Auteur : Cécile Robert

Chant classique de l’Inde du Nord
1 au 2 février 2020 : Atelier d’initiation
3 au 7 février 2020 : Master-class

OBJECTIF

Permettre aux élèves par la transmission orale d’appréhender la musique classique du Nord de l’Inde et son vaste répertoire afin d’en « apprivoiser » toutes les subtilités.
Vous aurez ainsi accès aux divers chants classiques et folkloriques qui sont les
bhajans(chants dévotionnels), thumris (genre semi-classique), dhrupad et le khyal (plus  récent qui découle du dhrupad) dont les différents modes participent à la constitution des RÂGAS.
Le Râga est un cadre mélodique fondé sur les théories védiques.
Il est à la fois mode et thème musical sur lequel se développent les improvisations. Le tala constitue le rythme du râga.
Il est l’élément essentiel puisqu’il structure le développement musical (du lent au rapide).
Il pose le cadre des improvisations.
Dans la musique classique du Nord de l’Inde les râgas ont été regroupés au sein de
10 « thâts ». Vous apprendrez l’exécution d’un râga avec 4 étapes principales : alap, jor, jhala,gat.
Chaque moment du jour, de l’année, de la saison, du calendrier religieux a son râga.
C’est l’Alap, prélude non mesuré, qui introduit l’auditeur dans l’univers du râga, donne le ton et se fait ensuite en libre improvisation.

CONTENU GÉNÉRAL

L’enseignement se fait à l’aide de l’harmonium ou du swarmendal pour apprendre les notes ou svaras : sa, ri, ga, ma, pa, dha ni.
Le travail de préparation vocale est primordial. Il combine posture et respiration.
Il est rendu possible en pratiquant le NAAD (son) YOGA qui est l’union du son, ainsi que différentes postures.
Introduction et apprentissage de chant de la Gharana de KIRANA.
Pandit Shyam a été formé à la Gharana de KIRANA qui est une des nombreuses écoles de Khyal.
Il a reçu la transmission par deux grands maîtres :
Pandit Madan Mahan Thakur et
Pandit Jadunath Chakraborty.
Pandit Shyam a créé son propre style à partir de cette école.
Travail sur les modes spécifiques, les ornements et les différents styles ainsi que les divers types de chants : qawwalis, ghazal, dhamâr…..
Les cours comprennent la théorie pratique vocale monodique et polyphonique ainsi que l’improvisation vocale et rythmique.
Travail aussi sur les écrits du grand poète bengali Rabindranath Tagore.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Tous niveaux…. De l’initiation au perfectionnement.
Ouvert aux chanteurs et instrumentistes qui peuvent amener leur tanpura.

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BIOGRAPHIE

Diplômé de la célèbre Université Rabindra Bharati de Calcutta où il obtient une maîtrise en musique classique hindoustanie il reçoit le titre de Pandit malgré son jeune âge en regard de son expression vocale particulière et de son charisme.
Il y enseigne ponctuellement.
La France lui accorde une bourse d’études en 2010 pour échanger avec des musiciens venus de tous pays à la Cité Internationale des Arts à Paris.
Invité à de nombreux festivals de musiques sacrées comme celui de Fès, Strasbourg, les Orientales ou l’Institut du Monde Arabe à Paris mais aussi en Belgique et en Suisse.

OBJECTIF

Se former aux chants grecs, modes et modalités dans la musique urbaine et rurale de la Grèce et de l’Asie Mineure. Seront abordés au cours de cette master-class :

• Les techniques d’improvisation spécifiques à la musique urbaine et rurale de l’Asie Mineure
•  L’apprentissage des chansons
•  Le travail sur l’ornementation 
•  Le style de jeu, la théorie modale (« makam » et « dromos »), 
•  Les rythmes, 
•  L’arrangement
•  Le contexte historique et socioculturel du style

CONTENU GÉNÉRAL

• Travail de technique vocale : relaxation, respiration et gestion du souffle, échauffement vocal, placement de la voix
• Apprentissage de chants grecs (Épire, Macédoine, Thrace et Asie mineure) : chants à l’unisson ou polyphoniques, travail du bourdon
• Travail sur l’interprétation, les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation 
• Travail sur les rythmes pour le chant et la danse : écoute du rythme à travers le corps, l’oreille, la parole

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Bonne pratique du chant et de l’instrument (pas de connaissance théorique  nécessaire)
• Ouvert aux amateurs et professionnels

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BIOGRAPHIE

MARIA SIMOGLOU

Chanteuse polymorphe et multi-instrumentiste, compositrice et auteur, Maria Simoglou a plus de 20 ans de présence sur la scène musicale et théâtrale internationale.

Née à Thessalonique en Grèce du nord, elle a la chance de bénéficier d’une double culture musicale, à la fois savante et populaire, grâce au berceau familial gorgé de musiques traditionnelles de Macédoine, Thrace et Asie Mineure et grâce aux études qu’elle a suivi, d’abord au Collège et Lycée musical de Thessalonique, puis au Conservatoire National d’État de Thessalonique (hautbois, ud, qanun, percussion) et enfin à l’académie musicale de Berlin « Hanns Eisler Musikhochschule » dans la branche chant/musique-théâtre auprès de Marion Lukowsky et du Pr. Magdalena Hajossyova. Elle a participé aux stages du chant, entre autres, avec Pr. Barbara Shlich, Pr. Norma Sharp, Thomas Quasthoff, René Jacobs, Spyros Sakkas, etc.

