant d’arriver aux USA en 1994). Depuis, de nombreux recueils de klezmer ont fait leurs apparitions, mais il manque toujours l’essentiel que l’écrit ne peut pas transcrire : le style, le phrasé, etc. Ces recueils sont précieux et permettent de découvrir du répertoire à condition de connaitre le style, ou d’avoir des sources sonores fiables.

LA RETRANSMISSION

La retranscription est limitée, car il est difficile d’écrire le phrasé, le style, le tempo et le rythme qui n’est pas vraiment carré (ex: la Hora klezmer est entre un 3/4 et un 5/8). Difficile également de transcrire les ornements (krekhts, trilles plus ou moins serrées). La partition n’est là que comme un aide-mémoire ou découvrir du répertoire, mais l’oralité est indispensable.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

> Attention : atelier uniquement INSTRUMENTAL.
> Ouvert à tous les instruments, tous niveaux (à condition de maîtriser un minimum son instrument), sans limite d’âge.
> Il faut savoir où sont toutes les notes sur son instrument, être à l’aise avec son instrument et pouvoir jouer des mélodies sans trop de difficultés (tenir un morceau du début à la fin sans s’arrêter et sans effort).

> Possibilité de venir en groupe, de préparer des morceaux, ses arrangements

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Le contrebassiste et compositeur Rémy Yulzari réinvente le rôle la contrebasse comme instrument soliste aux multiples facettes. Puisant dans sa propre histoire, il créé un style personnel au large éventail de couleurs et de styles basé sur l’improvisation et la créativité. Rémy Yulzari utilise également l’accordéon, le mélodica et le piano sur scène. Il s’est produit dans des salles prestigieuses de plusieurs pays, de l’Angleterre aux États-Unis, d’Israël à la Russie, jusqu’à Taiwan et au Japon, ainsi que dans de nombreux festivals. Membre fondateur de plusieurs ensembles balayant un large éventail de styles, il a sorti sept albums, dont deux comme leader (Enigme Eternelle, Azafea), et deux avec son trio Klezele (Freylekh From Vladivostok et Mosaïque). Il a enregistré la bande originale du film «L’Empreinte» avec son Quintette Monsolo ainsi que deux albums d’oeuvres de musique de chambre de G. Onslow et J. S. Bach pour le label Polynmie. Il est également titulaire du Certificat d’Aptitude (Master d’Enseignement musical) du CNSM de Lyon et Artist Diploma de la prestigieuse Julliard School de New-York. Il est régulièrement invité à donner des masterclasses de contrebasse, musique de chambre et de musique klezmer au Japon (Koshin RKC Hall) et partout en France. Il enseigne au Pôle Supérieur de Paris, succédant à Ibrahim Maalouf.

Www : http://yulzari.com

Facebook : https://www.facebook.com/RemyYulzariBassist

Extrait vidéo : https://youtu.be/Y5DbeNd_j8c?t=211

Extrait audio n°1 : http://yulzari.com/wp-content/uploads/2012/07/Trio-klezmer-_-nigun.mp3

Monodies médiévales : Hildegard von Bingen (1098-1179)
18 au 22 octobre 2026
AUBAGNE

OBJECTIF

• Invitation à partir sur les traces d’une musique d’antan avec un regard d’aujourd’hui.
• Apprentissage de monodies de Hildegard von Bingen (1098-1179) dans toutes leurs diversités textuelles et mélodiques
• Initiation aux « neumes » et autres écritures musicales du Moyen Âge
• Initiation au tempérament pythagoricien

 RÉPERTOIRE

• Visionnaire légendaire, Hildegard von Bingen est l’une des rares femmes de toute l’histoire de la musique ayant laissé autant d’écrits sur des sujets très variés. Les monodies, en latin, de cette abbesse hors du commun sont des chants poétiques inspirés de ses visions solitaires et de véritables hymnes à la vie, à l’amour, à la fécondité et à la femme. Elles nous renseignent sur la tradition du chant savant et nous montrent la richesse d’une pratique vocale liturgique que l’on associe communément aux voix masculines.

CONTENU GÉNÉRAL

• Préparation corporelle du chanteur et mise en voix
• Transmission orale : apprentissage par écoute et imitation (sans partitions)
• Travail d’écoute et de justesse harmonique, recherche de timbres
• Travail de dynamique du souffle, sons tenus et mélisme
• Recherche d’interprétation des textes (e.a. parlé/chanté)
• Initiation aux écritures médiévales

HORAIRES :
10h00 – 13h00 & 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Adolescents et adultes, femmes et hommes, de tout niveau, aucune connaissance préalable exigée.
• Ce stage s’adaptera aux aptitudes de tout le monde, que vous débutez ou que vous ayez une certaine habitude du chant voire du chant médiéval.
  La méthode d’enseignement se prête à mélanger les niveaux dans un seul groupe tout en gardant une approche individualisée.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Après un diplôme en Orthophonie, la chanteuse Els Janssens poursuit sa formation musicale au Jazzstudio d’Anvers (B), puis en chant classique aux Conservatoires d’Anvers (B) et Liège (B). Ensuite elle part se spécialiser en musique baroque et renaissance au Conservatoire de Toulouse et en musique médiévale à la Schola Cantorum Basiliensis (CH).

Aujourd’hui, Els Janssens mène une carrière internationale, s’aventurant avec enthousiasme dans douze siècles de musique dite « classique ». Avec Mora Vocis, dont elle assure la direction artistique depuis 2011, Els Janssens conçoit des concerts et des spectacles de musique médiévale et contemporaine, en y mêlant parfois du cirque, du théâtre, de la vidéo, de la danse, donnant ainsi un place importante au corps comme instrument et prolongation de la voix.

De nombreux enregistrements audio et vidéo (et leurs récompenses) témoignent des collaborations avec des musiciens de grande renommée (Ensemble Leones, Mora Vocis, Ensemble Dialogos, Solistes XXI, Oensemble recherche, Ensemble Meitar…). Els Janssens donner une place importante à la création et le travail en direct avec des compositrices et compositeurs de notre temps. Dans cette même lumière, l’improvisation regagne du terrain grâce aux rencontres diverses avec des artistes de pays et de styles très variés.

Parallèlement à sa carrière de chanteuse-interprète polyglotte, Els Janssens enseigne le chant et la présence scénique sous forme de stage ou de master class. Elle intervient également auprès de différents artistes et ensembles en tant que conseillère musicale, linguistique et scénique.

Photo ©François MARIOTTI

Chants de la tradition séfarade judéo-espagnole
ATELIER D’INITIATION
18 OCTOBRE 2026
AUBAGNE

CONTEXTE

Les chants séfarades, s’ils trouvent leur origine dans l’Espagne médiévale, ont largement été influencés, nourris, par l’univers musical et poétique des terres d’accueil et d’exil des communautés juives chassées de la Péninsule Ibérique à la fin du 15e siècle. C’est la raison pour laquelle l’approche des traditions musicales voisines du répertoire séfarade stricto sensu est nécessaire à l’étude du répertoire lui-même.
Sachant que les deux grandes aires géographiques où s’est développé le répertoire judéo-espagnol sont le sud de la Méditerranée occidentale d’une part, (Nord du Maroc, essentiellement) et la Méditerranée Orientale et les Balkans d’autre part (notamment les villes de l’empire Ottoman telles que Salonique, Istanbul, Izmir, Edirne, Sarajevo…), nous avons à cœur, en invitant régulièrement des musiciens et musicologues spécialistes des répertoires de ces deux aires, d’enrichir la pratique des élèves du Cursus et d’élargir les ponts entre ces répertoires voisins, en permettant également à d’autres personnes, (qui peuvent par exemple être inscrites à d’autres cursus), de les rejoindre le temps d’une Master-class.
Cette Masterclass permettra donc de développer sa familiarité avec le monde poétique et musical judéo-espagnol dans sa diversité, et d’approcher les différentes techniques d’ornementation vocale (voire instrumentale) rencontrées dans la sphère arabo-andalouse, ottomane, balkanique, que l’on pourra retrouver dans certains chants judéo-espagnols.

