Auteur : Margaret

Bruno ALLARY

Objectif

Destinées aux instrumentistes, chanteurs, étudiants inscrits dans une démarche musicale approfondie, ces masterclasses, dirigées par Bruno Allary, proposent une approche à la fois sensible, pratique et théorique des musiques populaires méditerranéennes. S’appuyant sur les créations et recherches accomplies par la Cie Rassegna depuis plus de seize ans, et illustrés d’extraits de ses différents albums, les cinq modules de ce cycle de formation abordent aussi bien les aspects mélodiques, rythmiques, poétiques, que méthodologiques ou techniques du travail de la compagnie.

CONTENU GÉNÉRAL

1. Boîte à idées : exposé des notions, questionnements, méthodes, ou encore concepts fréquemment mis en oeuvre par Bruno Allary, au cours des différents processus créatifs (composition, arrangement, créationsrencontres…).

2. Boîte à modes : étude des différentes échelles musicales employées par la Cie Rassegna (modes « ecclésiastiques », ou dérivés des gammes mineures harmoniques et mélodiques, gammes pentatoniques, éléments à transposition limitée, maqams avec micro-intervalles…).

3. Boîte à rythmes : tour d’horizon des mesures et cellules rythmiques – simples, composées, asymétriques – communément rencontrées en Méditerranée (notamment dans le Flamenco, les musiques orientales, les danses des Balkans…) et examen sensible de leurs particularités.

4. Boîte à mots : analyse, sous l’angle littéraire, de certains chants (andalous, occitans, corses, italiens…) afin d’en saisir pleinement la puissance poétique et d’illustrer, par l’exemple, la diversité des thématiques rencontrées dans ces répertoires populaires.

5. Boîte à sons : après une présentation organologique des instruments (et types de voix) employés par la Cie Rassegna, mise en lumière de leurs fonctions timbrales, acoustiques et spectrales respectives (par le biais de notions liées à la synthèse sonore et à l’audio-numérique).

Conditions de participation

Cette boîte à outils s’adresse à un public constitué d’une quinzaine de participants au maximum. Tous les types d’instruments et d’approches musicales sont bienvenus.

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Biographie

De son immersion précoce dans les univers distants de la guitare jazz et flamenca, Bruno Allary tire la singularité de son langage créatif. Ce double apprentissage musical, tissé d’héritages et savoirs contrastés, nourrit un goût vibrant du divers, du multiple, du composé ; transforme le métissage des pratiques artistiques en idiome naturel ; instaure, enfin, un rapport intime et sensible aux pratiques vocales de Méditerranée. En guitariste attentif, il met cet amour du chant au service des voix qu’il accompagne sur scène, un rôle d’équilibriste passionné qu’il remplit dix années durant. À côté de l’instrumentiste, la création de la Cie Rassegna (2002) révèle le rassembleur et l’homme de projets. Elle donne corps à une démarche plus personnelle, qui s’attache à faire vivre la diversité des musiques populaires de Méditerranée en y traquant les passages, échos et résonances, dans l’espace et dans le temps. Cette dynamique de création se poursuit avec les formations successives de ZAMAN Fabriq (2008), Anis del Mundo (2010) et de Nassîm ou les quatre Vents (2012). À présent, ces entités évoluent au sein d’un cadre unitaire, l’Ensemble Multitudes, dont le nom traduit au plus près l’idéal, et dont Bruno Allary fait son laboratoire d’intentions. Car ces projets et réalisations sont autant de lignes de fuite d’une pensée nomade, et d’une quête artistique à plusieurs entrées. La première et la plus apparente : une réflexion traversante sur l’idée de croisement, un regard oblique porté sur des musiques, des patrimoines, des sensibilités propres à l’espace Méditerranéen. Mais en creux de cette démarche, comme un fil essentiel et discret, on lit la patiente exploration d’une esthétique de l’entre-deux, une sensibilité particulière aux passages, aux interstices, aux zones de turbulence — entre ombre et lumière, modal et tonal, acoustique et électrique — et la mise en tension de ces pôles antagonistes comme moteur de création. Mais ces aspirations, longtemps mises au seul service du collectif, servent aujourd’hui un désir plus personnel de création, matérialisé en 2013 par la réalisation de l’album d’Isabelle Courroy (Confluence #1, Buda Musique, 2014), et depuis 2015, par un travail de recherche et d’écriture autour de compositions personnelles « Les intensités immobiles ».

ANDRÉ DOMINICI

OBJECTIF

Nous voici partis pour un voyage à travers la polyphonie corse ou plutôt les polyphonies corses avec les sons et les univers qui leurs sont propres. Une véritable immersion dans le chant et ses langages, qu’il soit profane et sacré, une mise en résonance des hommes, de leur terre et leur histoire pour mieux servir notre présent. Une histoire de vibration, celle de la Méditerranée, celle du Mare Nostrum…

CONTENU PÉDAGOGIQUE

  •  Relation entre les timbres vocaux, l’aspect social, la géographie des sons et des lieux ainsi que l’unité dans la matrice polyphonique.
  • Travailler son ancrage et sa verticalité dans le chant .
  • Développer sa présence scénique.
  • Explorer les différents univers du monde sacré.

RÉPERTOIRES ABORDÉS

  • A Paghjella, chant agro -pastoral et social, ses différents airs géographiques (u versu).
  • U Madrigale, chant de cour et d’amour.
  • U terzettu, forme poétique typique du centre corse .
  • Chants sacrés de la tradition des confréries de corse de la région du Nebbiu et du Cap Corse dédiés à la Semaine Sainte : l’Orme Sanguine, Suda Sangue, Perdono mio Dio , Lode di u Sepolcro, Stabat Mater…
  • Chants sacrés de la tradition liturgique autour au monde des vivants et des morts : Kyrie, Agnus dei, In Paradisum, De Profundis …

BIOGRAPHIE

C’est dans la région du Nebbiu et plus spécifiquement dans le village de Patrimoniu au pied des falaises abruptes du cap corse, qu’est né et vit André Dominici. Baigné et bercé dans le chant depuis son plus jeune âge, c’est à l’adolescence, porté par le chant sacré et l’humain, qu’il intègre naturellement l’esprit des confréries, véritables matrices et conservatoires du chant sacré depuis des siècles en corse, pour ne plus jamais le quitter. Porté par des années au service de « A Cunfraternita San Martinu di Patrimoniu « , il décide il y a 17 ans avec trois amis également chanteurs de sa région, de créer un ensemble vocal dédié au chant traditionnel mais surtout à la création contemporaine du nom de Barbara Furtuna.

Toujours avec l’envie d’acquérir de nouvelles compétences, il obtient en 2004 une « licence de conduite d’ensemble de musique traditionnelle corse  » au sein de l’université Pascal Paoli de Corte . Aujourd’hui le temps de la transmission est venu. Fort de plus de 1000 concerts sur tous les continents, de nombreuses collaborations artistiques et humaines ainsi que la notoriété que l’on connaît dorénavant à Barbara Furtuna… André Dominici vous propose de mettre tout son savoir et son expérience au service de l’apprentissage du chant polyphonique corse bien-sûr, mais également du coaching vocal, d’harmonisation des voix, de recherche d’identité et de son timbre et au delà, de travailler votre présence scénique.

