Auteur : Margaret

OBJECTIF

Atelier de sensibilisation au Sheng, orgue à bouche chinois de 10h à 12h.

En partenariat avec l’Ensemble Télémaque dans le cadre d’October Lab • Édition 1 • Du 18 au 21 octobre 2018

CONTENU GÉNÉRAL

> Présentation de l’instrument
> Historique du Sheng
> Les différents répertoires
> Interprétations de différents morceaux

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Atelier gratuit ouvert à tous 

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BIOGRAPHIE

Yifei Hua est un joueur de sheng aussi jeune que talentueux. Diplômé du Conservatoire de Musique de Shanghai, membre de l’Orchestre National Chinois, du Comité des Musiciens de Shanghai et de l’Ensemble Atlas au Pays-Bas, il a commencé l’apprentissage du sheng traditionnel en 2007 avec le professeur Xu Chaoming. Depuis son admission à l’université, il s’initie à la musique contemporaine et à l’improvisation sous la direction du célèbre Wu Wei, un joueur de sheng de renommée mondiale qui a une notoriété « d’érudit oriental ».

Lauréat de nombreuses bourses d’études ainsi que de prix nationaux, Yifei a très tôt accumulé une expérience précieuse en participant à des concerts et des séminaires aux États-Unis, aux Pays-Bas, en France, à Singapour, à Hong Kong, au Japon, en Australie, en Serbie, en Albanie et en Slovénie.

Principales activités artistiques et récompenses :

• En octobre 2013, il gagne le prix d’argent de la 9è édition des « Golden Bell Prize Of Chinese Music »

• En août 2016, il gagne deux prix d’or au « First Chinese Sheng Art Festival Competition ».

• De 2013 à 2016, il est soliste invité à l’Ensemble Atlas des Pays-Bas. Le Conservatoire d’Amsterdam lui confie des master classes.

• Le 10 juin 2016, il donne avec succès son premier récital soliste intitulé « Solar Planet » au Conservatoire de Shanghai. Accompagné par le China Traditional Orchestral de Zhejiang, il enregistre son premier album live.

Yifei Hua aime jouer plusieurs sortes de sheng. A ce jour, il a créé plus de trente pièces en solo dont les esthétiques s’apparentent tout autant à la musique traditionnelle qu’aux sonorités contemporaines.

Objectif

Se perfectionner au bandonéon.

• Maitrise du son du bandonéon
• Différents types de vibratos ou non-vibratos du bandonéon
• Étude des différentes écoles techniques du bandonéon
• Relation entre le tango et les autres musiques a partir du bandonéon

CONTENU GÉNÉRAL

• Répertoire Classique : œuvres de J.S. BACH, BARTOK, GLASS pour la maîtrise du soufflet
• Répertoire Tango : œuvres d’ A. PIAZZOLLA, DANIEL BINELLI, ANIBAL TROILO, VICTOR LAVALLEN pour les techniques Tango
• Travail sur l’ornementation adaptée a chaque style de Tango
• Écoute et analyse comparatives a partir d‘extraits sonores : étude des différents solistes historiques et actuels du bandonéon

Conditions de participation

•  Tous les systèmes de bandonéon sont acceptés : bisonores argentin et allemand, et unisonores. Les accordéonistes seront acceptés aussi sous réserve des places disponibles.
• Tous les bandonéonistes doivent amener leur propre instrument.
• Les stagiaires seront acceptés après avoir envoyé un échantillon sonore attestant de leur niveau (amateur, semi profesionnel, professionel).
• Langues parlées : français, espagnol, anglais, italien, allemand. Les cours en groupe seront donnés en français et en anglais.

En partenariat avec La Rue du Tango

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Biographie

Victor VILLENA

Victor VILLENA

Objectif

Destinées aux instrumentistes, chanteurs, étudiants inscrits dans une démarche musicale approfondie, ces masterclasses, dirigées par Bruno Allary, proposent une approche à la fois sensible, pratique et théorique des musiques populaires méditerranéennes. S’appuyant sur les créations et recherches accomplies par la Cie Rassegna depuis plus de seize ans, et illustrés d’extraits de ses différents albums, les cinq modules de ce cycle de formation abordent aussi bien les aspects mélodiques, rythmiques, poétiques, que méthodologiques ou techniques du travail de la compagnie.