Très tôt elle collabore avec de nombreux groupes et orchestres en Grèce et à l’étranger dans le domaine de la musique traditionnelle, classique et contemporaine. Elle est régulièrement invitée à des concerts, des festivals et participe à des séminaires musicaux, notamment pour la musique du cinéma et du théâtre.

Elle se produit entre autres au Festival d’Avignon, Babel Med Music, Villa Méditerranée, Forum Barcelona, Schwarz-Weiss Festival, Bayer Kultur, Berliner Märchentage (Les jours de conte à Berlin), Deutsche Welle Konzerte, Montalbane Internationale Tage der Mittelalterlichen Musik (Journées Internationales de Musique Médiévale), Alte Musik Treff (Rencontre de la Musique Ancienne), Installation Moon Mirror de Rebecca HORN, DIMITRIA Ethno- Jazz Festival, Cité de la Musique de Marseille, Mandopolis Festival, Les Suds à Arles, Vélo Theatre, l’Abbaye de Sylvanès, Centre Pompidou, etc.

Elle intervient régulièrement à la radio et à la télévision en Grèce, Allemagne, Belgique, Suisse, Luxembourg, Pays-bas, Espagne, Angleterre, France, États-Unis, Australie etc.

Elle participe et collabore à de nombreux concerts et enregistrements aux côtés des chanteurs et musiciens de renommée internationale (Ross Daly, Spyros Sakkas, Stelios Petrakis, Efren Lopez, Maria Thoidou, Socratis Malamas, Bijan Chemirani, Patrick Vaillant, Kevin Seddiki etc.).

Depuis 2011, elle se produit avec la compagnie de théâtre « Mises en Scène » avec laquelle elle a participe à deux différents spectacles: « Bon Appétit » et « La parabole des papillons » (mises en scène de Michèle Addala / dramaturgie avec Gilles Robic).

Elle vit en France, à Marseille, depuis 2008, où elle dirige et intègre différents ensembles. Elle collabore en tant que chanteuse, musicienne ou comédienne dans des spectacles de musique, danse et théâtre traditionnelle et contemporaine.

Depuis 2008 elle donne régulièrement des Master-Classes (DROM, IIMM, FAMDT) et enseigne notamment la technique vocale et corporelle ainsi que le répertoire, l’interprétation, les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation, spécifiques aux chants grecs et d’Asie Mineure.

 Maria Simoglou
 Maria Simoglou

OURANIA LAMPROPOULOU

Une étape importante de sa carrière a été 2010, lors de sa venue à Paris et depuis, elle travaille sur l’orchestration et la direction d’orchestre. Son style en santouri et ses vastes connaissances en tant que musicienne est très respecté et demandé: elle a enseigné comme professeur de santouri, de musique d’ensembles et de l’organologie au Département de musique folklorique (IUT d’ Epire), au Département de musique Science et Art (Université de Macédoine) et au Conservatoire national à Athènes / Grèce, ainsi qu’à des Masterclasses internationaux.

 Ourania Lampropoulou

Objectif

Pour l’art traditionnel musical bulgare (chants, mélodies instrumentales et danses) le rythme est l’élément le plus important. Il est le point de jonction entre texte, mélodie et pas de danse – le rythme est ce qui unit Poésie, Musique et Danse. Le rythme est considéré par les Bulgares comme le Principe masculin de la musique. C’est un puissant intermédiaire entre l’interprète et le Monde extérieur, le Cosmos et la Nature. L’intonation (la suite tonale de la mélodie), représente quant à elle le Principe féminin de la musique et rend compte de l’état intérieur de l’interprète. Rythme et Intonation sont les deux éléments suprêmes de la mélodie. Celle-ci déterminera à son tour quel type de danse sera utilisé en parallèle.

Milena Jeliazkova, chanteuse professionnelle traditionnelle bulgare, pédagogue et coach vocal, et Maya Mihneva, danseuse traditionnelle bulgare enseignant au Conservatoire des Alpes de Haute-Provence, animent séparément de nombreux stages de chants et danses bulgares en France et à l’étranger, depuis plus de 15 ans. Leur amitié et amour pour la musique et les danses populaires bulgares leur ont donné envie de créer au sein de l’IIMM d’Aubagne cette master-class afin de conjuguer leurs talents et de les mettre au service de celles et ceux désireux de s’initier ou de se perfectionner à ces arts uniques au monde. Elles aborderont toutes les notions exposées ci-dessus lors de cette master-class inédite. Le travail sera mené à la fois en direction de la voix et du corps, et surtout, à l’interaction entre voix, souffle, corps. Seront abordées les notions de posture d’intériorité et d’extériorité, de présence à soi et au monde.