TANIA PIVIDORI

Objectif

Stage de chants polyphoniques italiens a cappella
Initiation et sensibilisation à un répertoire de chants de tradition orale

« Baignée de tous côtés par la Méditerranée, l’Italie est un joyau musical qui chante depuis toujours le cycle de la vie à travers ses chants populaires – mémoire des évènements d’une histoire parallèle. Du nord au sud, ce patrimoine issu de la tradition orale est extrêmement riche et diversifié. Il a été transmis de génération en génération avec la rigueur qui a permis sa conservation. La péninsule a su intégrer à cette musique les apports des peuples qui ont traversé son territoire. Ce stage s’adresse à toute personne désireuse de découvrir les chants populaires italiens issus de la tradition orale. »

Contenu général 

  •  Les divers modes et genres musicaux propres à chaque région
  •  Les différentes façons d’utiliser la voix
  •  Le fait de chanter en polyphonie a cappella
  •  Les notions de musique tempérée et non tempérée
  •  Et de nombreux rituels sans lesquels les chants n’auraient aucun sensAussi retrouvons nous essentiellement des chants liés aux différentes étapes de la vie à la mort comme : les nativités, les berceuses, les passions, les chants de travail, les lamentations, les chants de revendications sociales et politiques. Tous ont une fonction bien déterminée. Nous développerons les aspects qui donnent à ce répertoire toute sa structure, toute sa singularité dans une Europe qui tend à effacer cette mémoire.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Ce stage est ouvert à tous, débutants ou chanteurs confirmés, étudiants, professeurs, artistes professionnels, artistes amateurs. L’approche proposée est globale quel que soit le public concerné, cependant, les objectifs sont adaptés à la formation et à la pratique de chacun.

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BIOGRAPHIE

Tania Pividori, chanteuse, auteur, compositeur est membre du quatuor vocal Sanacore qui propose un répertoire de chants populaires italiens et de créations contemporaines et avec lequel elle enregistre plusieurs CD. All’Aria, Via Urbana et Passages (ed. Buda Musique), les trois albums du groupe, témoignent de cette volonté de présenter les entrelacs de ces deux cultures musicales.

www : www.taniapividori.com
Facebook : sanacore
YouTube : https://www.youtube.com/channel/UCp8ga6vQuEz6UVILjLcdFKA

FRANÇOISE ATLAN

Objectif

S’initier au monde poétique et musical Séfarade à travers la tradition chantée des Romances Judéo-Espagnoles, en regard de la tradition des Cantigas de Santa Maria.

Contenu général 

  • Travail des répertoires sacrés et profanes en Haketya, Ladino, Hébreu, Arabe et gallego-portugais pour les Cantigas Santa Marias.
  • Travail sur la phonétique.
  • Travail de préparation vocale en fonction du répertoire abordé.
  • Travail sur les modes et mélismes.
  • Apprentissage des rythmes avec percussions : chanter et s’accompagner
  • Travail et approche de l’ornementation adaptée à chaque chant
  • Écoutes et analyses comparatives des chants à partir d’extraits sonores.

Conditions de participation

  • Ouvert aux lecteurs et non lecteurs de partitions, débutants ou chanteurs confirmés
  • Si possible, venir avec une percussion (tambour sur cadre comme bendir, daf, tambourin, darbouka)
  • Les instrumentistes sont les bienvenus, en particulier pour interpréter les passages instrumentaux des répertoires abordés. L’apprentissage se fait oralement. Cependant les partitions correspondantes et arrangements édités par Françoise Atlan seront distribués notamment pour les Cantigas.

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Biographie

Invitée des scènes majeures internationales telles que le Carnegie Hall à New York, le Festival International de Mexico, le théâtre de la Monnaie à Bruxelles, Festival des Musiques sacrées de Fès, les Suds à Arles, ou le Festival d’Art Lyrique d’Aix, la chanteuse Françoise Atlan a signé de nombreuses collaborations fructueuses avec de grands musiciens et ensembles, et enregistré plusieurs disques primés par la critique (Diapason d’Or, Choc du Monde de La Musique, FFFF Télérama, Grand prix de l’Académie Charles Cros…).

Artiste à la double culture, dotée d’une expression vocale, d’un style et d’une technique unique en son genre, ses racines judéo-berbères l’ont amené tout naturellement à se passionner pour le patrimoine vocal méditerranéen, en particulier les traditions judéo-espagnole et judéo-arabe, tout en poursuivant sa carrière de chanteuse lyrique.

Titulaire du Capes en musicologie de l’université d’Aix-en-Provence, Médaille de Vermeil en piano (classe de Monique Oberdoerfer) et Medaille d’or en Musique de chambre, le compositeur Maurice Ohana l’encourage à chanter , après l’avoir choisie pour interpréter ses Cantigas.

Première Soprano au sein de l’Ensemble Musicatreize dirigé par Roland Hayrabedian, elle devient l’élève d’Andréa Guiot au Conservatoire de Paris.

En 1998, elle est Lauréate du Prix Villa Medicis Hors Les Murs pour le collectage de la tradition musicale et poétique de la ville de Fès au Maroc, ainsi que du Prix Fondation Caisse d’Epargne « Meilleure Artiste Musique du Monde 2007 ». Elle donne régulièrement des masters class de chant à Genève, Montréal, Aix En Peovence, Bruxelles ou Bâle.

Parallèlement à sa carrière de chanteuse internationale, elle est également Directrice Artistique du Festival Des Andalousies Atlantiques d’Essaouira ( Maroc) de 2007 à 2015, un Festival qui a inspiré cette année le Festival D’art Lyrique d’Aix En Provence, puisque Françoise Atlan y a été conviée à chanter « l’Esprit d’Essaouira ».

En 2013 elle crée la Compagnie Yemaya et l’Ensemble Vocal Féminin Bilbilikas, ensemble amateur pour lequel elle réécrit, entre autre, les répertoires judéos-espagnols et arabo- andalou pour 4 voix .

Son nouvel album « Aman ! Sefarad… sort en janvier 2015, et vient de recevoir le « Coup de Cœur  » de l’Academie Charles Cros (mars 2015) .

Elle s’est produite cette même année 2015 – entre autres – avec l’Orchestre Symphonique de Montreal sous la conduite de Maestro Kent Nagano, dans le cadre de la saison l’Orient Imaginaire, aux côtés du compositeur Philipp Glass.

France Musique lui a consacré un portrait d’une heure dans l´émission Couleurs du Monde , à l’occasion de ses 20 ans de carrière.

En 2105, le Ministère de La Culture lui commande une œuvre autour le la traduction vocale féminine de la Méditerranée. Ainsi naît « Zelliges  » ( 1h15), pour voix, oud, piano et percussion. Les poèmes mêlent l’hébreu, l’arabe et le castillan, langues de prédilection de Françoise Atlan. La pièce est créée en 2013 lors des Joutes Musicales de Correns (Var). En décembre 2015, Françoise Atlan en reprendra des extraits dans un concert solo (piano et chant) à la Cité de La Musique .