CONTENU GÉNÉRAL

1. Boîte à idées : exposé des notions, questionnements, méthodes, ou encore concepts fréquemment mis en oeuvre par Bruno Allary, au cours des différents processus créatifs (composition, arrangement, créationsrencontres…).

2. Boîte à modes : étude des différentes échelles musicales employées par la Cie Rassegna (modes « ecclésiastiques », ou dérivés des gammes mineures harmoniques et mélodiques, gammes pentatoniques, éléments à transposition limitée, maqams avec micro-intervalles…).

3. Boîte à rythmes : tour d’horizon des mesures et cellules rythmiques – simples, composées, asymétriques – communément rencontrées en Méditerranée (notamment dans le Flamenco, les musiques orientales, les danses des Balkans…) et examen sensible de leurs particularités.

4. Boîte à mots : analyse, sous l’angle littéraire, de certains chants (andalous, occitans, corses, italiens…) afin d’en saisir pleinement la puissance poétique et d’illustrer, par l’exemple, la diversité des thématiques rencontrées dans ces répertoires populaires.

5. Boîte à sons : après une présentation organologique des instruments (et types de voix) employés par la Cie Rassegna, mise en lumière de leurs fonctions timbrales, acoustiques et spectrales respectives (par le biais de notions liées à la synthèse sonore et à l’audio-numérique).

Conditions de participation

Cette boîte à outils s’adresse à un public constitué d’une quinzaine de participants au maximum. Tous les types d’instruments et d’approches musicales sont bienvenus.

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Biographie

De son immersion précoce dans les univers distants de la guitare jazz et flamenca, Bruno Allary tire la singularité de son langage créatif. Ce double apprentissage musical, tissé d’héritages et savoirs contrastés, nourrit un goût vibrant du divers, du multiple, du composé ; transforme le métissage des pratiques artistiques en idiome naturel ; instaure, enfin, un rapport intime et sensible aux pratiques vocales de Méditerranée. En guitariste attentif, il met cet amour du chant au service des voix qu’il accompagne sur scène, un rôle d’équilibriste passionné qu’il remplit dix années durant. À côté de l’instrumentiste, la création de la Cie Rassegna (2002) révèle le rassembleur et l’homme de projets. Elle donne corps à une démarche plus personnelle, qui s’attache à faire vivre la diversité des musiques populaires de Méditerranée en y traquant les passages, échos et résonances, dans l’espace et dans le temps. Cette dynamique de création se poursuit avec les formations successives de ZAMAN Fabriq (2008), Anis del Mundo (2010) et de Nassîm ou les quatre Vents (2012). À présent, ces entités évoluent au sein d’un cadre unitaire, l’Ensemble Multitudes, dont le nom traduit au plus près l’idéal, et dont Bruno Allary fait son laboratoire d’intentions. Car ces projets et réalisations sont autant de lignes de fuite d’une pensée nomade, et d’une quête artistique à plusieurs entrées. La première et la plus apparente : une réflexion traversante sur l’idée de croisement, un regard oblique porté sur des musiques, des patrimoines, des sensibilités propres à l’espace Méditerranéen. Mais en creux de cette démarche, comme un fil essentiel et discret, on lit la patiente exploration d’une esthétique de l’entre-deux, une sensibilité particulière aux passages, aux interstices, aux zones de turbulence — entre ombre et lumière, modal et tonal, acoustique et électrique — et la mise en tension de ces pôles antagonistes comme moteur de création. Mais ces aspirations, longtemps mises au seul service du collectif, servent aujourd’hui un désir plus personnel de création, matérialisé en 2013 par la réalisation de l’album d’Isabelle Courroy (Confluence #1, Buda Musique, 2014), et depuis 2015, par un travail de recherche et d’écriture autour de compositions personnelles « Les intensités immobiles ».

OBJECTIF

Nous voici partis pour un voyage à travers la polyphonie corse ou plutôt les polyphonies corses avec les sons et les univers qui leurs sont propres. Une véritable immersion dans le chant et ses langages, qu’il soit profane et sacré, une mise en résonance des hommes, de leur terre et leur histoire pour mieux servir notre présent. Une histoire de vibration, celle de la Méditerranée, celle du Mare Nostrum…

CONTENU PÉDAGOGIQUE

•  Relation entre les timbres vocaux, l’aspect social, la géographie des sons et des lieux ainsi que l’unité dans la matrice polyphonique.
• Travailler son ancrage et sa verticalité dans le chant .
• Développer sa présence scénique.
• Explorer les différents univers du monde sacré.