DÉMARCHE

L’atelier se déroulant essentiellement de façon orale, il ne nécessite pas de connaissance en lecture musicale. Cependant les partitions correspondant aux chants étudiés seront distribuées autant que possible.
Un temps pourra être consacré à l’écoute et l’analyse comparative de diverses interprétations de chants à partir d’extraits sonores.
On pourra apporter son matériel d’enregistrement, notamment pour s’approprier les chants proposés d’un jour à l’autre.

CONTENU

• Préparation corporelle et prise de conscience des éventuels points de blocage, ancrage et fluidité gestuelle.
• Echauffement vocal : travail sur la souplesse et l’agilité, l’ornementation et les mélismes, en fonction des chants abordés et dans le respect des modes.
• Travail rythmique : intégration des rythmes les plus fréquemment rencontrés et pratique de base de la percussion digitale pour accompagner le chant.
• Disponibilité, intériorisation, écoute et répétition de phrases musicales permettant de s’imprégner de l’éthos d’un mode.
• Travail spécifique autour de l’art de l’ornementation, à partir de quelques chants judéo-espagnols des différents rameaux constitutifs du répertoire : romances issues de la tradition médiévale espagnole, kantigas. coplas.
• Précisions autour du contexte historique et culturel, apports théoriques, travail sur la langue et l’interprétation : la prosodie, la prononciation, les mots que l’on souhaite mettre en avant en fonction de leur sens et de l’émotion que l’on transmet.
  

HORAIRES :
10H00 – 13H00 & 14H00 – 16H00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Bonne pratique du chant et intérêt pour le répertoire abordé dans sa diversité (pas de connaissance théorique  nécessaire).
• Ouvert aux amateurs et professionnels, lecteurs ou non-lecteurs de partitions.
• Une familiarité, même limitée, avec la langue judéo-espagnole (ou l’espagnol) permettra un gain de temps et davantage d’aisance.
• Des percussions (tambour sur cadre type daf) peuvent être prêtés par l’institut, mais on peut venir avec son propre instrument !
• Les instrumentistes sont également bienvenus,  s’ils souhaitent s’accompagner et/ou interpréter les intermèdes instrumentaux des chants abordés.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISES EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Maria Zopounidis grandit en Grèce où elle baigne, depuis son enfance, dans une double culture musicale : son père, grec pontique, lui transmet les chants traditionnels de Grèce, d’Asie Mineure et de la mer noire dont ils sont originaires ; sa mère, pianiste franco-italienne, lui enseigne le piano et lui donne une éducation musicale classique.

Elle arrive en France afin de poursuivre ses recherches musicales et obtient en 2018, le Diplôme d’tudes Musicales en chant lyrique au CRR d’Avignon. Elle se perfectionne à l’Institut Supérieur des Arts de Toulouse où elle obtient, en 2022, le Diplôme National Supérieur Professionnel de Musicien en chant lyrique dans la classe de Sophie Koch et Didier Laclau-Barrère. Elle obtient également sa Licence en Musicologie à l’université de Toulouse Jean Jaurès et le Diplôme d’État en chant lyrique. En 2021 elle gagne le prix Espoir de l’Académie Internationale Maurice Ravel à Saint-Jean-de-Luz et en 2022, elle débute sa carrière de chanteuse professionnelle avec le Chœur National du Capitole de Toulouse. En 2023 et 2025, Maria incarne le rôle de Susanna dans les Noces de Figaro de Mozart à l’occasion du festivalNuits Musicales en Armagnac.

Son amour pour le chant ancien de transmission orale l’amène à suivre, en 2022, le cursus Chants sacrés et profanes des traditions séfarades et Al-Andalus auprès de Françoise Atlan, à l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne, où elle obtient en novembre 2023 son Diplôme d’Études Musicales. Depuis, elle enseigne en tant qu’assistante auprès de Sandra Bessis dans le cursus Chants de la tradition séfarade judéo-espagnole et approche des répertoires associés de l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne. Elle y enseigne également depuis 2022 le grec moderne dans le cursus Chants de Grèce et d’Asie Mineure dirigé par Maria Simoglou. Maria a également validé le Master en Musicologie à l’Université Jean Jaurès de Toulouse et a communiqué auprès de Florence Mouchet, maître de conférences en musicologie médiévale, au colloque Musiques modales d’aujourd’hui et d’hier, organisé en avril 2023 à l’Abbaye de Sylvanès.

Depuis juin 2023, Maria collabore avec différents artistes de la scène des musiques du monde, notamment Soroush Kamalian, poly-instrumentiste iranien et Bruno Allary, guitariste et directeur artistique de la Compagnie Rassegna.

Bandonéon
Travail collectif et individuel
17 AU 20 DÉCEMBRE 2026

// Ouvert aux accordéonistes //
// Possibilité de prêt de Bandonéon //

OBJECTIF

• Perfectionner la maîtrise du son du bandonéon.
• Travailler sur le vibrato
• Comprendre l’actualité et l’histoire de l’instrument

CONTENU GÉNÉRAL

• Travail à partir du répertoire classique
• Travail avec du matériel historique du Tango (A. Troilo, A. Piazzolla, C. Gardel),  œuvres proposées par Victor Hugo Villena.
• Travail sur des œuvres que les candidats maîtrisent et souhaitent développer pour leur interprétation.
• Écoute et analyse comparatives à partir d’extraits sonores : les solistes historiques et actuels du bandonéon.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

•  Tous les systèmes de bandonéon sont acceptés : bisonores argentin et allemand, et unisonores.
• Ouvert aussi aux accordéonistes
• Possibilité de prêt de quelques bandonéons par l’IIMM.
• Les stagiaires seront acceptés après avoir envoyé un échantillon sonore attestant de leur niveau (amateur, semi professionnel, professionnel).
• Langues parlées : français, espagnol, anglais, italien, allemand. Les cours en groupe seront donnés en français et en anglais.

>> INSCRIPTION EN LIGNE<<

Biographie

Victor VILLENA

Victor VILLENA

KATHAK – DANSE DE L’INDE DU NORD 
8 au 12 février 2027
INDE – BANARAS HINDU UNIVERSITY

OBJECTIF

L’objectif est de vous faire découvrir l’art de la danse classique de l’Inde du Nord Kathak. La forme d’atelier que je propose s’appuie sur l’ensemble de mes expériences professionnelles. L’enseignement de l’Histoire et des théories de la danse, chant des Bôles (onomatopées rythmiques) pour vocaliser la subdivision et le phrasé des temps, utilisation de la battue de main comme technique de repérage dans les cycles. Au sein de cet atelier qui s’adresse aux danseurs, danseuses venant de tous les horizons de la danse, nous allons plonger dans la chorégraphie autour de la fluidité de la danse et le rythmique indienne.