CONTENU GÉNÉRAL CHANTS

•  Échauffement corporel : Mise en accord, préparation du corps pour trouver les résonances, gestion du souffle, détente et disponibilité, verticalité et horizontalité, ancrage au sol, écoute intérieure, concentration, énergie.
• Exploration des timbres : Placement de la voix (spécificités selon les hauteurs), gestion du son, travail sur les voyelles, articulation, voix parlée et chantée.
• Approche polyphonique : Travail sur les intervalles (secondes, tierces, quintes) et les accords, gestion de la « gêne ».
• Travail sur les rythmes impairs : gestion du souffle et spécificités.

CONTENU GÉNÉRAL DANSES

• Préparation corporelle : gestion du souffle, détente et disponibilité, verticalité et horizontalité, ancrage au sol, écoute intérieure, concentration, énergie.
• Travail sur l’axe, les appuis, la suspension, sur les spécificités de chaque danse abordée
• Apprentissage des danses par imprégnation et observation : approche du style – danses d’ensemble, en cercle, en chaîne, danses d’improvisation – en rythme pair et impair.

CONTENU GLOBAL

L’interprétation : travail sur l’expression vocale et dansée conciliant technicité et identité artistique, immédiateté des perceptions, relation à soi et aux autres, exploration des sensations et de l’imaginaire afin de servir l’interprétation.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

La master-class est ouverte aux chanteurs et danseurs débutants et confirmés, la bonne oreille et la justesse chantée sont néanmoins indispensables.

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BIOGRAPHIES

MILENA JELIAZKOVA

Bulgare et citoyenne française, Milena JELIAZKOVA commence ses études de piano et de chant à l’âge de six ans auprès de Kristina Boeva, professeur émérite de l’Académie des Arts Musicaux de Plovdiv. Parallèlement elle suit des cours de chants et danses traditionnelles avec sa mère, chanteuse et danseuse dans « Ensemble TRAKIYA » (Thrace). Après huit ans de formation à la fois classique et traditionnelle dans son pays, elle s’est consacrée au rythm & blues pendant trois ans, et s’est investie, en France, avec BALKANES, quatuor de polyphonies bulgares a cappella, dans le chant traditionnel bulgare et l’univers des chants sacrés slavons et byzantins. Diplômée de l’ARSEC/NACRe (MASTER 2 en management culturel), elle a mené des recherches sur le chant traditionnel bulgare en tant que vecteur de conservation de l’identité collective bulgare, et a travaillé auprès du directeur de l’Amphithéâtre de l’Opéra de Lyon et pour l’Ensemble de musique baroque Le Concert de l’Hostel Dieu, en tant que chargée de communication et de diffusion. Milena chante depuis 1997 au sein du quatuor Balkanes qui se produit sur des scènes nationales et internationales en France, Suisse, Italie, Bulgarie, Tunisie, Allemagne, USA, Canada… et lors de nombreux festivals. Ses goûts musicaux éclectiques l’ont amenée à s’intéresser de plus en plus aux chants traditionnels du monde en général et aux techniques de chant diverses qui s’y attachent. Depuis 2006, elle crée avec Jean-Pierre Caporossi et Tony Canton le projet KËF – élektro Balkans. Milena chante également dans la Cie Henri AGNEL, qui explore les répertoires méditerranéens médiévaux et contemporains et avec laquelle elle tourne en France et à l’étranger. En 2017, elle co-fonde SIBYLLES TRIO avec Françoise ATLAN et Milena ROUDEVA. Elle compose et réalise des arrangements pour les quatre ensembles, co-anime de stages vocaux à destination de tous les publics, enseigne le chant bulgare à l’Institut International des Musiques du Monde et propose du coaching vocal et scénique aux chanteurs débutants et confirmés (diplômée d’Harmoniques, Paris.)

Expériences : Depuis 2003, ateliers animés auprès d’Agences Musiques et Danses de différentes régions de France (Centre, Bretagne, Rhône-Alpes, Alsace, Pays Basque…) et à l’étranger – Suisse, Mayotte, USA. Stages auprès de Conservatoires de Rayonnement Régional et d’écoles de Musique, à la demande d’organismes tels que le CEPRAVOI (www.cepravoi.fr), centres vocaux privés, de chefs de choeur professionnels et amateurs, théâtres et festivals de musique sacrée et du monde. Projet sur 6 mois, en 2019, avec la Maîtrise de la Loire – direction du Grand Choeur de 90 personnes à l’occasion de Plovdiv – Capitale Européenne de la Culture 2019. Pédagogue régulière auprès de l’Institut International des Musiques du Monde, Aubagne (www.iimm.fr).

MAYA MIHNEVA

Née et grandie en Bulgarie, pays aux riches traditions, Maya débute la danse dès ses premières.

Suite à l’obtention du diplôme de danses bulgares à Plovdiv, Maya intègre l’Ensemble d’État Bulgare de musiques, chants et danses « Sévernyashky », et se produit régulièrement en Europe et en France : Casino du Paris, Café de la Danse, CNIT Paris la Défense.