RÉPERTOIRES ABORDÉS

• A Paghjella, chant agro -pastoral et social, ses différents airs géographiques (u versu).
• U Madrigale, chant de cour et d’amour.
• U terzettu, forme poétique typique du centre corse .
• Chants sacrés de la tradition des confréries de corse de la région du Nebbiu et du Cap Corse dédiés à la Semaine Sainte : l’Orme Sanguine, Suda Sangue, Perdono mio Dio , Lode di u Sepolcro, Stabat Mater…
• Chants sacrés de la tradition liturgique autour au monde des vivants et des morts : Kyrie, Agnus dei, In Paradisum, De Profundis …

BIOGRAPHIE

C’est dans la région du Nebbiu et plus spécifiquement dans le village de Patrimoniu au pied des falaises abruptes du cap corse, qu’est né et vit André Dominici. Baigné et bercé dans le chant depuis son plus jeune âge, c’est à l’adolescence, porté par le chant sacré et l’humain, qu’il intègre naturellement l’esprit des confréries, véritables matrices et conservatoires du chant sacré depuis des siècles en corse, pour ne plus jamais le quitter. Porté par des années au service de « A Cunfraternita San Martinu di Patrimoniu « , il décide il y a 17 ans avec trois amis également chanteurs de sa région, de créer un ensemble vocal dédié au chant traditionnel mais surtout à la création contemporaine du nom de Barbara Furtuna.

Toujours avec l’envie d’acquérir de nouvelles compétences, il obtient en 2004 une « licence de conduite d’ensemble de musique traditionnelle corse  » au sein de l’université Pascal Paoli de Corte . Aujourd’hui le temps de la transmission est venu. Fort de plus de 1000 concerts sur tous les continents, de nombreuses collaborations artistiques et humaines ainsi que la notoriété que l’on connaît dorénavant à Barbara Furtuna… André Dominici vous propose de mettre tout son savoir et son expérience au service de l’apprentissage du chant polyphonique corse bien-sûr, mais également du coaching vocal, d’harmonisation des voix, de recherche d’identité et de son timbre et au delà, de travailler votre présence scénique.

Objectif

Stage de chants polyphoniques italiens a cappella
Initiation et sensibilisation à un répertoire de chants de tradition orale

« Baignée de tous côtés par la Méditerranée, l’Italie est un joyau musical qui chante depuis toujours le cycle de la vie à travers ses chants populaires – mémoire des évènements d’une histoire parallèle. Du nord au sud, ce patrimoine issu de la tradition orale est extrêmement riche et diversifié. Il a été transmis de génération en génération avec la rigueur qui a permis sa conservation. La péninsule a su intégrer à cette musique les apports des peuples qui ont traversé son territoire. Ce stage s’adresse à toute personne désireuse de découvrir les chants populaires italiens issus de la tradition orale. »

Contenu général 

•  Les divers modes et genres musicaux propres à chaque région
•  Les différentes façons d’utiliser la voix
•  Le fait de chanter en polyphonie a cappella
•  Les notions de musique tempérée et non tempérée
•  Et de nombreux rituels sans lesquels les chants n’auraient aucun sensAussi retrouvons nous essentiellement des chants liés aux différentes étapes de la vie à la mort comme : les nativités, les berceuses, les passions, les chants de travail, les lamentations, les chants de revendications sociales et politiques. Tous ont une fonction bien déterminée. Nous développerons les aspects qui donnent à ce répertoire toute sa structure, toute sa singularité dans une Europe qui tend à effacer cette mémoire.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Ce stage est ouvert à tous, débutants ou chanteurs confirmés, étudiants, professeurs, artistes professionnels, artistes amateurs. L’approche proposée est globale quel que soit le public concerné, cependant, les objectifs sont adaptés à la formation et à la pratique de chacun.