 RÉPERTOIRE & HISTOIRE

Enseignement de la danse Kathak « Lukhnow Gharana » (de l’école de Lukhnow) / Culture musicale & percussions corporelles) / Les subtilités d’interprétations selon les grandes écoles / L’Art de l’improvisation / Apprentissage de la rigueur grammaticale.

Le Kathak, danse classique du Nord de l’Inde est un art vieux de 3000 ans. Le mot « kathak » dérive du mot « katha » ou « fait de raconter une histoire ». Katha kahe so kathak : celui qui raconte une histoire en dansant est un kathak. A l’origine, cette communauté d’artistes dénommés Kathakar, raconte donc des histoires à caractère mythologique dans les temples hindous du Nord de l’Inde. Sans aucun doute, leur art trouve ses racines dans la pratique religieuse et dévotionnelle hindoue. Les mouvements des mains (mudra) et du corps, ainsi que les expressions du visage (abhinaya) utilisés par les Kathakars pour enrichir leur narration donnent naissance au Kathak. Le savoir des Kathakars s’est ainsi transmis de génération en génération selon la tradition orale.

Sous le règne des dynasties mogholes, entre le 11e et le 18e siècle, le Kathak quitte l’enceinte des temples et pénètre dans les somptueux palais des empereurs musulmans et des rois hindous. D’une pratique purement dévotionnelle, il évolue vers une danse de cour destinée à l’agrément de ces hauts et puissants seigneurs. Il adopte des éléments culturels typiquement persans et s’épanouit.

Sous le patronage des Moghols, le Kathak prend la forme que nous lui connaissons aujourd’hui. D’un aspect tout d’abord essentiellement hindou, l’esthétique de cette danse évolue, en accord avec l’esthétique de la culture musulmane. Ainsi, l’expression, le mime et la gestuelle deviennent plus subtils, l’artiste s’attachant à exprimer un même thème de mille et une manières grâce à d’infimes nuances. L’aspect danse pure ou nritta du Kathak devient aussi très sophistiqué, les rythmes, les mouvements, les pirouettes plus complexes. Le Kathak s’imprégné alors également de la poésie Urdu.

Le Kathak est, de nos jours, la seule danse classique de l’Inde qui fait la synthèse des cultures hindoue et musulmane.

CONDITIONS :

L’organisation et les frais de voyage sont à la charge de l’apprenant.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<

Vièle Cheval de Mongolie
16 au 20 février 2027
AUBAGNE

OBJECTIF

S’initier et se perfectionner :
• À la Vièle à tête de Cheval (Morin Khuur) de Mongolie,
• Aux différentes techniques instrumentales,
• Au répertoire de l’instrument
• Selon le temps : à l’accompagnement du chant diphonique (khöömii) pour les participants qui le maîtrisent, ou plus généralement du chant

CONTENU GÉNÉRAL

Le morin khuur est l’instrument ancestral et emblématique des Mongols. Cette vièle à deux cordes frottées, dont la sonorité se rapproche de celle d’un violoncelle, étonne grâce à son manche surmonté d’une tête de cheval sculptée. Son répertoire est des plus vaste, allant des airs traditionnels pour accompagner le chant, aux rythmes de danse, en passant par des pièces solistes simples ou virtuoses appelées tatlaga. Si son jeu retrace l’allure des animaux, comme celle du cheval ou du chameau, ses résonnances subtiles rappellent l’immensité des steppes. Son usage moderne et contemporain se retrouve dans des créations en tous genres, notamment dans la musique classique ou le courant ethno-rock.

La démarche de Mandakhjargal est ancrée dans une tradition familiale du désert de Gobi et enrichie au contact de nombreuses expériences de créations, en musique traditionnelle, classique ou expérimentale.

Pour découvrir la pratique de la vièle cheval simplement, que l’on sache manier un archet ou non, il proposera :
• des exercices adaptés aux novices comme aux musiciens confirmés.
• l’apprentissage des fondements techniques
• des pistes de travail seront explorées pour comprendre comment accompagner le chant, qu’il soit diphonique, de gorge, ou autre.

Cette masterclasse est intégrée en complément des enseignements de chant diphonique mongol ouverts en cursus depuis quatre ans avec Johanni Curtet. Elle permettra d’ouvrir une perspective institutionnelle dans l’enseignement du morin khuur en France, jusqu’ici resté peu connu et transmis dans la sphère privée.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Tous publics, aucun pré-requis ( à partir de 18 ans). Plus jeune : nous contacter.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIES

MANDAKHJARGAL DAANSUREN

Mandakhjargal est né le 19 mai 1992 dans le village de Luus, dans la région de Dundgobi en Mongolie. Dès l’âge de 9 ans, il apprend à jouer du morin khuur (vièle cheval ou dite « à tête de cheval ») auprès de son père, musicien et luthier. Il grandit dans le désert de Gobi au sein d’une grande famille de musiciens. En 2010, il termine ses études à l’université de Soyol (Culture) en tant que joueur et professeur de morin khuur. Il apprend également toutes les techniques du khöömii et chant de gorge et maîtrise aussi la flûte tsuur et la guimbarde. Dès la fin 2010, en s’installant en France, il commence à promouvoir la musique traditionnelle mongole en Europe. Il se produit en concert avec différents partenaires artistiques, notamment Argusan, Duo Gobi Rhapsodie, Uvidas, Mathias Duplessy et les Violons du monde, Sakhius, Yidjam. Il sort son premier album solo en mai 2016 et l’album de son nouvel ensemble, Argusan, en 2021.

Discographie

• La mélodie de Gobi ( autoproduction, 2016)
• Pierre Redon et l’Ensemble 9, Chakras & 5 éléments ( Les Soeurs Grées, 2020)
• Argusan ( autoproduction, 2021)
• Gobi Rhapsodie, Nar ( Ars Produktion, 2022)
• Si Seulement je pouvais hiberner, B.O. du film composée par Johanni Curtet ( Buda Musique, 2024)

Lien vidéo :

https://www.dailymotion.com/video/x72cy1j

https://www.dailymotion.com/video/x72cy7a

EXTRAITS VIDÉOS

En savoir plus :
http://www.ethnomusicologie.fr/la-sfe/annuaire/userprofile/jcurtet
http://www.routesnomades.fr/
http://www.meikhaneh.com/

Textes : Mandakhjargal Daansuren et Johanni Curtet
Copyright photos : © Sébastien Cambon

MUSIQUE KLEZMER
24 AU 28 FEVRIER 2027
AUBAGNE 

OBJECTIF GÉNÉRAL

Cette master-class propose une initiation et un perfectionnement aux différentes expressions du klezmer, musique traditionnelle des communautés juives ashkénazes d’Europe de l’Est.

À travers l’apprentissage du répertoire, le travail instrumental, l’écoute de sources historiques et contemporaines et l’exploration de l’oralité, les participants découvrent les codes mélodiques, rythmiques, harmoniques et stylistiques propres à cette musique.