Installée en Provence, elle participe de 2000 à 2013 à l’action de l’ARCADE – PACA en faveur des danses traditionnelles, sociales et du monde. Parallèlement l’ADAC 04 lui confie une mission sur le développement et la valorisation des danses dans le département.

Diplômée en Master 2 « Management des Organisations et des Manifestations Culturelles » à l’IMPGT (Institut de Management Public et Gouvernance Territoriale) d’Aix-en-Provence, Maya oeuvre efficacement à l’accomplissement d’événements à rayonnement régional et national, valorisant le territoire des Alpes de Haute-Provence.

Maya est sollicitée par les CRR de Limoges et d’Avignon, la Régie Culturelle Régionale – PACA,  ARCADE – PACA, Centre Chorégraphique de la ville de Strasbourg, et enseigne depuis 2004 au Conservatoire des Alpes-de-Haute-Provence.

Diplômée en Master 2 « Théorie et Pratiques des Arts Vivants » à l’Université de Nice Sophia Antipolis, l’artiste mène de nombreux projets pédagogiques et artistiques, intègre  en 2018 l’IIMM d’Aubagne (l’Institut International des Musiques du Monde) et fonde le cursus en « Danses de Bulgarie, codées & improvisées ».

Danseuse et chorégraphe, Maya partage l’univers scénique avec des artistes d’excellence de différentes cultures : Isabelle Courroy, Milena Jelyazkova, Mariyana Pavlova, Maitryee Mahatma, les groupes AKSAK & MELISMA. La complicité entre Maya et Isabelle Courroy, joueuse de kaval, lui permet d’explorer le riche répertoire des danses de Bulgarie, de les chorégraphier et les mettre en scène avec un regard contemporain.

Dans le cadre de Marseille Provence 2013, capitale européenne de la Culture, pour l’événement « Le Monde est chez nous », la Région PACA lui confie une création.  « TovaE » réunit près de 50 danseurs et musiciens, menés sous la direction artistique conjointe de Maya Mihneva pour la danse et d’Isabelle Courroy pour la musique.

Le film documentaire « Au diapason du monde », témoin du projet, est réalisé par Catherine Catella à partir des portraits d’artistes emblématiques. Il témoigne de la riche diversité culturelle en terre provençale, et dresse parmi eux, le portrait de Maya Mihneva, une artiste lumineuse et engagée.

 Balkanes
 Balkanes
 Balkanes

OBJECTIF

Se former et se perfectionner au jeu des flûtes obliques kaval jouées des Balkans à l’Anatolie en s’immergeant dans la transmission orale.

CONTENU GÉNÉRAL

> Les flûtes kaval dans la grande famille des flûtes obliques.
Ressemblances et divergences.
> Exploration des particularités stylistiques.
Les différentes techniques de vibrato et d’ornementation.
> Travail des répertoires. Focus sur les régions d’Anatolie, de Thrace bulgare et grecque.
> Les rythmes irréguliers, le rapport au chant et à la danse dans la musique des Balkans.
> Pratique des modes utilisés dans le répertoire des flûtes kaval et de l’improvisation modale.
> Approche de la respiration circulaire adaptée aux embouchures libres des flûtes obliques.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

> Âge minimum : 15 ans
> Ouvert aux instrumentistes ayant un kaval
> Instrument préconisé : Kaval de type bulgare en ré  / tous les instruments
Possibilité de se construire son propre instrument en début de stage
> Niveau minimum : Maîtriser l’émission du son dans les flûtes obliques

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BIOGRAPHIE

Parcours
Instrumentiste transfuge de la flûte traversière contemporaine dont elle a suivi le parcours de concertiste, Isabelle Courroy s’est saisie d’une flûte oblique ancestrale jouée en Europe orientale et Asie occidentale, appelée kaval.
De cet instrument, dont elle privilégie la version oblique pour sa liberté d’embouchure, sa palette sonore rare et ses qualités mélismatiques, elle s’est faite pionnière en Europe occidentale. Elle en a féminisé le jeu et développé sa plasticité novatrice. Par la mise en tension des différentes esthétiques qui continuent de marquer son parcours, elle ouvre de nouvelles voies de création.
Auteure, arrangeure et compositeure, elle écrit également pour la danse, le théâtre et le cinéma. Elle œuvre également dans le domaine de la lutherie et accorde une place importante à la transmission.

Formation initiale
Parallèlement à ses études d’Histoire de l’art et de philosophie, Isabelle Courroy a étudié la flûte traversière auprès de Maître G. Crunelle, professeur honoraire au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris. Elle a obtenu sa Médaille d’Or au Conservatoire national à rayonnement régional de Marseille dans la classe de Jean-Louis Beaumadier.  Au sein de l’orchestre Musicatreize sous la baguette de Roland Hayrabedian, elle a la chance de suivre la direction artistique de Maurice Ohana, à l’occasion de l’enregistrement du Llanto por Ignacio Sanchez Mejias (Victoires de la musique et Choc du Monde de la Musique 1992). Cette rencontre avec le compositeur qui admirait tant le cante jondo de García Lorca marquera fortement son parcours.