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BIOGRAPHIE

Tania Pividori, chanteuse, auteur, compositeur est membre du quatuor vocal Sanacore qui propose un répertoire de chants populaires italiens et de créations contemporaines et avec lequel elle enregistre plusieurs CD. All’Aria, Via Urbana et Passages (ed. Buda Musique), les trois albums du groupe, témoignent de cette volonté de présenter les entrelacs de ces deux cultures musicales.

www : www.taniapividori.com
Facebook : sanacore
YouTube : https://www.youtube.com/channel/UCp8ga6vQuEz6UVILjLcdFKA

OBJECTIF

Se former à la danse indienne « Khatak »

Nabankur BHATTACHARYA accompagnera la master-class de danse kathak avec la musique indienne (tablas).

CONTENU GÉNÉRAL

• Histoire :Etude de l’évolution de la danse et musique Indienne à travers les différentes époques ( Védique 1500 – 500 av. JC / Bouddha 500 av. JC – 300 AD / Hindu 300 – 1300 / moyen âge 1300 – 1700 /anglaise 1700 – 1947 /  moderne depuis 1947). Nous allons également étudier dans cette première partie, comment les changements socio-cultuels ont influencé la danse et de sa place au sein de la société indienne.
• Répertoires :Danses et musiques classiques, « Semi-Classical » et folkloriques.
• Notions clés : Hindustani, Karnatic, Dhrupad, Dhamar, bolbant, khayal, alap, jor, jhala, vistar, tan, boltan, tal, bhajan, thumri, dadra, gazal, chaiti, kajri, tappa et qawwali, baul, rabindrasangeet, bihu, bhangra, dandya, lavni, rajasthani folk etc.
• Écoute d’extraits sonores
• Guru-shishya Parampara : la transmission de la musique et de la danse. Le rôle du Guru.
• Le collectage : la retranscription et la place de l’oralité.
• Les grands noms : Bhrata-Muni, Tansen, Bhatkhande, Kabir, Jaydev, Baba Allauddin Khan, Pandit Ravi Shankar, Ustad Ali Akbar Khan, Ustad Zakir Hussain, Pandit Anindo Chatterjee, Pandit Birju Maharaj, Pandit Kelucharan Mohapatra et d’autres.
• Ré-éduquer l’oreille : approche des spécificités musicales (ragas – bols – srutis – tihaïs –  meend – sam – taals – jatis)
• Mise en pratique : exercices pour les doigts, kaïda, rela, peshkar, tukra, paran.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Élèves, étudiants, professeurs, artistes professionnels, artistes amateurs – Tout niveau (initiation, perfectionnement,  élargissement des compétences).

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BIOGRAPHIE

Née en Inde à Calcutta, Maitryee Mahatma a commencé la danse Kathak avec Sri Shikha Khare et ensuite elle a été formée par le plus grand maître de danse Kathak, Pandit Birju Maharaj. À Paris pendant quatre ans pour faire un doctorat en lettre à l’Université Paris 13, elle a continuer la danse avec Sri Sharmila Sharma. Aujourd’hui elle continue à approfondir son art avec Pandit Ashimbandhu Bhattacharya. Sur scène dès l’age de 10 ans, sa danse est marquée par sa grâce, la subtilité de ses expressions et par le travail rythmique des pieds. Tout en respectant la grammaire rigoureuse de son art, Maïtreyee a su traduire les rythmiques complexes en images poétiques. « Les bols, enchaînement rythmique, ne sont pas que des sons, c’est tout un langage ! Ils me parlent et je traduis en geste tout ce qu’ils me racontent ». En France depuis 2002, elle s’est produite en Europe avec des chanteurs et des musiciens indiens connu (Pandit Sukhdev Prasad Mishra, Pandit Saugata Roy Chowdhury, Pandit Chiranjib Chakrabarti et Nabankur Bhattacharya). Plus récemment elle se produit avec la Compagnie Jhankar qui est une collaboration indo-française composée de quatre artistes : Nabankur Bhattacharya, Fromentin, Philippe Gauby et Maïtreyee Mahatma. Maïtreyee fait vivre la danse Kathak autant dans sa tradition que dans sa contemporanéité par ses projets croisés. Rencontre du Kathak avec le Flamenco « Quand le silence crie », une représentation osée sur la femme ; «l’Eveil » une création avec Filibert Tologo, danse afro-contemporaine ; et « Chrysalide » une collaboration avec le chanteur belge Reynald Halloy. Elle vit actuellement à Marseille où elle enseigne la danse Kathak et participe pleinement à la vie culturelle régionale.