L’objectif est également de développer une compréhension plus fine du phrasé, des ornements, de l’improvisation et de la transmission orale, afin de permettre à chaque musicien de s’approprier le langage klezmer tout en développant sa propre interprétation.

CONTENU PÉDAGOGIQUE

1. Découverte et apprentissage du répertoire

Travail à partir de morceaux issus des différentes traditions du répertoire klezmer et yiddish :

• Danses traditionnelles, associées notamment aux mariages, anniversaires, bar-mitsvot et bat-mitsvot ;
• Nigunim, mélodies ou chants sans paroles ;
• Chansons de la vie quotidienne, notamment berceuses et chants domestiques ;
• Mélodies issues du répertoire liturgique juif, telles que Avinu Malenu.

Les participants pourront également proposer des morceaux, sous forme de partitions ou d’enregistrements audio, qu’ils souhaitent travailler pendant la master-class.

2. Spécificités techniques et théoriques du langage klezmer

Le travail portera notamment sur :

• la mélodie et ses différentes variations ;
• la souplesse de l’agogique et du phrasé : jouer avec le tempo et le mouvement de la mélodie ;
• les harmonisations et arrangements ;
• les principaux modes et échelles utilisés dans le klezmer, notamment Ahavah Rabbah, Mi Chébérakh et Adonaï Malakh, ainsi que d’autres modes issus de la tradition musicale occidentale ;
• les ornements caractéristiques : krekhts, glissandi, trilles, etc. ;
• les motifs mélodico-rythmiques idiomatiques du langage klezmer ;
• les principales formes rythmiques et dansées : hora, freylekh, bulgar, terkish, khosidl, etc.

3. Initiation à l’improvisation

Les participants seront amenés à construire une improvisation dans différents contextes, notamment lors d’une doïna.

Le travail abordera notamment :

• l’improvisation modale ;
• l’improvisation sur un bourdon ;
• la construction et le développement d’une phrase mélodique ;
• l’utilisation et la transformation des motifs ;
• l’introduction progressive de changements d’harmonies.

4. Écoute, analyse et mise en pratique

L’écoute constitue une part essentielle de l’apprentissage du klezmer. Elle permettra d’identifier les caractéristiques stylistiques du répertoire et de comprendre les différentes évolutions de cette tradition musicale.

Un travail d’écoute et d’analyse sera réalisé à partir de sources historiques et d’enregistrements plus récents, notamment :

Sources historiques : Naftule Brandwein, Dave Tarras, Abe Schwartz, Belf’s Romanian Orchestra, A. Elenkrig’s Yidishe Orchestra, Lieut. Jos. Frankel’s Orchestra, State Ensemble of Jewish Folk Music of Ukrainian SSR, S. Young’s Yiddisher Orchestra, Josef Solinski, Max Leibowitz, Menashe Oppenheim.

Interprètes et ensembles plus récents : The Klezmatics, Brave Old World, Deborah Strauss, Chicago Klezmer Ensemble, Di Naye Kapelye, German Goldenshteyn, Zisl Slepovitch’s Litvakus, Steven Greenman, Pete Rushefsky & Jake Shulman-Ment.

Une attention particulière sera portée à la comparaison entre les différentes traditions d’interprétation et à l’influence de la tonalité occidentale sur les arrangements klezmer contemporains.

CONTEXTE DU RÉPERTOIRE

Le klezmer désigne la tradition musicale des musiciens itinérants juifs ashkénazes d’Europe de l’Est, qui se produisaient notamment lors des fêtes et célébrations de la vie communautaire.

Issu de traditions musicales multiples, le répertoire klezmer s’est développé au fil des siècles au contact des cultures environnantes. Il porte notamment les influences de traditions slaves, roms, grecques et turques, puis, au cours du XXe siècle, du jazz américain.

Cette histoire explique la richesse et la diversité du langage klezmer, qui permet d’exprimer une palette particulièrement large d’émotions : de la joie au désespoir, de la piété à la révolte, du recueillement à l’ivresse, sans oublier l’humour et l’amour.

Aujourd’hui, le klezmer continue d’évoluer et de se réinventer. De nombreux artistes explorent des croisements avec les musiques actuelles et électroniques : reggae, ska, hip-hop, drum’n’bass, disco, techno, house, rap, ragga, jungle, etc.

LE COLLECTAGE : PRÉSERVER UNE MÉMOIRE MUSICALE

La transmission du klezmer repose en grande partie sur une tradition orale. La disparition progressive des générations ayant connu la vie musicale d’avant et après la Shoah a rendu le travail de collectage particulièrement important.

À partir des années 1970, des musiciens et des ethnomusicologues ont entrepris de recueillir et de préserver les témoignages, les enregistrements et les répertoires encore accessibles. Le YIVO – Institute for Jewish Research, à New York, a notamment joué un rôle majeur dans la préservation de cette mémoire.

Des chercheurs et collecteurs de terrain, parmi lesquels Zev Feldman, ont également contribué à documenter les dernières traces vivantes de ces traditions en Europe de l’Est.

LE RÔLE DE LA TRANSMISSION ORALE

De nombreux musiciens d’Europe de l’Est ont émigré aux États-Unis, notamment pour fuir les pogroms et les persécutions. Des figures comme Dave Tarras ou Naftule Brandwein ont continué à faire vivre le klezmer au sein des communautés juives américaines, notamment lors des célébrations et des événements communautaires, puis sur scène.

Comme toute tradition orale, le klezmer s’est transformé au fil de ses transmissions et de ses rencontres avec d’autres cultures musicales. Son passage par les États-Unis, notamment son contact avec le jazz, a ainsi donné naissance à des styles et des pratiques d’interprétation spécifiques.

Les recueils de partitions constituent aujourd’hui des outils précieux pour découvrir et transmettre le répertoire. Toutefois, ils ne peuvent restituer certains éléments essentiels du langage klezmer : le style, le phrasé, les inflexions, les ornements, le placement rythmique et les variations propres à chaque interprète.

L’écoute et l’apprentissage par l’oralité restent donc indispensables à une compréhension véritable du style.

PARTITION ET ORALITÉ

La retranscription écrite du klezmer présente certaines limites. Il est notamment difficile de rendre fidèlement sur une partition :

• les subtilités du phrasé ;
• les variations de tempo et de rythme ;
• la souplesse du jeu et les décalages rythmiques ;
• les différents types d’ornementation (krekhts, trilles, glissandi, etc.) ;
• certaines particularités rythmiques, comme celles de la hora klezmer, dont le ressenti peut se situer entre différentes subdivisions métriques.

La partition constitue donc avant tout un support et un aide-mémoire, permettant de découvrir ou de conserver un répertoire. La transmission orale, l’écoute et l’imitation restent essentielles pour en saisir le style et l’interprétation.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Une master-class exclusivement instrumentale

• Ouverte à tous les instruments ;
• Tous niveaux, à condition de maîtriser un minimum son instrument ;
• Sans limite d’âge ;
• Aucun prérequis en klezmer n’est nécessaire.
• Les participants doivent toutefois être suffisamment à l’aise avec leur instrument pour : connaître l’emplacement des notes ; jouer des mélodies avec une certaine autonomie ; tenir un morceau du début à la fin sans s’arrêter et sans difficulté majeure.

Travail individuel et collectif

Il est possible de venir en groupe, de préparer en amont des morceaux ou des arrangements et de les proposer au travail pendant la master-class.