En 2016 , Françoise Atlan dirigera le projet Choral Académique « Convivencia  » avec plus de 100 enfants et collégiens.

Ses premiers poèmes qui mêlent l’hébreu, l’arabe et l’espagnol viennent d’être publiés aux Editions Flammes Vives,

Quelques critiques…

« ..ces mélodies au contour à la fois extatique et sensuel sont ici rendues avec chaleur et pureté grâce au talent lumineux dont ,à l evidence ,la nature a doté Françoise Atlan.. » – le Monde de la Musique, Laurent Aubert –

« Un son d une évidence saisissante ,frais et brûlant,touchant au but ,touchant au coeur. A l’héritage reçu ,Françoise Atlan associe une sensibilité et une voix hors du commun «  – Diapason, François Picard –

Quelques repères discographiques:

« Romances Sefarades » – Buda Musique (FFFF Telerama)
« Noches » – Buda Musique (Choc du Monde de La Musique)
« Entre la rose et le jasmin » (Diapason D Or)
« Cantigas de Santa Maria » avec Joel Cohen et l’ensemble Gilles Binchois (Erato et Naive)
« Nawah » avec le chanteur palestinien Moneim Oudwan
« Noches » chez Buda Musique (Choc du Monde de La Musique)
« Andalussiyat » chez Universal (Prix de l’academie Charles Cros )
« Terres Turquoise » avec Constantinople chez Atma ( Diapason d ‘Or)
« Ay Amor !! » avec Constantinople.
« Aman! Sefarad » ( 2015) avec l’Ensemble En Chordais de Thessalonique.

MAITRYEE MAHATMA

OBJECTIF

Se former à la danse indienne « Khatak »

Nabankur BHATTACHARYA accompagnera la master-class de danse kathak avec la musique indienne (tablas).

CONTENU GÉNÉRAL

  • Histoire :Etude de l’évolution de la danse et musique Indienne à travers les différentes époques ( Védique 1500 – 500 av. JC / Bouddha 500 av. JC – 300 AD / Hindu 300 – 1300 / moyen âge 1300 – 1700 /anglaise 1700 – 1947 /  moderne depuis 1947). Nous allons également étudier dans cette première partie, comment les changements socio-cultuels ont influencé la danse et de sa place au sein de la société indienne.
  • Répertoires :Danses et musiques classiques, « Semi-Classical » et folkloriques.
  • Notions clés : Hindustani, Karnatic, Dhrupad, Dhamar, bolbant, khayal, alap, jor, jhala, vistar, tan, boltan, tal, bhajan, thumri, dadra, gazal, chaiti, kajri, tappa et qawwali, baul, rabindrasangeet, bihu, bhangra, dandya, lavni, rajasthani folk etc.
  • Écoute d’extraits sonores
  • Guru-shishya Parampara : la transmission de la musique et de la danse. Le rôle du Guru.
  • Le collectage : la retranscription et la place de l’oralité.
  • Les grands noms : Bhrata-Muni, Tansen, Bhatkhande, Kabir, Jaydev, Baba Allauddin Khan, Pandit Ravi Shankar, Ustad Ali Akbar Khan, Ustad Zakir Hussain, Pandit Anindo Chatterjee, Pandit Birju Maharaj, Pandit Kelucharan Mohapatra et d’autres.
  • Ré-éduquer l’oreille : approche des spécificités musicales (ragas – bols – srutis – tihaïs –  meend – sam – taals – jatis)
  • Mise en pratique : exercices pour les doigts, kaïda, rela, peshkar, tukra, paran.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Élèves, étudiants, professeurs, artistes professionnels, artistes amateurs – Tout niveau (initiation, perfectionnement,  élargissement des compétences).

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BIOGRAPHIE

Née en Inde à Calcutta, Maitryee Mahatma a commencé la danse Kathak avec Sri Shikha Khare et ensuite elle a été formée par le plus grand maître de danse Kathak, Pandit Birju Maharaj. À Paris pendant quatre ans pour faire un doctorat en lettre à l’Université Paris 13, elle a continuer la danse avec Sri Sharmila Sharma. Aujourd’hui elle continue à approfondir son art avec Pandit Ashimbandhu Bhattacharya. Sur scène dès l’age de 10 ans, sa danse est marquée par sa grâce, la subtilité de ses expressions et par le travail rythmique des pieds. Tout en respectant la grammaire rigoureuse de son art, Maïtreyee a su traduire les rythmiques complexes en images poétiques. « Les bols, enchaînement rythmique, ne sont pas que des sons, c’est tout un langage ! Ils me parlent et je traduis en geste tout ce qu’ils me racontent ». En France depuis 2002, elle s’est produite en Europe avec des chanteurs et des musiciens indiens connu (Pandit Sukhdev Prasad Mishra, Pandit Saugata Roy Chowdhury, Pandit Chiranjib Chakrabarti et Nabankur Bhattacharya). Plus récemment elle se produit avec la Compagnie Jhankar qui est une collaboration indo-française composée de quatre artistes : Nabankur Bhattacharya, Fromentin, Philippe Gauby et Maïtreyee Mahatma. Maïtreyee fait vivre la danse Kathak autant dans sa tradition que dans sa contemporanéité par ses projets croisés. Rencontre du Kathak avec le Flamenco « Quand le silence crie », une représentation osée sur la femme ; «l’Eveil » une création avec Filibert Tologo, danse afro-contemporaine ; et « Chrysalide » une collaboration avec le chanteur belge Reynald Halloy. Elle vit actuellement à Marseille où elle enseigne la danse Kathak et participe pleinement à la vie culturelle régionale.

Master-class de Nabankur BHATTACHARYA

Logo Facebook Maitryee MAHATMA – Logo Facebook Nabankur BHATTACHARYA 

N. BHATTACHARYA

OBJECTIF

Initiation à la musique indienne par l’apprentissage de tablas et de la danse.

CONTENU GÉNÉRAL

Maitryee MAHATMA accompagnera la master-class de tablas pour une initiation à la danse indienne.

  • Histoire : Etude de l’évolution de la Musique Indienne à travers les différentes époques ( Védique 1500 – 500 av. JC / Bouddha 500 av. JC – 300 AD / Hindu 300 – 1300 / moyen âge 1300 – 1700 /anglaise 1700 – 1947 /  moderne depuis 1947). Nous allons également étudier dans cette première partie, comment les changements socio-cultuels ont influencé la musique ; et la place de la musique sein de la société indienne.
  • Répertoires : Musiques et danses classiques, « Semi-Classical », Musiques et danses folkloriques.
  • Notions clés : Hindustani, Karnatic, Dhrupad, Dhamar, bolbant, khayal, alap, jor, jhala, vistar, tan, boltan, tal, bhajan, thumri, dadra, gazal, chaiti, kajri, tappa et qawwali, baul, rabindrasangeet, bihu, bhangra, dandya, lavni, rajasthani folk etc.
  • Écoute d’extraits sonores.
  • Guru-shishya Parampara : la transmission de la musique et de la danse. Le rôle du Guru.
  • Le collectage : la retranscription et la place de l’oralité.
  • Les grands noms : Bhrata-Muni, Tansen, Bhatkhande, Kabir, Jaydev, Baba Allauddin Khan, Pandit Ravi Shankar, Ustad Ali Akbar Khan, Ustad Zakir Hussain, Pandit Anindo Chatterjee, Pandit Birju Maharaj, Pandit Kelucharan Mohapatra et d’autres.
  • Ré-éduquer l’oreille : approche des spécificités musicales (ragas – bols – srutis – tihaïs –  meend – sam – taals – jatis)
  • Mise en pratique : exercices pour les doigts, kaïda, rela, peshkar, tukra, paran.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

  • Tout niveau (initiation, perfectionnement, élargissement des compétences).