Sa discographie est saluée par L’ Académie Charles Cros, les Victoires de la Musique, Diapason d’or, ffff de Télérama – Choc du Monde de la Musique – Bravo !!!! Trad Mag

Créations en cours

• LOXIAS – Souffles de cristal (2018)
  Une performance solo sur instruments de cristal.
  En 2016, Isabelle Courroy s’engage avec Christian Zagaria, info-scéno-plasticien, dans l’écriture du projet Kaval de cristal : solo musical et graphique mettant en scène lumière, transparence et degrés d’opacité.
  Pour cette création, elle se lance auprès de Ludovic Petit, verrier scientifique, dans la facture d’instruments de cristal, matière dont une des propriétés physiques majeures est d’être conductrice de lumière.
  Création le 9 février 2018 à la Cité de la Musique de Marseille.

• Création avec Bruno Allary et Patrick Boucheron (2018) 
  Création le 26 mai 2018 au Théâtre national de Marseille – La Criée dans le cadre du festival « Oh les beaux jours ! ».

• Melizma (à partir de 2017)
  Un projet de création à géométrie variable qui prend forme dans l’oblicité des flûtes d’Europe orientale et d’Asie centrale et le regard qu’en porte aujourd’hui Isabelle Courroy.

• Kavaldjistan – Terres de kavals (2018-2019)
  Un grand rassemblement autour des flûtes obliques – ressemblances et divergences, transmission et création.

Concerts 

• Avec la Cie Rassegna

– Il sole non si muove
Diffusion et création phonographique avec l’Ensemble Multitudes de la Cie Rassegna. Il sole non si muove (Sylvie Paz, Carine Lotta, Carina Salvado, Fouad Didi, Philippe Guiraud, Bruno Allary et Mireille Collignon, violiste invitée) se penche sur la circulation des chansons profanes au sein du bassin méditerranéen et jusqu’en Angleterre au XVIe siècle.
> Éditions : Buda Musique. Distribution : Socadisc & Believe digital. MCE Productions. Direction artistique : Bruno Allary.
> Concerts : Abbaye de Sylvanès, Le Rayol, Congrès de la FAMDT, festival Au Fil des Voix, festival Le Fruit des Voix, festin musical de Sainte-Croix-en-Jarez, festival de Calvi…

• Avec Shadi Fathi

– L’immobile voyage
En duo avec Shadi Fathi (Sétar, daf, zarb) et trio avec Wassim Halal (percussions). Répertoire de compositions originales et arrangements personnels.
> Concerts : Les Suds à Arles, festival De Bouche à Oreille à Parthenay, Les Joutes Musicales de Correns, Aux heures d’été à Nantes…

• Avec les musiciens du Collectif AKSAK

– Le quintette Aksak – Musiques créatives des Balkans
Avec Philippe Franceschi, Christiane Ildevert, Patrice Gabet et Lionel Romieu, Isabelle Courroy creuse le sillon des musiques d’Europe orientale et balkanique depuis 1989.
> 7^e album du groupe : Les Artisans du temps (sortie printemps 2017 aux Éditions Absilone, Distribution Socadisc & Believe digital, Production Sur le Pont).
Autres albums : De l’Europe centrale à la Méditerranée orientale, Les Oiseaux migrateurs, Florina, Noëls des Balkans avec Bijan Chemirani et Erika Taznady, L’Oreille du voyageur, Portraits. 

– Panselinos (musiques traditionnelles grecques).
Depuis 1999 aux côtés de Georges Mas, Benoît Capron et Lionel Romieu, Jérôme Salomon et Katerina Cael Karagiani.
> Concerts : nombreuses manifestations pour la communauté grecque des Bouches du Rhône avec Hiphaistia. Création Kumpania Massalias (2015) avec Vanghelis Dimoudis et Maria Simoglou.

• Avec Françoise Atlan
  Entre 1996 et 1998, aux côtés de Keyvan Chemirani, Isabelle Courroy accompagne Françoise Atlan pour les réalisations discographiques Noches et La Rose et le jasmin.
  > Récompenses : Choc du Monde de la Musique, Diapason d’Or et ffff de Télérama.

Créations transversales 

• Avec la musique ancienne
  Isabelle Courroy intègre en 2014 l’ensemble Canticum Novum, basé à Saint-Étienne. Avec cet ensemble protéiforme, elle participe à la diffusion des programmes TOPKAPI, musiques à la cour de Soliman le Magnifique et Aashenayi  (rencontre en langue persane). Elle enregistre la création Aashenayi, parue aux éditions Ambronay en 2014. En 2016, aux côtés des voix de Gulay Hacer (Turquie), Maria SimoglOu (Grèce) et Emmanuel Bardon, elle participe à la création des programmes T(h)races au Festival de Puteaux et Emzara à Noirlac.

> Concerts : Festival de Radio France de Montpellier, Festival de musiques sacrées de Perpignan, Festival d’Ambronay, Festival de musique ancienne de Vanves, Festival de Pontoise, La Folle Journée de Nantes en 2015.