Les participants sont également invités à apporter leurs partitions, enregistrements ou références audio lorsqu’ils souhaitent approfondir un morceau ou un répertoire particulier.

L’objectif est de favoriser une approche pratique, collective et vivante, où l’écoute, le jeu, l’expérimentation et la transmission orale occupent une place centrale.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<

BIOGRAPHIE

Le contrebassiste et compositeur Rémy Yulzari réinvente le rôle la contrebasse comme instrument soliste aux multiples facettes. Puisant dans sa propre histoire, il créé un style personnel au large éventail de couleurs et de styles basé sur l’improvisation et la créativité. Rémy Yulzari utilise également l’accordéon, le mélodica et le piano sur scène. Il s’est produit dans des salles prestigieuses de plusieurs pays, de l’Angleterre aux États-Unis, d’Israël à la Russie, jusqu’à Taiwan et au Japon, ainsi que dans de nombreux festivals. Membre fondateur de plusieurs ensembles balayant un large éventail de styles, il a sorti sept albums, dont deux comme leader (Enigme Eternelle, Azafea), et deux avec son trio Klezele (Freylekh From Vladivostok et Mosaïque). Il a enregistré la bande originale du film «L’Empreinte» avec son Quintette Monsolo ainsi que deux albums d’oeuvres de musique de chambre de G. Onslow et J. S. Bach pour le label Polynmie. Il est également titulaire du Certificat d’Aptitude (Master d’Enseignement musical) du CNSM de Lyon et Artist Diploma de la prestigieuse Julliard School de New-York. Il est régulièrement invité à donner des masterclasses de contrebasse, musique de chambre et de musique klezmer au Japon (Koshin RKC Hall) et partout en France. Il enseigne au Pôle Supérieur de Paris, succédant à Ibrahim Maalouf.

Www : http://yulzari.com

Facebook : https://www.facebook.com/RemyYulzariBassist

Extrait vidéo : https://youtu.be/Y5DbeNd_j8c?t=211

Extrait audio n°1 : http://yulzari.com/wp-content/uploads/2012/07/Trio-klezmer-_-nigun.mp3

CHANTS DE GRÈCE ET D’ASIE MINEURE
8 AU 13 MARS 2027
THESSALONIQUE • GRÈCE

En partenariat avec l’Institut Français de Thessalonique

OBJECTIF :

Se former aux chants grecs, modes et modalités dans la musique urbaine (rébétiko) et rurale de la Grèce. Seront abordés au cours de cette formations :

>> Les techniques d’improvisation spécifiques à la musique urbaine (rébétiko) et rurale.
>> L’apprentissage des chansons
>> Le travail sur l’ornementation
>> L’arrangement
>> Le contexte historique et socioculturel du style

CONTENU DE LA FORMATION :

>> Travail de technique vocale : relaxation, respiration et gestion du souffle, échauffement vocal, placement de la voix
>> Apprentissage de chants grecs (Épire, Macédoine et Thrace) : chants à l’unisson ou polyphoniques, travail du bourdon
>> Travail sur l’interprétation, les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation
>> Travail sur les rythmes pour le chant et la danse : écoute du rythme à travers le corps, l’oreille, la parole
>> Théorie des Maqams et analyse modale

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Bonne pratique du chant et intérêt pour le répertoire abordé dans sa diversité (pas de connaissance théorique  nécessaire).
• Une connaissance, même superficielle, de l’espagnol et/ou du judéo-espagnol facilitera le travail et l’apprentissage des chants.
• Ouvert aux amateurs et professionnels, lecteurs ou non-lecteurs de partitions.
  Les instrumentistes sont également bienvenus, s’ils souhaitent s’accompagner et/ou interpréter les intermèdes instrumentaux des chants abordés.
• Si possible, venir avec une percussion (tambour sur cadre comme bendir, daf, tambourin) ou tout autre instrument.

HORAIRES :
10h00 – 13h00 & 14h00 – 16h00

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<

BIOGRAPHIE

MARIA SIMOGLOU

Chanteuse polymorphe et multi-instrumentiste, compositrice et auteur, Maria Simoglou a plus de 20 ans de présence sur la scène musicale et théâtrale internationale.

Née à Thessalonique en Grèce du nord, elle a la chance de bénéficier d’une double culture musicale, à la fois savante et populaire, grâce au berceau familial gorgé de musiques traditionnelles de Macédoine, Thrace et Asie Mineure et grâce aux études qu’elle a suivi, d’abord au Collège et Lycée musical de Thessalonique, puis au Conservatoire National d’État de Thessalonique (hautbois, ud, qanun, percussion) et enfin à l’académie musicale de Berlin « Hanns Eisler Musikhochschule » dans la branche chant/musique-théâtre auprès de Marion Lukowsky et du Pr. Magdalena Hajossyova. Elle a participé aux stages du chant, entre autres, avec Pr. Barbara Shlich, Pr. Norma Sharp, Thomas Quasthoff, René Jacobs, Spyros Sakkas, etc.

Très tôt elle collabore avec de nombreux groupes et orchestres en Grèce et à l’étranger dans le domaine de la musique traditionnelle, classique et contemporaine. Elle est régulièrement invitée à des concerts, des festivals et participe à des séminaires musicaux, notamment pour la musique du cinéma et du théâtre.

Elle se produit entre autres au Festival d’Avignon, Babel Med Music, Villa Méditerranée, Forum Barcelona, Schwarz-Weiss Festival, Bayer Kultur, Berliner Märchentage (Les jours de conte à Berlin), Deutsche Welle Konzerte, Montalbane Internationale Tage der Mittelalterlichen Musik (Journées Internationales de Musique Médiévale), Alte Musik Treff (Rencontre de la Musique Ancienne), Installation Moon Mirror de Rebecca HORN, DIMITRIA Ethno- Jazz Festival, Cité de la Musique de Marseille, Mandopolis Festival, Les Suds à Arles, Vélo Theatre, l’Abbaye de Sylvanès, Centre Pompidou, etc.

Elle intervient régulièrement à la radio et à la télévision en Grèce, Allemagne, Belgique, Suisse, Luxembourg, Pays-bas, Espagne, Angleterre, France, États-Unis, Australie etc.

Elle participe et collabore à de nombreux concerts et enregistrements aux côtés des chanteurs et musiciens de renommée internationale (Ross Daly, Spyros Sakkas, Stelios Petrakis, Efren Lopez, Maria Thoidou, Socratis Malamas, Bijan Chemirani, Patrick Vaillant, Kevin Seddiki etc.).

Depuis 2011, elle se produit avec la compagnie de théâtre « Mises en Scène » avec laquelle elle a participe à deux différents spectacles: « Bon Appétit » et « La parabole des papillons » (mises en scène de Michèle Addala / dramaturgie avec Gilles Robic).

Elle vit en France, à Marseille, depuis 2008, où elle dirige et intègre différents ensembles. Elle collabore en tant que chanteuse, musicienne ou comédienne dans des spectacles de musique, danse et théâtre traditionnelle et contemporaine.

Depuis 2008 elle donne régulièrement des Master-Classes (DROM, IIMM, FAMDT) et enseigne notamment la technique vocale et corporelle ainsi que le répertoire, l’interprétation, les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation, spécifiques aux chants grecs et d’Asie Mineure.