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BIOGRAPHIE

Nabankur Bhattacharya (tablas) :
Nabankur Bhattacharya est né en Inde à Bankura, est disciple du célèbre maître Pandit Anindo Chatterjee et le neveu de Pandit Damarupani Bhattacharya. A quinze ans, il obtient le diplôme Sangeet Visharad de l’Université d’Allahabad. À vingt-quatre ans, il décroche la bourse du Ministère de la Culture Indienne. Nabankur Bhattacharya a joué sur scène partout en Inde et a accompagné des musiciens, chanteurs et danseurs de renom, comme Pandit A.T.Kanan, Bidushi Lakshmi Shankar, Bidushi Prabha Atre, Pandit Bhimsen Joshi, Pandit Ulhas Koshalkar, Mita Pandit, Ustad Kamal Sabri…Bien que ses racines musicales restent incontestablement hindustani, Nabankur Bhattacharya s’adapte avec une aisance naturelle à tout autre style. Depuis 2000, il se produit en Europe, sur le continent africain et à La Réunion. Il réside à Marseille où il enseigne les tablas et contribue activement à la vie artistique régionale en donnant des concerts de musique indienne et en participant à plusieurs créations musicales avec des musiciens européens.

Master-class de Maitryee MAHATMA


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C. LUZI & C. NASCIMENTO

Objectif

La musique brésilienne est à l’image du continent, aussi diverse que riche. Dans une même région on peut rencontrer des nombreux styles différents. on propose d’étudier quelques-uns des rythmes les plus joués par les groupes de bal ou regionais, comme le choro, maxime, samba, forro, frevo e maracatu.

Contenu général

  • Atelier d’initiation aux musiques brésiliennes et à leurs rythmes (Choro, Baião, Xoté, Frevo, Samba) à travers la pratique collective, les percussions corporelles et mise en pratique avec tous les instruments.
  • La transmission des rythmes se fera d’abord par la pratique d’ensemble polyrythmies orales, corporelles, puis sur des instruments de percussions, avant d’être « retranscrites » et travaillées sur les instruments harmoniques mélodiques.
  • Pratique du chant soliste et polyphonique, proposition d’un répertoire original autour des musiques brésiliennes.
  • Transmission orale d’un répertoire représentatif des genres et des rythmes.

Conditions de participation

  • Pour pouvoir participer à la guitare ou piano il est demandé de savoir enchaîner avec aisance les accords majeurs, mineurs, septième, augmentés et diminués.
  • Pour pouvoir participer comme soliste : pouvoir être autonome sur une mélodie entière.
  • La lecture de grilles d’accords ou de partitions n’est pas obligatoire.
  • Ouvert aux chanteurs et instruments acoustiques (sauf batterie)

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Biographies

CRISTIANO NASCIMENTO, guitare 7 cordes, trombone, viola nordestine.
Cristiano est un guitariste 7 cordes, compositeur et arrangeur inspiré. Sa musique est nourrie de choro, de samba, de forró, mais aussi du candomblé et des sons du com­positeur et multi-instrumentiste Hermeto Pascoal. Formé à la école de musique Villa Lobos (Rio de Janeiro), c’est de roda de samba en roda de choro que Cristiano a forgé le son de sa guitare et sa personnalité musicale. De 1999 à 2004, il intègre l’Itiberê Orquestra Família. Ses œuvres sont aujourd’hui éditées aux Éditions d’Oz. Il a accompagné des étoiles de la chanson brésilienne com­me Dona Ivone Lara, Wilson Moreira, Teca Calazans, Fabiana Cozza, Hermeto Pascoal, Armandinho…

CLAIRE LUZI, mandoline, voix, mélodica, accordéon, percussions.
Claire a étudié le piano classique au Conservatoire d’Aix-en-Provence, en même temps que la mandoline populaire corse avec son grand-oncle Charles Luzi. Elle a exploré dif­férents chemins artistiques : musicienne intervenante (DUMI), chef de choeur, chanteuse et auteur. Claire a également joué avec l’Opéra National de Montpellier et a participé au Projet Global Mandoline Orchestra. En 2004 sa passion pour les syncopes brésiliennes l’amène droit à Rio pour perfectionner son jeu. Elle y étudie avec Pedro Amorim à l’Escola Portátil de Música de Rio de Janeiro, avec Marco César à Recife.

LÉVON MINASSIAN

OBJECTIF

S’initier à la musique d’Arménie et au doudouk selon les méthodes traditionnelles.

CONTENU GÉNÉRAL

  • Histoire : Présentation de la musique d’Arménie, du répertoire sacré et traditionnel joués au doudouk.
  • Apprentissage de 5 modes fondamentaux : utilisation des tons, demi-tons, quart de tons, coma, doigtés, technique de souffle, ornementation, etc.
  • Travail surs les techniques du souffle, de respiration
  • Transmission de maître à disciple de différentes oeuvres
  • Les grands noms des poètes : Komitas, Koussan Ashot, Koussan Chaen, Hovannes Badalian, etc.
  • Les grands noms des doudoukistes : Vatché Hovsepian, Valodia Aruntyunian, Djivan Gasparian, Lévon Madoyan, etc.
  • La place de l’oralité : transmission, retranscription. Ces musiques sont également reprises, arrangées ou recomposées par les musiciens actuels.
  • Familiarisation avec le vocabulaire de la musique arménienne

CONDITIONS DE PARTICIPATION

  • Cette master classe est ouverte à tous, essentiellement pour ceux désirant s’initier au doudouk.
  • Il est impératif de venir avec son instrument.

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BIOGRAPHIE

Tous les dix ans devant 100.000 personnes, se tient à Gumri, deuxième ville d’Arménie et berceau du doudouk, « Le trophée des Maîtres », l’occasion pour un public connaisseur d’adouber ceux qui entrent dans le cercle très fermé des grands. En 2002, c’est à cette reconnaissance qu’eut droit Lévon Minassian.

Lévon Minassian est né à Marseille. Entouré d’une famille vivant dans le culte de la musique et baignant dans une communauté arménienne, il commence très jeune à jouer de la mandoline dans un groupe folklorique. A l’âge de 15 ans, avec entre les mains un doudouk ramené d’Arménie, il débute un long apprentissage qui se poursuivra en Arménie dès la fin des années 70, où il se rend plusieurs fois dans le but de travailler le doudouk avec les maîtres, notamment auprès de Djivan Gasparian et de Valodia Haroutiounian.