• Avec la musique contemporaine
  Zad Moultaka l’invite à un travail d’improvisation dirigée en compagnie du joueur de kementché arménien Gagik Mouradian. Cette résidence aboutit à 13 Haiku créés à la Fondation Royaumont. À l’issue de cette création en 2015,  Zad Moultaka compose à son intention Zaïb Rouwakou, pièce pour kaval et sons fixés.

Dans le cadre du duo L’Églantine et la rose qu’elle forme avec Djamchid Chemirani (zarb), elle commande  une pièce pour kavals, flûtes et sons fixés au compositeur Zad Moultaka : Vent III, Le Vent souffle où il veut, (création Fondation Royaumont 2007).

• Contretemps (création 2018 avec Bruno Allary et Patrick Boucheron)

www.kaval.org

OBJECTIF

Le gamelan Gong Kebyar est un ensemble instrumental traditionnel balinais composé de métallophones en bronze ou en fer, de gongs, de flûtes et de tambours joué par un groupe constitué d’une vingtaine de musiciens. C’est un instrument collectif, une entité indivisible et unique, tous les éléments qui le composent ont été accordés ensembles par un même pande (facteur). Créé au début du XXème en réunissant des éléments d’anciens gamelans, il est le plus polyvalent, pouvant jouer tous les répertoires de cour, rituels, ou de divertissement. Les danses que le gamelan accompagne s’inspirent le plus souvent des grandes épopées hindouistes Mahâbhârata et Ramayana, des légendes javanaises de Panji et des chroniques royales balinaises babad. Il y a plus de 1500 gamelans sur Bali, tous répondant à la demande constante de l’activité quotidienne -rituelle ou non- sur la petite île hindouiste. Les groupes sont constitués des membres d’une même communauté villageoise ou bien de plusieurs villages différents. La transmission orale et collective de l’instrument et une technique instrumentale réduite permettent une pratique immédiate par tous, musiciens débutants ou expérimentés. Par la coordination exigée de ses membres, l’organisation déductive de la musique, l’interdépendance des différentes parties jouées, la complémentarité des sons, les membres d’un gamelan font l’expérience du « corps collectif ». La musique de Bali est virtuose, véloce et contrastée dans ses variations vertigineuses de vitesses, de débits et de dynamiques. C’est l’art des nuances, des attaques, des résonances et de la coordination; Une de ses caractéristiques importantes est celle du hoquet, ou de l’entrelacement de deux parties musicales distinctes pour former une seule mélodie (connue à Bali sous le nom de kotekan), qui a atteint à Bali à un niveau de complexité sans précédent ailleurs dans le monde.

CONTENU GÉNÉRAL

• Technique instrumentale du gamelan : postures, étouffements des lames, tenue des différents panggul (marteaux), sons et techniques de jeu.
• Facture de l’instrument: les différents Ricik (éléments), dispositions du gamelan, les modes Pelog et slendro.
• Outils de transmission orale: lexique des termes musicaux, vocalisation des notes / mélodies / rythmes, gestes de direction, déduction des parties.
• Les différents types de kotekan (entrelacement de mélodies): construction, variations, applications, ornements.
• Architecture de la musique de gamelan: fonctionnement des strates, textures, fonctions des Ricik
• Répertoires instrumentaux et dansés
• Réalisation d’un Gilak, musique rituelle et d’un balaganjur, musique de procession martiale déambulatoire.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Stage ouvert à tous, sans pré-requis, à partir de 14 ans. Le gamelan permet d’associer des niveaux très différents, selon les postes occupés.

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BIOGRAPHIE

Jérémie Abt intègre la classe de percussion du CRR de Rueil-Malmaison, dans laquelle il découvre et explore le répertoire contemporain et le théâtre musical, sous la conduite d’Eve Payeur. Un puissant attrait pour les musiques traditionnelles l’amène a étudier le zarb, tambour iranien, avec le trio Chémirani, ainsi que le gamelan Gong kebyar, ensemble de percussions de Bali, ou il séjourne régulièrement.

Ses activités diverses reflètent l’éclectisme de son parcours : Il collabore régulièrement avec Eclats, compagnie de musique contemporaine pour le jeune public, l’ensemble de musique contemporaine Cbarré, Nicolas Frize, le choeur contemporain Musicatreize, le percussionniste Wassim Halal.

Sa passion pour le zarb iranien s’épanouit dans des contextes toujours différents, tel que le théâtre musical avec Braz Bazar, le duo qu’il forme avec le percussionniste Bastian Pfefferli, l’improvisation avec la comédienne Sonia Masson, et le trio NIM.

Son intérêt grandissant pour les musiques de Bali l’amène à co-fonder le groupe de gamelan Puspawarna à l’ambassade d’Indonésie à Paris, ainsi qu’à diriger celui de Marseille, Bintang Tiga, celui de l’association Orfeo à Voiron, Sekar Sandat, et à animer des formations gamelan à la Philharmonie de Paris.

OBJECTIF

CONTENU GÉNÉRAL

Le répertoire des chrétiens d’occident est riche des formes musicales carolingienne, mozarabe, romaine, africaine et orientale. Elles témoignent chacune d’un tempérament propre.