MODALITÉ ET HARMONISATION DANS LE RÉBÉTIKO
1er au 5 mars 2027
THESSALONIQUE • GRÈCE

OBJECTIFS

L’objectif principal du séminaire est de permettre aux étudiants de comprendre comment les gammes de cette musique sont structurées et le rôle de l’harmonisation, et comment ces deux éléments ont été utilisés dans chacune des périodes au cours desquelles le rébétiko s’est développé.

CONTENU PÉDAGOGIQUE

Nous nous concentrerons sur un répertoire issu des quatre périodes du rébétiko. La première période de la fin du 19ème siècle à 1922, la période de Smyrne de 1922 à 1934 où le rébétiko a été influencé par la musique des réfugiés venus après la destruction de Smyrne, la période d’avant-guerre de 1934 à 1940 et la période d’après-guerre de 1944 à 1955.

• Dans ce séminaire, nous allons apprendre toutes les gammes modales (majeures et mineures) utilisées dans le rébétiko ainsi que la façon dont nous utilisons les accords et les rythmes dans le répertoire.
• Manolis Karapiperis, Giorgos Katsaros, Charilaos Piperakis, Markos Vamvakaris, Manolis Chiotis, Kostas Skarvelis et Vasilis Tsitsanis sont quelques-uns des compositeurs des chansons que nous allons apprendre.
• Bien sûr, puisqu’il s’agit de musique folklorique, l’improvisation ne peut manquer.
• Pour chaque gamme modale que nous apprendrons, il y aura des exemples d’improvisation.

HORAIRES :

• De 10h00 à 13h00 et de 14h00 à 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Le type de master class sera ouvert – groupe de musique et tous les instruments sont les bienvenus. Les participants doivent avoir un niveau raisonnable sur leurs instruments respectifs.
• Nous travaillerons avec des partitions ainsi qu’à l’oreille, mais un bon niveau de lecture des partitions est essentiel.

INSCRIVEZ-VOUS
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Dimitris Mystakidis est un virtuose grec de la guitare folk qui, depuis 20 ans, poursuit sa quête personnelle des racines et des branches du rebetiko. Multi-instrumentiste, Mystakidis a collaboré avec un grand nombre d’artistes grecs, parmi lesquels compositeurs, musiciens et chanteurs, mais ses collaborations les plus durables ont été celles avec le compositeur et interprète Nikos Papos et son groupe « Loxi Falagga » (Oblique Phalanx), ainsi qu’avec le compositeur, auteur et interprète Thanasis Papakonstantinou.
Mystakidis est professeur au département d’études musicales de l’université de Ioannina. Il a publié deux livres, l’un pour le luth grec continental (Steryianó Laoúto) et l’autre pour la guitare folklorique grecque (Laikí Laoúto).

Mystakidis s’est produit dans des festivals de musique du monde et dans des salles de spectacle à travers l’Europe. En décembre 2006, il a sorti son premier album solo, « 16 Rembetika Tragoudia me Kithara “ (” 16 Rembetika pour guitare ») dans lequel, pour la première fois dans l’histoire de la musique grecque, des chansons de rébetiko ont été arrangées exclusivement pour la guitare folk. Ce travail a eu un tel impact que qu’aujourd’hui, de nombreux groupes de rembetiko suivent les traces de Mystakidis. World Music Network (Royaume-Uni) a présenté cet album et l’a inclus dans l’album Greek Café de Rough Guide en tant que CD bonus, tandis qu’Introducing a publié l’album en version numérique en 2012.

L’ardeur de Mystakidis à aborder le répertoire du rébetiko dans toute sa profondeur l’a conduit à publier, avec Evgenios Voulgaris, Apostolos Tsardakas et Theodora Athanasiou, un deuxième album, « Apsilies » (2009), avec des chansons de rébetiko de l’avant-guerre et de l’époque de Smyrna (Izmir), ‘Apsilies’ (2009) avec des chansons de rembetiko d’avant-guerre et de l’époque de Smyrne (Izmir) et son troisième album, ‘Psithirizontas to Rembetiko’ (‘Whispering Rembetiko’), avec Evgenios Voulgaris en 2013, avec des chansons de rébetiko arrangées pour guitare folk et tambour yayli.

Son album suivant « Esperanto », le deuxième enregistrement solo de Mystakidis, est sorti en novembre 2015, comprenant seize chansons du répertoire d’après-guerre, exclusivement arrangées et interprétées à la guitare et avec la participation de quelques-uns des plus grands chanteurs grecs.

Son dernier album « Amerika » est sorti en avril 2017, comprenant des chansons qui ont été écrites par les immigrants grecs en Amérique il y a plus d’un siècle. Dans cet album, Mystakidis fait revivre le style de guitare « tsibiti » oublié de ces musiciens, une technique clairement influencée par la technique de fingerpicking des bluesmen afro-américains.

Discography links :
https://youtu.be/vMlVBWonzFw?si=-oOpl8tLjLF4Vwvu
https://youtu.be/Phuf739xrYI?si=KBC31e-l9Mjlx1Xr
https://youtu.be/Ip6a7v84GfA?si=xEmHYW-JHwsWf0wd

Video links :
https://www.youtube.com/watch?v=q2VSi3zDNtc&t=25s
https://www.youtube.com/watch?v=8luXRi9YBRA
https://www.youtube.com/watch?v=mZ3HCMUEeEo
https://www.youtube.com/watch?v=AXjygcjDv3o&t=3902s
https://www.youtube.com/watch?v=o5xuZdcO7a8

LA KORA : L’HÉRITAGE, LES ACCORDS ET TECHNIQUES, LA COMPOSITION

5 AU 9 AVRIL 2027
AUBAGNE

Possibilité de MISE À DISPOSITION de 3 kora
Contactez nous au 04 42 04 37 73

OBJECTIF GÉNÉRAL

Perfectionnement à la pratique de la kora et approfondissement de la connaissance et de l’analyse du répertoire mandingue.

CONTENU PÉDAGOGIQUE

Le rôle du korafola dans la culture mandingue

Approche historique et culturelle du rôle du korafola, joueur de kora, dans la tradition mandingue.

Travail sur les modes d’accordage de la kora

Découverte et pratique des principaux modes d’accordage de la kora :

• Silaba, signifiant « la grande route » : principal mode d’accordage de la kora, utilisé dans l’ensemble du répertoire mandingue. Gamme de Fa majeur ;
• Tomora : mode d’accordage utilisé en Sénégambie. Gamme de Mi♭ majeur ;
• Ardino / Sawta : troisième mode d’accordage, utilisé au Mali et en Guinée. Gamme de Do majeur.

Écoute et analyse comparative du répertoire traditionnel

Écoute et analyse comparative de morceaux traditionnels afin de repérer et d’identifier les différents accords et modes d’accordage étudiés (Silaba, Tomora et Ardino / Sawta) à travers le répertoire suivant :

• Mansana Cissé — Lalo Keba Drame (Sénégambie) ;
• Nalésonko — Ballaké Sissoko (Mali) ;
• Allalake — Lamine Cissokho (Sénégal).

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Public : adultes ;
• Niveau minimum requis : avoir quelques mois de pratique de la kora et savoir accorder son instrument de manière autonome ;
• Instrument : chaque participant doit apporter sa propre kora.