Master-class de Nabankur BHATTACHARYA

 Maitryee MAHATMA –  Nabankur BHATTACHARYA 

OBJECTIF

Initiation à la musique indienne par l’apprentissage de tablas et de la danse.

CONTENU GÉNÉRAL

Maitryee MAHATMA accompagnera la master-class de tablas pour une initiation à la danse indienne.

• Histoire : Etude de l’évolution de la Musique Indienne à travers les différentes époques ( Védique 1500 – 500 av. JC / Bouddha 500 av. JC – 300 AD / Hindu 300 – 1300 / moyen âge 1300 – 1700 /anglaise 1700 – 1947 /  moderne depuis 1947). Nous allons également étudier dans cette première partie, comment les changements socio-cultuels ont influencé la musique ; et la place de la musique sein de la société indienne.
• Répertoires : Musiques et danses classiques, « Semi-Classical », Musiques et danses folkloriques.
• Notions clés : Hindustani, Karnatic, Dhrupad, Dhamar, bolbant, khayal, alap, jor, jhala, vistar, tan, boltan, tal, bhajan, thumri, dadra, gazal, chaiti, kajri, tappa et qawwali, baul, rabindrasangeet, bihu, bhangra, dandya, lavni, rajasthani folk etc.
• Écoute d’extraits sonores.
• Guru-shishya Parampara : la transmission de la musique et de la danse. Le rôle du Guru.
• Le collectage : la retranscription et la place de l’oralité.
• Les grands noms : Bhrata-Muni, Tansen, Bhatkhande, Kabir, Jaydev, Baba Allauddin Khan, Pandit Ravi Shankar, Ustad Ali Akbar Khan, Ustad Zakir Hussain, Pandit Anindo Chatterjee, Pandit Birju Maharaj, Pandit Kelucharan Mohapatra et d’autres.
• Ré-éduquer l’oreille : approche des spécificités musicales (ragas – bols – srutis – tihaïs –  meend – sam – taals – jatis)
• Mise en pratique : exercices pour les doigts, kaïda, rela, peshkar, tukra, paran.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Tout niveau (initiation, perfectionnement, élargissement des compétences).

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BIOGRAPHIE

Nabankur Bhattacharya (tablas) :
Nabankur Bhattacharya est né en Inde à Bankura, est disciple du célèbre maître Pandit Anindo Chatterjee et le neveu de Pandit Damarupani Bhattacharya. A quinze ans, il obtient le diplôme Sangeet Visharad de l’Université d’Allahabad. À vingt-quatre ans, il décroche la bourse du Ministère de la Culture Indienne. Nabankur Bhattacharya a joué sur scène partout en Inde et a accompagné des musiciens, chanteurs et danseurs de renom, comme Pandit A.T.Kanan, Bidushi Lakshmi Shankar, Bidushi Prabha Atre, Pandit Bhimsen Joshi, Pandit Ulhas Koshalkar, Mita Pandit, Ustad Kamal Sabri…Bien que ses racines musicales restent incontestablement hindustani, Nabankur Bhattacharya s’adapte avec une aisance naturelle à tout autre style. Depuis 2000, il se produit en Europe, sur le continent africain et à La Réunion. Il réside à Marseille où il enseigne les tablas et contribue activement à la vie artistique régionale en donnant des concerts de musique indienne et en participant à plusieurs créations musicales avec des musiciens européens.

Master-class de Maitryee MAHATMA

 Maitryee MAHATMA  –  Nabankur BHATTACHARYA 

Objectif

La musique brésilienne est à l’image du continent, aussi diverse que riche. Dans une même région on peut rencontrer des nombreux styles différents. on propose d’étudier quelques-uns des rythmes les plus joués par les groupes de bal ou regionais, comme le choro, maxime, samba, forro, frevo e maracatu.