Ces formes archaïques contenues dans les premiers manuscrits musicaux occidentaux  du IXéme siècles méritaient d’être restituées dans leur texture primitive. L’anthropologie  médiévale et l’ethnomusicologie appliquée permettent de réaliser ce travail de recréation.

• Présentation géo-historique du répertoire dit « Grégorien »
• Les lois de la modalité
• Aperçu sur la chironomie (gestique associée au chant) et ses liens avec l’écriture neumatique
• Eléments formulaires et « chant long »
• Travail respiratoire et quiétude intérieure
• Mémorisation de pièces types dans différents modes
• Elaboration d’un chant modal et improvisation
• Ecoute des autres traditions musicales
• Accompagnement du chant et répertoire rythmique pour les instrumentistes

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Bonne pratique du chant (pas de connaissances théoriques nécessaires).
Les instrumentistes confirmés sont aussi les bienvenus qu’ils soient lecteurs ou non lecteurs (des partitions seront néanmoins disponibles).

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BIOGRAPHIE

Musicien de formation classique, Pierre-Marie Chemla entreprend à l’âge de vingt-neuf ans l’étude des musiques persane et indienne, et reçoit le choc musical qui va déterminer la suite de sa carrière. Il travaille le chant auprès de maîtres de musique savante (essentiellement avec Dariush Talaï).

En 1989, grâce à l’appui des Châteaux de la Drôme, il organise une rencontre « Orient-Occident », réunissant des musiciens de l’Inde du Nord, d’Iran et d’occident (chant grégorien). Il choisit alors de se plonger dans le travail de restitution et de restauration  de ce chant grégorien dont il pressent l’immense richesse.

Il est également l’auteur de conférences : « Introduction à la musique de l’Inde du Nord, De la sémiologie Grégorienne à l’anthropologie musicale, Chant Grégorien trésor contemporain, Le Manuscrit d’Apt dans l’univers médiéval, L’improvisation dans les répertoires Médiévaux », données successivement au CNR de Nice, au congrès des professeurs de formation musicale au CNR de Marseille au forum de la FNAC à Marseille, dans le cadre de  Musique au temps des Papes (Avignon– Octobre 2002) et au GRIM à Marseille ( juin 2006).

Pierre-Marie Chemla poursuit depuis vingt cinq ans son travail sur les répertoires médiévaux qu’il interprète à la lumière des musiques traditionnelles avec lesquelles il s’est familiarisé.

Il est membre de l’ensemble ORGANUM, fondateur des «Orients Musicaux » et de l’ensemble JUBAL dont il est le directeur artistique.

Objectif

Saviez-vous que tout le monde est capable de sortir plusieurs sons avec une seule voix ? Un khöömiich (diphoneur ou diphoneuse mongol(e)) peut, à lui ou elle seul(e), émettre un bourdon vocal et réaliser simultanément une mélodie d’harmoniques entourée de diverses résonances. Cette acrobatie de la voix semble virtuose, mais elle est accessible à tous si on nous en donne les clés. N’importe qui peut être initié au chant diphonique (khöömii).

Contenu général

• Éléments théoriques propres à sa démarche ethnomusicologique (avec enregistrements et images à l’appui)
• Exercices de musculation des lèvres, de la langue
• Gestion particulière du souffle
• Contrôle du son avec et sans diphonie
• Enrichissement du timbre vocal, recherche d’un timbre guttural
• Travail de l’écoute et de la pensée musicale dans une perspective mongole.

Avec cette méthode, chacun peut repartir avec un bagage lui permettant de développer l’art du khöömii sérieusement, en restant au plus près de la pratique traditionnelle et de la réalité mongole.

Conditions de participation

• Tous publics, aucun pré requis de base (à partir de 18 ans).

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Biographie

Johanni Curtet est musicien, ethnomusicologue, pédagogue du chant diphonique et producteur. Formé d’abord par Trân Quang Hai, son apprentissage traditionnel lui vient de D. Tserendavaa dans les steppes de l’Altaï, et B. Odsüren à l’Université des arts et de la culture d’Oulan-Bator. Il enseigne le khöömii pour la Philharmonie de Paris, l’Université Rennes 2, Le Pont Supérieur, DROM ; dans des festivals comme Les Suds à Arles, Les Orientales, pour des musiciens professionnels (Camille), le réseau associatif en pratique amateur, et récemment aux États-Unis dans des universités de la côte est. En dehors de son trio principal, Meïkhâneh, il a joué avec Voix du Sahel (C. Zekri, Y. Moumouni…) ; en trio avec Tserendavaa & Tsogtgerel, dans Urbi&Orbi de Pierrick Lefranc (avec X. Dessandre Navarre, J. Florent, S. Bernardo, J.-B. Henry) ou encore dans l’Opéra électrique Èves futures d’Alain Basso (avec É. Trémolière, L. Tejeda…). En tant que chercheur, il est vacataire et rattaché à l’Université Rennes 2. En 2010, il a participé à l’inscription du khöömii mongol sur la liste représentative du Patrimoine Culturel Immatériel de l’Humanité à l’UNESCO.