C’est alors avec beaucoup d’abnégation et de patience, et par amour pour cet instrument qu’il cherchera par ses propres moyens à en maîtriser toutes les subtilités. Petit à petit, il sera reconnu comme un des plus talentueux joueurs de doudouk au monde. Sa détermination et son talent le font repérer par des professionnels. En 1985, le compositeur Georges Garvarentz le sollicite pour la musique du film «Les mémoires tatouées». Une première collaboration pour le cinéma qui va être suivie de beaucoup d’autres, dont les bandes originales de «Mayrig» et «588 rue Paradis de Henri Verneuil», «L’Odyssée de l’Espèce» de Yvan Cassar, «Amen» de Costa Gavras, «La passion du Christ» de Mel Gibson…

En 1992, Lévon Minassian est sollicité par Peter Gabriel pour participer à son album «Us» puis pour ouvrir en solo les concerts de sa tournée mondiale «Secret world live tour». Un coup de projecteur qui va faire de lui un doudouguiste très prisé des grands noms de la variété (Charles Aznavour, Patrick Fiori, Hélène Segara, Christophe Maé, Daniel Lavoie) ainsi que des personnalités de la world music (Sting, I Muvrini, Simon Emerson, Manu Katché).

Parallèlement, Lévon Minassian entreprend un travail plus personnel avec le compositeur de danses et musiques de film Armand Amar. C’est avec lui qu’en 1998 il grave son premier album, «Lévon Minassian and Friends», conçu à partir de thèmes et mélodies traditionnelles profanes ou sacrées dans lesquels le doudouk dynamise son langage à la rencontre d’autres instruments du monde, du violon indien à l’oud. En 2005, son deuxième opus, «Songs from a world apart», donne au doudouk un nouveau statut d’instrument soliste et un espace musical hors du contexte traditionnel. Les arrangements révèlent de nouvelles couleurs au doudouk dialoguant avec des instruments invités accompagnés d’un orchestre symphonique, le Bulgarian Symphony Orchestra. En 1997 et 2017, il joue à l’Elysée, invité en tant que soliste par les présidents de la République Jacques Chirac et François Hollande.

En 2003, il est décoré Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le président Chirac. Lévon Minassian a contribué à ce que le doudouk s’inscrive dans les valeurs culturelles universelles.

C’est à ce titre qu’il intègre l’Institut International des Musiques du Monde en 2016 afin d’enseigner la musique d’Arménie et le Doudouk.

HUA YIFEI – ATELIER DE SENSIBILISATION AU SHENG

OBJECTIF

Atelier de sensibilisation au Sheng, orgue à bouche chinois de 10h à 12h.

En partenariat avec l’Ensemble Télémaque dans le cadre d’October Lab • Édition 1 • Du 18 au 21 octobre 2018

CONTENU GÉNÉRAL

> Présentation de l’instrument
> Historique du Sheng
> Les différents répertoires
> Interprétations de différents morceaux


CONDITIONS DE PARTICIPATION

Atelier gratuit ouvert à tous 

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BIOGRAPHIE

Yifei Hua est un joueur de sheng aussi jeune que talentueux. Diplômé du Conservatoire de Musique de Shanghai, membre de l’Orchestre National Chinois, du Comité des Musiciens de Shanghai et de l’Ensemble Atlas au Pays-Bas, il a commencé l’apprentissage du sheng traditionnel en 2007 avec le professeur Xu Chaoming. Depuis son admission à l’université, il s’initie à la musique contemporaine et à l’improvisation sous la direction du célèbre Wu Wei, un joueur de sheng de renommée mondiale qui a une notoriété « d’érudit oriental ».

Lauréat de nombreuses bourses d’études ainsi que de prix nationaux, Yifei a très tôt accumulé une expérience précieuse en participant à des concerts et des séminaires aux États-Unis, aux Pays-Bas, en France, à Singapour, à Hong Kong, au Japon, en Australie, en Serbie, en Albanie et en Slovénie.

Principales activités artistiques et récompenses :

  • En octobre 2013, il gagne le prix d’argent de la 9è édition des « Golden Bell Prize Of Chinese Music »

  • En août 2016, il gagne deux prix d’or au « First Chinese Sheng Art Festival Competition ».

  • De 2013 à 2016, il est soliste invité à l’Ensemble Atlas des Pays-Bas. Le Conservatoire d’Amsterdam lui confie des master classes.

  • Le 10 juin 2016, il donne avec succès son premier récital soliste intitulé « Solar Planet » au Conservatoire de Shanghai. Accompagné par le China Traditional Orchestral de Zhejiang, il enregistre son premier album live.

Yifei Hua aime jouer plusieurs sortes de sheng. A ce jour, il a créé plus de trente pièces en solo dont les esthétiques s’apparentent tout autant à la musique traditionnelle qu’aux sonorités contemporaines.

MILENA JELIAZKOVA & MAYA MIHNEVA

Objectif

Pour l’art traditionnel musical bulgare (chants, mélodies instrumentales et danses) le rythme est l’élément le plus important. Il est le point de jonction entre texte, mélodie et pas de danse – le rythme est ce qui unit Poésie, Musique et Danse. Le rythme est considéré par les Bulgares comme le Principe masculin de la musique. C’est un puissant intermédiaire entre l’interprète et le Monde extérieur, le Cosmos et la Nature. L’intonation (la suite tonale de la mélodie), représente quant à elle le Principe féminin de la musique et rend compte de l’état intérieur de l’interprète. Rythme et Intonation sont les deux éléments suprêmes de la mélodie. Celle-ci déterminera à son tour quel type de danse sera utilisé en parallèle.

Milena Jeliazkova, chanteuse professionnelle traditionnelle bulgare, pédagogue et coach vocal, et Maya Mihneva, danseuse traditionnelle bulgare enseignant au Conservatoire des Alpes de Haute-Provence, animent séparément de nombreux stages de chants et danses bulgares en France et à l’étranger, depuis plus de 15 ans. Leur amitié et amour pour la musique et les danses populaires bulgares leur ont donné envie de créer au sein de l’IIMM d’Aubagne cette master-class afin de conjuguer leurs talents et de les mettre au service de celles et ceux désireux de s’initier ou de se perfectionner à ces arts uniques au monde. Elles aborderont toutes les notions exposées ci-dessus lors de cette master-class inédite. Le travail sera mené à la fois en direction de la voix et du corps, et surtout, à l’interaction entre voix, souffle, corps. Seront abordées les notions de posture d’intériorité et d’extériorité, de présence à soi et au monde.

CONTENU GÉNÉRAL CHANTS

  •  Échauffement corporel : Mise en accord, préparation du corps pour trouver les résonances, gestion du souffle, détente et disponibilité, verticalité et horizontalité, ancrage au sol, écoute intérieure, concentration, énergie.
  • Exploration des timbres : Placement de la voix (spécificités selon les hauteurs), gestion du son, travail sur les voyelles, articulation, voix parlée et chantée.
  • Approche polyphonique : Travail sur les intervalles (secondes, tierces, quintes) et les accords, gestion de la « gêne ».
  • Travail sur les rythmes impairs : gestion du souffle et spécificités.