NEY OTTOMAN
26 AU 30 AVRIL  2027
THESSALONIQUE • GRÈCE

OBJECTIF

Cette masterclass propose une découverte approfondie du ney, flûte traditionnelle emblématique de la musique turque, à travers son histoire, sa facture, ses caractéristiques musicales et sa pratique instrumentale.

Les participants découvriront notamment :

• L’histoire et l’évolution du ney dans la tradition musicale turque.
• La structure et les caractéristiques de l’instrument.
• Les principes de fabrication et les différents éléments constitutifs du ney.
• Les spécificités de la technique instrumentale et du style d’interprétation.
• Les particularités de la musique traditionnelle turque et de son organisation.
• La dimension spirituelle et culturelle associée au ney et à la musique turque.
• La mise en pratique de morceaux instrumentaux et de pièces vocales issus du répertoire de la musique turque.

La masterclass alternera apports théoriques, démonstrations, exercices pratiques et travail du répertoire. Des exemples de pratique vocale pourront également être proposés afin de mieux comprendre les caractéristiques mélodiques et stylistiques de cette tradition.

Compte tenu de la difficulté particulière du ney à produire un son, une organisation en deux groupes de niveau pourra être mise en place :

• un groupe destiné aux personnes débutantes ;
• un groupe destiné aux participants ayant déjà une pratique du ney et souhaitant perfectionner leur technique et leur interprétation.

Un accompagnement en traduction pourra être prévu afin de faciliter les échanges autour de la musique turque, de sa structure et de la dimension spirituelle du ney.

RÉPERTOIRE

Le travail s’appuiera sur des pièces instrumentales et vocales issues du répertoire traditionnel de la musique turque, adaptées au niveau et aux possibilités techniques des participants.

Le répertoire permettra notamment d’aborder :

• Des pièces traditionnelles turques pour ney.
• Des œuvres vocales et mélodies traditionnelles pouvant être transposées ou travaillées au ney.
• Des exemples représentatifs des différents styles d’interprétation de la musique turque.
• Des exercices et extraits permettant de travailler la production du son, la justesse, la respiration, l’articulation et les caractéristiques stylistiques propres au ney.

Le choix précis des œuvres sera adapté au niveau des participants et pourra évoluer en fonction de leur progression au cours de la masterclass.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Masterclass ouverte aux débutants comme aux musiciens ayant déjà une pratique du ney.
• Aucun niveau technique avancé n’est requis.
• Pour les débutants, il est souhaitable de savoir produire un son de manière confortable sur le ney.
• Les participants ayant déjà une pratique de l’instrument pourront travailler le perfectionnement technique, musical et stylistique.
• Les enfants peuvent participer, sous réserve d’un âge permettant une pratique autonome et une bonne compréhension des consignes.
• La connaissance du turc est souhaitée pour faciliter les échanges, mais elle n’est pas obligatoire.
• La présence d’un traducteur/interprète pourra être prévue afin de faciliter les échanges pédagogiques et culturels autour de la musique turque et de la dimension spirituelle du ney.
• Les participants doivent disposer de leur propre ney pour la pratique instrumentale.

HORAIRES :

• De 10h00 à 13h00 et de 14h00 à 16h00

INSCRIVEZ-VOUS
>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Ahmed Şahin est né en 1964 à Istanbul. À la suite de la migration de sa famille à Konya, il y effectue ses études primaires et secondaires. Il est diplômé du lycée Imam Hatip de Konya, établissements spécialisés dans la formation des responsables religieux et des imams.

Ahmed Şahin commence ses études musicales sous la direction de son professeur Zekâî Kaplan, puis poursuit sa formation au sein de l’Ensemble de musique classique turque de la municipalité de Konya. Durant ses années au sein de cet ensemble, il se forme notamment à l’improvisation au ney auprès de Sadreddin Özçimi, directeur artistique de l’ensemble.

En 1983, il intègre le Conservatoire d’État de musique turque de l’Université technique d’Istanbul. Il y reçoit notamment l’enseignement de Niyazi Sayın, considéré comme l’un des plus grands neyzen — interprètes de ney — de Turquie, auprès duquel il étudie l’improvisation au ney. Il approfondit également ses connaissances théoriques avec Yavuz Özüstün et bénéficie de l’enseignement de Alaeddin Yavaşça et Bekir Sıtkı Sezgin concernant les traditions et les styles d’interprétation de la musique turque.

En 1988, Ahmed Şahin commence à travailler pour la Radio-Télévision turque (TRT), à la radio de TRT Izmir, en tant qu’interprète et improvisateur au ney. En 1991, il est muté à la radio TRT d’Istanbul, où il poursuit sa carrière jusqu’à son départ à la retraite en 2018.

Ahmed Şahin a développé un travail considérable et très diversifié autour de la musique religieuse, notamment autour de l’ezan — l’appel à la prière musulman, récité publiquement cinq fois par jour — dans cinq modes musicaux différents, ainsi que du chant coranique et des différentes formes de zikr, pratiques spirituelles consistant notamment à invoquer et à se remémorer Dieu et Ses Messagers à travers la parole et le chant.

Il a participé à de nombreux concerts de musique soufie et de musique religieuse turque, au sein de différents ensembles, en Turquie ainsi qu’aux États-Unis, aux Pays-Bas, en Allemagne, en Espagne, en France, en Belgique, en Suède, en Bosnie-Herzégovine, en Macédoine, en Pologne, en Roumanie, en Grèce, au Tatarstan, en Arménie, à Jérusalem, au Maroc, en Italie, en Malaisie, en Australie, en Corée du Sud et au Japon.

Ahmed Şahin a également fondé plusieurs ensembles musicaux, parmi lesquels « Berceste » (« Sélection »), « Dinle Neyden » (« Écouter le ney »), « Hazineler » (« Trésors ») et « Ahmed Şahin İstanbul Müezzinleri » (« Les muezzins d’Istanbul »).

L’Art du Makam et l’éveil de la créativité modale
14 AU 17 AVRIl 2027
AUBAGNE

En partenariat avec Labyrinth

DESCRIPTIF

Le Makam est un concept souvent mal compris, notamment en Occident, où il est généralement réduit à un simple système de gammes. En réalité, les makams vont bien au-delà de cette conception. Ils ne se limitent pas à des structures de gammes, mais représentent avant tout un ensemble de motifs mélodiques très spécifiques, mais également d’une grande flexibilité. Ces motifs s’articulent les uns aux autres selon l’étendue et les possibilités créatives de chaque musicien.

Chaque makam possède un ensemble de compositions dites « caractéristiques » qui dévoilent son comportement et son essence dans leur intégralité. C’est à travers l’étude de ces compositions qu’un musicien en herbe peut développer un répertoire solide et cohérent de phrases mélodiques. Ce répertoire lui servira ensuite de base pour ses explorations créatives, que ce soit dans l’improvisation ou la composition.

Au cours de cette master-class, des partitions seront utilisées dans la notation spécifique de la musique turque (système Ezgi/Arel/Yekta), plus précisément en accord de Mansur (sans transposition). Cette approche permettra aux participants d’appréhender pleinement la richesse et la complexité du Makam.