Contenu général

• Atelier d’initiation aux musiques brésiliennes et à leurs rythmes (Choro, Baião, Xoté, Frevo, Samba) à travers la pratique collective, les percussions corporelles et mise en pratique avec tous les instruments.
• La transmission des rythmes se fera d’abord par la pratique d’ensemble polyrythmies orales, corporelles, puis sur des instruments de percussions, avant d’être « retranscrites » et travaillées sur les instruments harmoniques mélodiques.
• Pratique du chant soliste et polyphonique, proposition d’un répertoire original autour des musiques brésiliennes.
• Transmission orale d’un répertoire représentatif des genres et des rythmes.

Conditions de participation

• Pour pouvoir participer à la guitare ou piano il est demandé de savoir enchaîner avec aisance les accords majeurs, mineurs, septième, augmentés et diminués.
• Pour pouvoir participer comme soliste : pouvoir être autonome sur une mélodie entière.
• La lecture de grilles d’accords ou de partitions n’est pas obligatoire.
• Ouvert aux chanteurs et instruments acoustiques (sauf batterie)

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Biographies

CRISTIANO NASCIMENTO, guitare 7 cordes, trombone, viola nordestine.
Cristiano est un guitariste 7 cordes, compositeur et arrangeur inspiré. Sa musique est nourrie de choro, de samba, de forró, mais aussi du candomblé et des sons du com­positeur et multi-instrumentiste Hermeto Pascoal. Formé à la école de musique Villa Lobos (Rio de Janeiro), c’est de roda de samba en roda de choro que Cristiano a forgé le son de sa guitare et sa personnalité musicale. De 1999 à 2004, il intègre l’Itiberê Orquestra Família. Ses œuvres sont aujourd’hui éditées aux Éditions d’Oz. Il a accompagné des étoiles de la chanson brésilienne com­me Dona Ivone Lara, Wilson Moreira, Teca Calazans, Fabiana Cozza, Hermeto Pascoal, Armandinho…

CLAIRE LUZI, mandoline, voix, mélodica, accordéon, percussions.
Claire a étudié le piano classique au Conservatoire d’Aix-en-Provence, en même temps que la mandoline populaire corse avec son grand-oncle Charles Luzi. Elle a exploré dif­férents chemins artistiques : musicienne intervenante (DUMI), chef de choeur, chanteuse et auteur. Claire a également joué avec l’Opéra National de Montpellier et a participé au Projet Global Mandoline Orchestra. En 2004 sa passion pour les syncopes brésiliennes l’amène droit à Rio pour perfectionner son jeu. Elle y étudie avec Pedro Amorim à l’Escola Portátil de Música de Rio de Janeiro, avec Marco César à Recife.

Objectif

Une méthode innovante pour la pratique du Oud oriental.

Contenu général

Cette méthode originale d’enseignement permet d’acquérir le style d’Omar Bashir et d’apprendre rapidement sa technique de picking (risha). Une méthode unique que seul Omar Bashir lui-même peut enseigner.

Conditions de participation

• Connaissance minimum en oud oriental requise
• Oud accordé en modes orientaux (C.D.G.C.F.F. ou F.C.D.G.C.F.)

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Biographie

At the age of seven Omar joined the Baghdad Music and Ballet School where he made his Oud solo debut at the age of nine, performing solo at the Baghdad Conservatory.

In his late teens he became teacher at the Baghdad Music and Ballet school, setting up his own band of 24 musicians specialising in classical Iraqi music. In 1991 Omar’s parents moved back to Hungary, where Omar studied piano, singing and direction of choir at the Liszt Ferenc University, continuing to work and perform alongside his father.

Omar debut with his father was in 1983 when Omar was thirteen. Seven years on, Omar was now performing internationally alongside his father until Munir Bashir’s death in 1997.

The father and son international performances included various countries in the Arab world, Russia, Turkey, USA, Canada and Europe.

The death of his father marked a turning point in Omar Bashir’s musical career. His creative search experimenting and exploring various instruments alongside Oud led to collaborations with many international artists, He was granted the copyright by Gypsy King to perform one of their melodies.

Omar won many recognitions and international award for his work and musical achievements. He has performed internationally in most prestigious musical halls and often in the presence of notable figures.

Omar Bashir made various performances for charity. On the first Anniversary of the World Trade Centre by invited by the US government and The Institute of Arab Music he took part in a fundraising performance for the Iraqi Symphony Orchestra and Iraqi children.