CONTENU GÉNÉRAL DANSES

  • Préparation corporelle : gestion du souffle, détente et disponibilité, verticalité et horizontalité, ancrage au sol, écoute intérieure, concentration, énergie.
  • Travail sur l’axe, les appuis, la suspension, sur les spécificités de chaque danse abordée
  • Apprentissage des danses par imprégnation et observation : approche du style – danses d’ensemble, en cercle, en chaîne, danses d’improvisation – en rythme pair et impair.

CONTENU GLOBAL

L’interprétation : travail sur l’expression vocale et dansée conciliant technicité et identité artistique, immédiateté des perceptions, relation à soi et aux autres, exploration des sensations et de l’imaginaire afin de servir l’interprétation.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

La master-class est ouverte aux chanteurs et danseurs débutants et confirmés, la bonne oreille et la justesse chantée sont néanmoins indispensables.

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BIOGRAPHIES

MILENA JELIAZKOVA

Bulgare et citoyenne française, Milena JELIAZKOVA commence ses études de piano et de chant à l’âge de six ans auprès de Kristina Boeva, professeur émérite de l’Académie des Arts Musicaux de Plovdiv. Parallèlement elle suit des cours de chants et danses traditionnelles avec sa mère, chanteuse et danseuse dans « Ensemble TRAKIYA » (Thrace). Après huit ans de formation à la fois classique et traditionnelle dans son pays, elle s’est consacrée au rythm & blues pendant trois ans, et s’est investie, en France, avec BALKANES, quatuor de polyphonies bulgares a cappella, dans le chant traditionnel bulgare et l’univers des chants sacrés slavons et byzantins. Diplômée de l’ARSEC/NACRe (MASTER 2 en management culturel), elle a mené des recherches sur le chant traditionnel bulgare en tant que vecteur de conservation de l’identité collective bulgare, et a travaillé auprès du directeur de l’Amphithéâtre de l’Opéra de Lyon et pour l’Ensemble de musique baroque Le Concert de l’Hostel Dieu, en tant que chargée de communication et de diffusion. Milena chante depuis 1997 au sein du quatuor Balkanes qui se produit sur des scènes nationales et internationales en France, Suisse, Italie, Bulgarie, Tunisie, Allemagne, USA, Canada… et lors de nombreux festivals. Ses goûts musicaux éclectiques l’ont amenée à s’intéresser de plus en plus aux chants traditionnels du monde en général et aux techniques de chant diverses qui s’y attachent. Depuis 2006, elle crée avec Jean-Pierre Caporossi et Tony Canton le projet KËF – élektro Balkans. Milena chante également dans la Cie Henri AGNEL, qui explore les répertoires méditerranéens médiévaux et contemporains et avec laquelle elle tourne en France et à l’étranger. En 2017, elle co-fonde SIBYLLES TRIO avec Françoise ATLAN et Milena ROUDEVA. Elle compose et réalise des arrangements pour les quatre ensembles, co-anime de stages vocaux à destination de tous les publics, enseigne le chant bulgare à l’Institut International des Musiques du Monde et propose du coaching vocal et scénique aux chanteurs débutants et confirmés (diplômée d’Harmoniques, Paris.)

Expériences : Depuis 2003, ateliers animés auprès d’Agences Musiques et Danses de différentes régions de France (Centre, Bretagne, Rhône-Alpes, Alsace, Pays Basque…) et à l’étranger – Suisse, Mayotte, USA. Stages auprès de Conservatoires de Rayonnement Régional et d’écoles de Musique, à la demande d’organismes tels que le CEPRAVOI (www.cepravoi.fr), centres vocaux privés, de chefs de choeur professionnels et amateurs, théâtres et festivals de musique sacrée et du monde. Projet sur 6 mois, en 2019, avec la Maîtrise de la Loire – direction du Grand Choeur de 90 personnes à l’occasion de Plovdiv – Capitale Européenne de la Culture 2019. Pédagogue régulière auprès de l’Institut International des Musiques du Monde, Aubagne (www.iimm.fr).

MAYA MIHNEVA

Bulgare de naissance, installée en Provence, Maya Mihneva commence la danse dès ses premiers pas. Nombreuses sont les occasions en Bulgarie pour apprendre et pratiquer les danses traditionnelles, présent à chaque fête, le « horo se vié » (la danse serpentine) durant des heures.

Suite à l’obtention du diplôme de danses bulgares à Plovdiv (Région de Thrace), Maya intègre l’Ensemble d’État Bulgare de musiques, chants et danses « Sévernyashky » à Pleven, et se produit régulièrement en France : Casino du Paris, Café de la Danse, CNIT Paris la Défense, Théâtre National de Bordeaux…, et en Italie.

Membre du GTR (groupe de travail régional) danses du monde depuis 2000, elle participe à l’action de l’ARCADE – PACA en faveur des danses traditionnelles et du monde. Parallèlement l’ADAC 04 (Association départementale d’action culturelle) lui confie une mission sur le développement et la valorisation des danses traditionnelles dans le département.

Maya enseigne au Conservatoire à Rayonnement Départemental des Alpes-de-Haute-Provence depuis 2005. Sa pédagogie est marquée par la spécificité des danses de son répertoire d’origine, et plus largement par l’approche des danses des Balkans, dans un esprit d’ouverture et de partage.

Diplômée d’un Master 2 « Théories et Pratiques des Arts Vivants en Danse » de l’Université de Nice Sophia Antipolis, Maya mène de nombreux projets pédagogiques et artistiques. Sollicitée souvent pour sa pédagogie par des institutions telles que Conservatoires Régionaux de Limoges et Avignon, CRD de Montbéliard, CFMI d’Aix en Provence, l’ARCADE – PACA, Régie Culturelle Régionale PACA, Centre Chorégraphique de la ville de Strasbourg etc., elle s’appuie sur sa double culture.

Danseuse et chorégraphe, l’artiste collabore depuis son installation en France, et se produit aux cotés des musiciens d’AKSAK et de MELIZMA. La complicité entre Maya et Isabelle Courroy, joueuse de kaval (flûte oblique des Balkans) lui permet d’explorer le riche répertoire des danses bulgares, et de le mettre en scène avec un regard actuel.

Dans le cadre de Marseille Provence 2013, capitale européenne de la Culture, pour l’événement « Le Monde est chez nous », la Région PACA lui confie la création « TovaE ». Celle-ci réunit près de 50 danseurs et musiciens, enfants, adolescents et adultes, menés sous la direction artistique conjointe de Maya Mihneva pour la danse et d’Isabelle Courroy pour la musique.

Le film documentaire « Au diapason du monde », témoin du projet, est réalisé par Catherine Catella en 2014, à partir des portraits d’artistes emblématiques. Il témoigne de la riche diversité culturelle en terre provençale, et dresse le portrait d’une artiste lumineuse et engagée.

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OMAR BASHIR

Objectif

Une méthode innovante pour la pratique du Oud oriental.