OBJECTIF

Le concept et la pratique du makam se retrouvent à travers une vaste région du monde, s’étendant du nord-ouest de l’Afrique jusqu’aux confins occidentaux de la Chine (région du Xinjiang), couvrant presque tout l’espace intermédiaire. Bien que chaque tradition régionale présente une multitude de variations, déviations et pratiques idiomatiques uniques, l’idée fondamentale de l’importance des unités de phrasé reste au cœur de toutes ces traditions. Cette master-class se concentrera principalement sur le système du makam tel qu’il est pratiqué dans la musique ottomane et la musique turque contemporaine.

En plus de l’étude des phrases mélodiques telles qu’elles apparaissent dans des compositions historiques spécifiques, nous explorerons également comment les musiciens actuels peuvent travailler avec les makams pour enrichir leur créativité, améliorer leurs compétences en improvisation, et diversifier leur approche de la composition.

CONTENU PÉDAGOGIQUE

THÉORIE
En fonction du niveau des étudiants, Ross DALY pourra couvrir un nombre plus ou moins important de Makams. Il se concentrera d’abord sur les Makams de base (tels que Hicaz, Rast, Uşşak, etc.) mais il donnera également des exemples de construction et d’utilisation de Makams composés.

RYTHME
Dans ce séminaire, sera mentionné l’importance de l’usul dans la construction de la mélodie (en particulier dans les peşrevs), et quelques exemples seront donnés (devri kebir, muhammes, aksak semai, etc.), mais l’accent principal sera mis sur le makam.

RÉPERTOIRE
Seront utilisés comme exemples, des compositions de divers compositeurs de différentes époques de la musique ottomane. Abdul Qadir Meraghi, Gazi Giray Han, Neyzen Salih Dede, Neyzen Yusuf Paşa, Kemani Tatyos ef., Lavtaci Anton, Tanburi Cemil Bey, Neyzen Aziz Dede, İsmail Dede ef. etc…
Seront également utilisés des şehirsel que Ross DALY a lui-même composés spécifiquement pour démontrer les caractéristiques de certains makams.

Entre deux et un mois avant la masterclass seront envoyés des partitions de pièces que Ross DALY considère comme essentielles.

IMPROVISATION
L’improvisation dans les makams est un processus d’accompagnement individuel, ce n’est pas un processus « à taille unique », il est donc très difficile de spécifier exactement ce qui sera fait en termes d’accompagnement des étudiants dans Taksim – qui est le type d’improvisation que l’on trouve principalement dans cette musique. Cela dépendra du nombre et des niveaux respectifs des étudiants. L’accompagnement de l’improvisation est un processus très interactif. Sans connaître les élèves concernés, il ne sera pas possible de prédire l’approche exacte que le professeur trouvera adaptée à chacun. C’est pourquoi les coordonnées des étudiants seront communiquées à Ross DALY avant la masterclass. Une lettre de motivation ou un CV, en anglais, est également demandé aux étudiants et doit être envoyé à contact@iimm.fr avant la masterclass.

CONDITIONS DE PARTICIPATION
Les étudiants doivent avoir au moins un niveau moyen sur un instrument approprié (capable de rendre les intervalles microtonaux inhérents au makam turc), ainsi qu’un niveau de base de lecture à vue de partitions d’une seule ligne. Le séminaire se déroulera en anglais.

>> INSCRIPTION EN LIGNE <<
>> TARIFS ET MODALITÉS D’INSCRIPTION <<
>> VOS POSSIBILITÉS DE PRISE EN CHARGE <<

BIOGRAPHIE

Bien des années avant l’apparition de ce que nous appelons les « musiques du monde », certaines personnes avaient déjà compris l’immense valeur et la grande variété des diverses traditions musicales du monde et avaient consacré leur vie à leur étude. L’une de ces personnes est Ross Daly.

Bien que d’origine irlandaise, Ross Daly ne correspond pas vraiment à un stéréotype ethnique particulier, étant donné que sa vie s’est déroulée dans de nombreuses régions du monde et qu’il vit depuis 35 ans sur l’île de Crète, en Grèce. Ross Daly a découvert très tôt que la musique était, selon ses propres termes, « le langage de mon dialogue avec ce que je perçois comme sacré ».

Ce dialogue l’a conduit aux grandes traditions modales du Moyen-Orient, de l’Asie centrale et du sous-continent indien, où il a enfin trouvé les archétypes musicaux qu’il avait recherchés toute sa vie. Dans ces traditions, il a rencontré une musique qui n’était pas simplement un véhicule d’expression personnelle, mais qui était capable d’emmener quelqu’un au-delà de ce qu’il percevait normalement comme les frontières de son propre moi, dans d’autres domaines d’expérience transpersonnelle.

Cette découverte a tout changé dans la vie de Ross Daly, qui a abandonné toute autre activité pour se consacrer à l’étude des secrets les plus intimes de ces traditions musicales et à l’art de la composition. Il a ensuite beaucoup voyagé, étudiant auprès des plus grands maîtres des traditions modales du monde. Depuis 1975, il est établi sur l’île de Crète, où il est universellement reconnu comme l’un des plus grands experts de la riche tradition musicale de l’île.

Il est aussi particulièrement connu et respecté pour sa capacité à réunir des artistes de traditions différentes et apparemment sans rapport dans des collaborations d’une qualité et d’une profondeur uniques. En 1982, il a créé le Labyrinth Musical Workshop, aujourd’hui situé dans le village de Houdetsi, à 20 km au sud de la capitale Herakleion.

Après de nombreuses années de formation intensive dans diverses traditions musicales, Ross Daly s’est tourné vers la composition en s’appuyant sur toutes les connaissances qu’il a acquises au cours de ses longs apprentissages. Aujourd’hui, il a publié plus de trente-huit albums de ses propres compositions ainsi que de ses propres arrangements de mélodies traditionnelles qu’il a recueillies au cours de ses voyages. L’île de Crète, en Grèce, constitue toujours une base pour ses recherches personnelles et musicales, alors qu’il continue à voyager à travers le monde pour présenter sa musique.

Ross Daly s’est produit dans de nombreuses salles et festivals importants tels que : Carnegie Hall (2015), Migration Festival, Taipei, Taiwan (2006), International Lute Festival, Tetouan, Maroc (2006), Madrid Summer Festival, Sabatini Gardens, Espagne (2006), International Festival, Warsaw, Pologne (2006), Manresa Festival, Barcelona, Espagne (2006), Athens Concert Hall (1993, 2006), National Concert Hall, Dublin, et bien d’autres.

Au cours de l’été 2004, il a été directeur artistique du programme culturel des Jeux olympiques pour la ville olympique d’Héraklion, sur l’île de Crète, intitulé « Crete, Music Crossroads » (Crète, carrefour de la musique). Il a organisé et supervisé artistiquement 15 concerts avec la participation de 300 musiciens du monde entier. Parmi eux, des musiciens de renommée internationale tels que : Jordi Savall, Eduardo Niebla, Huun Huur Tu, Habil Aliev, Dhoad Gypsies of Rajasthan, Mohammad Rahim Khushnawaz, Trio Chemirani, Adel Salameh et bien d’autres. Aujourd’hui, Ross Daly continue de voyager et de se produire en Grèce et à l’étranger, tout en dirigeant l’atelier musical « Labyrinth » dans le village de Houdetsi, en Crète.

EXTRAIT VIDEO