Contenu général

Cette méthode originale d’enseignement permet d’acquérir le style d’Omar Bashir et d’apprendre rapidement sa technique de picking (risha). Une méthode unique que seul Omar Bashir lui-même peut enseigner.

Conditions de participation

  • Connaissance minimum en oud oriental requise
  • Oud accordé en modes orientaux (C.D.G.C.F.F. ou F.C.D.G.C.F.)

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Biographie

At the age of seven Omar joined the Baghdad Music and Ballet School where he made his Oud solo debut at the age of nine, performing solo at the Baghdad Conservatory.

In his late teens he became teacher at the Baghdad Music and Ballet school, setting up his own band of 24 musicians specialising in classical Iraqi music. In 1991 Omar’s parents moved back to Hungary, where Omar studied piano, singing and direction of choir at the Liszt Ferenc University, continuing to work and perform alongside his father.

Omar debut with his father was in 1983 when Omar was thirteen. Seven years on, Omar was now performing internationally alongside his father until Munir Bashir’s death in 1997.

The father and son international performances included various countries in the Arab world, Russia, Turkey, USA, Canada and Europe.

The death of his father marked a turning point in Omar Bashir’s musical career. His creative search experimenting and exploring various instruments alongside Oud led to collaborations with many international artists, He was granted the copyright by Gypsy King to perform one of their melodies.

Omar won many recognitions and international award for his work and musical achievements. He has performed internationally in most prestigious musical halls and often in the presence of notable figures.

Omar Bashir made various performances for charity. On the first Anniversary of the World Trade Centre by invited by the US government and The Institute of Arab Music he took part in a fundraising performance for the Iraqi Symphony Orchestra and Iraqi children.

VICTOR VILLENA

Objectif

Se perfectionner au bandonéon.

  • Maitrise du son du bandonéon
  • Différents types de vibratos ou non-vibratos du bandonéon
  • Étude des différentes écoles techniques du bandonéon
  • Relation entre le tango et les autres musiques a partir du bandonéon

CONTENU GÉNÉRAL

  • Répertoire Classique : œuvres de J.S. BACH, BARTOK, GLASS pour la maîtrise du soufflet
  • Répertoire Tango : œuvres d’ A. PIAZZOLLA, DANIEL BINELLI, ANIBAL TROILO, VICTOR LAVALLEN pour les techniques Tango
  • Travail sur l’ornementation adaptée a chaque style de Tango
  • Écoute et analyse comparatives a partir d‘extraits sonores : étude des différents solistes historiques et actuels du bandonéon

Conditions de participation

  •  Tous les systèmes de bandonéon sont acceptés : bisonores argentin et allemand, et unisonores. Les accordéonistes seront acceptés aussi sous réserve des places disponibles.
  • Tous les bandonéonistes doivent amener leur propre instrument.
  • Les stagiaires seront acceptés après avoir envoyé un échantillon sonore attestant de leur niveau (amateur, semi profesionnel, professionel).
  • Langues parlées : français, espagnol, anglais, italien, allemand. Les cours en groupe seront donnés en français et en anglais.

En partenariat avec La Rue du Tango

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Biographie

Né en 1979 en Argentine, Victor Villena commence l’étude du bandonéon à l’âge de 9 ans dans la banlieue de Buenos Aires. A 17 ans, il est élu « bandonéoniste révélation » par l’Académie Nationale du Tango de Buenos Aires. Il obtient le Prix du meilleur soliste  au Concours national d’Argentine en 1997. En 1999, il quitte l’Argentine pour s’installer en France.

Sa carrière se poursuit dans toute l’Europe. Il se produit ainsi en tant que soliste avec l’Orchestre Philarmonique de Radio France, l’orchestre symphonique des Pays de la Loire, le Moritzburg Festival Orchestre (Allemagne), le Stockholm Jazz Orchestra (Suède), le Brussels Jazz Orchestra (Belgique).

Son talent lui permet de se produire sur les scènes françaises les plus renommées : Salle Pleyel, Théâtre du Châtelet, Olympia de Paris, Grand Rex, Arsenal de Metz, Auditorium de Dijon, Salle Gaveau et du monde : Hollywood Bowl (USA), Broadway 54(USA), The London Barbican, the London Queen’s Hall (UK), Tokyo Forum (Japon)…

De 2003 a 2007, il fait partie de la tournée mondiale du Gotan Project, groupe mythique de musique électronique.

En juillet 2007, il dirige l’Opéra María de Buenos Aires, donné au Théâtre National de Lisbonne avec son Quintette « El Después » et les solistes de l’Orchestre Symphonique National du Portugal.

En 2010 il crée « Rêves et Désirs » pour bandonéon et Orchestre avec l’Orchestre Philarmonique de Radio France, Prix France Musique-Sacem 2010.

En 2012 il à crée avec Henri Demarquette, Nemanja Radulovic, Franc Braley le quatuor « Arborescence » qui se produira dans la scène national et dans l’émission «  Les Salons de Musique » de la chaine Arte TV.

Depuis 2013 il est le bandonéoniste officiel de la chanteuse et actrice Ute Lemper avec laquelle il tourne dans les principales salles du monde : Philharmonie de Paris, Opéra de Frankfurt, Royal Albert Hall.

Depuis 2014 il participe à la création de la classe de bandonéon de Yvonne Hahn au Conservatoire à Rayonnement Régional du Grand Avignon. Il s’y rend régulièrement pour donner des master-class et il est le parrain artistique de la classe.

Il joue en duo avec Sarah Nemtanu le programme « Bach-Bartok-Piazzolla ».

Il enregistre son disque de Bandonéon solo « Bandonéon Ecléctico » nominé en Argentine parmi les meilleurs albums de l’année 2013.

En 2015 il enregistre a New York, l’album du spectacle « 9 Secrets of Accra » . Le spectacle est produit et filmé par ARTE TV. Il participe aussi la création du « Double concerto pour bandonéon, accordéon et orchestre » de Alejandro Schwarz, commande du Conservatoire de Avignon.

Il participe dans la saison 2016-17 à la création de l’Opéra contemporain « L’Ombre de Venceslao » de Martin Matalon.

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LÉVON MINASSIAN

✦ MASTER OF DOUDOUK ✦

PROPOS ARTISTIQUE

La musique que nous livre Lévon Minassian n’appartient plus à ce que l’on appelle le folklore, musée des âmes mortes et ressuscitées, ni à un espace géographique délimité qu’on appelle un pays, mais à cette sphère hors du temps et de la durée, où l’âme a besoin de se prolonger pour découvrir qu’elle en a encore une.

Afin de contribuer à ce que le doudouk s’inscrive dans les valeurs culturelles universelles, Lévon MINASSIAN mêle ces sonorités à la fois si gaies et si tristes aux autres instruments du monde. De cette démarche artistique, naît 3 programmes musicaux singuliers  « Le Murmure des vents« , « La voix d’un peuple » & « Rencontres » à découvrir si-après :

***

« LE MURMURE DES VENTS »
Distribution :
> Lévon Minassian [Doudouk solo vocal]
> Roselyne MINASSIAN [Vocal]
> Jean-Pierre NERGARARIAN [Kamantcha]
> Pedro ALEDO [Guitare vocal]
> Anahid ter BOGOSSIAN [Piano]
> Serge ARRIBAS [Clavier]
> Kelly MARTIN’S [Recitante présentatrice]
> Jacques VINCENSINI [Doudouk bourdon]
> Michèle LUBICZ [Doudouk 2ème voix]

Cette formation originale rassemblée autour du doudouk comporte une dizaine d’artistes au talent complémentaire. Tour à tour, le kamantcha et le kanoun se mêleront aux sonorités de la guitare flamenco, d’un quatuor à cordes, d’un piano à queue et d’un clavier. Ce programme reste une réelle invitation au voyage ponctuée par les interventions d’une danseuse et d’une récitante dans un esprit qui est née autour d’une montagne sacrée il y a 3000 ans et qui s’exprime par cette simple flûte en bois d’abricotier. Lévon MINASSIAN et ses musiciens nous invitent au voyage, à la découverte d’un monde à la fois intime et généreux, au son du doudouk dont le souffle envoûtant transporte les coeurs et les âmes sur les plateaux d’Arménie où murmure le vents des hautes plaines. Un moment unique ou le spectateur est convié à faire abstraction du temps et de l’espace pour se mettre à l’écoute et se laisser porter par la magie du spectacle.

***

« LA VOIX D’UN PEUPLE »
Distribution :
> Lévon Minassian [doudouk solo]
> Arthur KASSABYAN [Bourdon]
> Dikran ZAKARIAN [Doudouk 2ème voix]
> Armen GHAZARYAN [Doudouk basse]
> Viguen HAGOPYAN [Kamantcha]
> Roselyne MINASSIAN [Vocal]

La musique que nous livre Lévon MINASSIAN n’appartient plus à ce que l’on appelle le folklore, musée des âmes mortes et ressuscitées, ni à un espace géographique délimité qu’on appelle un pays, mais à cette sphère hors du temps et de la durée, où l’âme a besoin de se prolonger pour découvrir qu’elle en a encore une. Ce programme est un retour au pays de ses ancêtres où, adolescent, il découvre le doudouk. Perspicacité et travail acharné lui offrent aujourd’hui une reconnaissance que ses ascendants n’auraient pas reniée. Il n’hésite pas désormais à apporter de nouvelles couleurs aux sonorités mélancoliques inhérentes au répertoire traditionnel

***

« RENCONTRE »
Distribution :
> Lévon Minassian [doudouk solo]
> Pedro ALEDO [Guitare vocal]
> Anahid ter BOGOSSIAN [Piano]
> Serge ARRIBAS [Clavier]
> Roselyne MINASSIAN [Vocal]

Cette formation à géométrie variable est composée de musiciens en provenance d’horizons musicaux différents venant accompagner le doudouk Arménien lui donnant ainsi de nouvelles couleurs et de nouvelles ornementations musicales sans perdre pour cela sa profondeur et sa grande émotion.

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contact@iimm.fr / +33 (0)4 42 04 37 73 

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BANDONEÓN ECLÉCTICO

✦ Victor Hugo VILLENA ✦

PROPOS ARTISTIQUE

Qualifié par le New York Times comme étant  « le maître de l’instrument », virtuose contemporain incontesté du bandonéon, plusieurs fois récompensé, Victor Hugo VILLENA propose un programme musical inédit avec un répertoire des années 40, mais aussi d’oeuvres contemporaines et de créations personnelles.  L’occasion de découvrir toutes les facettes et sonorités de cet instrument somptueux d’intensité!

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SIBYLLES TRIO

✦ Milena JELIAZKOVA – Françoise ATLAN – Milena ROUDEVA ✦
// FORMATION INÉDITE //

PROPOS ARTISTIQUE

Annoncer, inspirer, transmettre, prophétiser, être sur le fil entre visible et invisible, faire résonner l’espace entre ciel et terre… ainsi évoluent les Sibylles. Eternelles et insaisissables, magiciennes et sorcières au sens de « détentrices du savoir », parques aussi, elles sont à la fois vierges et mères, guerrières, justicières, vengeresses et pacificatrices. Par leur ambivalence même elles sont pleinement femmes – muses, canailles, oracles… divines et terrestres.

Les trois chanteuses de SIBYLLES TRIO se sont retrouvées autour de l’image forte et suggestive de ces femmes fascinantes. Issues d’origines diverses, fortes de leurs cultures multiples, elles sont les porteuses mêmes des facettes caractéristiques de la Femme dans toute son ambivalence, complexité et mystère. Milena Jeliazkova, Françoise Atlan et Milena Roudeva ont reçu un cadeau inestimable à leur naissance – savoir chanter, donner à entendre par la voix mélodieuse la musique millénaire de leurs ancêtres, les chants séculaires qui ont permis aux ethnies et aux peuples dont elles sont issues de survivre à travers les siècles, malgré les jougs, les exodes et les exils, malgré les régimes et les dictatures. Ce don est à leurs yeux aussi un devoir – être des « passeuses de connaissances », c’est-à-dire perpétuer la tradition orale en chantant, en transmettant, comme cela a été fait par leurs mères et grands-mères avant elles, tout en lui donnant un futur plein de promesses par le biais de la création.

L’union de ces trois chanteuses a été donc une évidence – chanter en trio, faire connaître les chants de leurs origines et faire résonner leurs voix au-delà des frontières,  des règles, des dogmes, au-delà de tout ce qui pourrait contrarier, voire même brimer leurs âmes de sibylles.

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LAVANDE ET JASMIN

✦ Sissy ZHOU & Miquèu MONTANARO ✦
// FORMATION INÉDITE //

PROPOS ARTISTIQUE

“Plutôt que de créer des barrières entre les cultures, nous tentons de planter de la lavande sur le mur de Chine.” Ou comment gu zheng, galoubet et tambourin s’unissent d’une même voix !

Miquèu Montanaro, sans jamais renier ses racines provençales, a toujours travaillé sa musique en créant des passerelles entre les cultures, les histoires et les pays. Sissy Zhou, quant à elle, maîtrise l’art du Gu Zheng, du chant et des passerelles. Ils étaient faits pour se rencontrer et partager avec le plus grand nombre la magie de la musique. Celle de rassembler les sonorités auxquelles on ne pouvait s’attendre.

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REBETIKO DE L’AMÉRIQUE

✦ RÉBÉTIKO DE L’AMÉRIQUE : HOMMAGE À MARIKA PAPAGIKA  ✦
// CRÉATION //

PROPOS ARTISTIQUE

Le Rébétiko d’Amérique est le genre de musique populaire urbaine qui se développe dans les grandes villes des États-Unis entre 1900 et 1940 par les immigrants grecs. Nous focaliserons sur les enregistrements de Marika Papagika, figure emblématique du rébétiko de l’Amérique et une des plus grandes personnalités de la Diaspora grecque des Etats-Unis du début du XXe siècle.

Distribution :
> Maria SIMOGLOU : Chant, percussion
> Ourania LAMPROPOULOU : Santouri

> VIDÉO 

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