En savoir plus : 

http://www.ethnomusicologie.fr/la-sfe/annuaire/userprofile/jcurtet

http://www.routesnomades.fr/

http://www.meikhaneh.com/

OBJECTIF

S’initier à la pratique du gu zheng et à la culture traditionnelle chinoise.

CONTENU GÉNÉRAL

• Initiation au gu zheng (pour les débutants)
• Maîtrise du gu zheng en groupe et travail de divers styles de musique (pour les initiés au gu zheng)
• Histoire de la musique traditionnelle chinoise et ses instruments : initiation au solfège chinois, au gu qin, tambour chinois, chant chinois (en partitions chinoises)

• Découverte de la culture traditionnelle chinoise : histoire de la Chine ancienne,  philosophie chinoise (respiration et énergie, cérémonie du thé, initiation au qi gong, médecine chinoise, culture du Yi Jing, philosophie taiji…)

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Être sensibilisé à la culture et/ou philosophie asiatique
• Apporter son propre gu zhen si possible
• Ouvert également à tout autre instrument
• Patience et attention seront de vigueur
• Une photo des mains (dessus et paumes)

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BIOGRAPHIE

Native de Wuhan, berceau de la musique traditionnelle chinoise, Sizzy Zhou a, dès l’âge de 6 ans, suivi l’apprentissage du gu zheng, cette imposante cithare à corde pincées dont l’origine remonte à plus de 4 000 ans.

À seulement 13 ans, elle décroche le certificat dʼexcellence au plus haut niveau du conservatoire. À 17 ans, elle est la première de sa province à obtenir celui de lʼUniversité de Pékin pour son instrument. Sissy Zhou remporte ensuite de nombreux concours organisés par l’Académie de Musique de Chine, la télévision chinoise et le Gouvernement Chinois. C’est également à cet âge qu’elle commence à enseigner le Gu Zheng. Nombreux sont ses élèves à avoir à leur tour obtenu la Médaille d’Or au concours national.

Après l’obtention de sa licence en Chine, Sissy ZHOU obtient la bourse «Eiffel» par le Ministère des Affaires Étrangère français. Elle part ainsi en France pour poursuivre ses études en «Master d’administration des institutions culturelles » à Arles et Aix-en-Provence. Durant ses études, elle donne des concerts afin de promouvoir et diffuser la musique traditionnelle et la culture chinoise.

Une fois le diplôme obtenu, Sissy ZHOU se rend aux États-Unis où elle intègre l’Alliance Française tout en poursuivant sa carrière de concertiste.

Parallèlement, elle devient durant 2 semestres professeur de Gu Zheng à l’Université de Floride. Elle occupe également le poste de Directrice de l’Ensemble de Musique Chinoise à la Faculté de Musique de l’Université de Floride (2011 à 2012).

Elle décide ensuite de revenir en France où elle se produit à d’innombrables festivals de renommée internationale. Par sa sensibilité troublante et sa maîtrise approchant l’excellence, cette jeune chanteuse instrumentiste offre une plongée unique dans le royaume de la grande Chine antique.

Elle donne par ailleurs des cours et organise des ateliers autour de la musique chinoise. Aujourd’hui, elle enseigne le Gu Zheng à la Cité de la Musique en direction des amateurs et en direction des professionnels à l’Institut International des Musiques du Monde.

 Sissy Zhou
 Sissy Zhou
 Sissy Zhou

En collaboration avec Arts et Musique en Provence

Objectif

S’initier au monde poétique sufi et musical du Kurdistan d’Iran à travers la découverte et la technique des rythmes majeurs kurdes, attachés au chant qui marque cette tradition, à travers la pratique du daf.

Contenu général 

• Découverte et approfondissement des principaux rythmes kurdes liés au chant, utilisés particulièrement dans la confrérie Ghâdériyeh du Kurdistan d’Iran (lignée de maître Khalifeh-Mirza-Agha-Ghowssi)
• Travail sur les différentes techniques et frappes
• Travail sur des poèmes de Hafez et de Mowlânâ Rûmi, accompagné par l’ensemble des dafs, pour mieux comprendre le lien étroit entre le rythme et la parole dans cette tradition.

Conditions de participation

Cette master class est ouverte à des percussionnistes de tout niveau, à partir de 15 ans. Aucun prêt d’instrument n’est possible pendant la durée du stage, chaque stagiaire est donc prié de venir avec son propre daf ou de s’en procurer un avant le stage.

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Biographie

De famille kurde, Shadi Fathi perpétue l’héritage millénaire de la musique classique persane par une expérience de concertiste au long cours et par un lumineux sens de l’improvisation.

Disciple du grand maître Dariush Talaï, elle maîtrise également les instruments à cordes traditionnels et fait vibrer sa sensibilité sur des percussions digitales comme le zarb ou plus particulièrement le daf, avec un style de jeu dans la lignée de la confrérie Ghâderiyeh du Kurdistan Iranien.

Installée en France depuis 2002 et retournant régulièrement en Iran, Shadi confronte dès lors sa musicalité fleurie aux esthétiques européennes et méditerranéennes, multipliant les collaborations sur disques et sur scène.

Elle a encadré plusieurs stages de musique iranienne et de percussions kurde en France et en Suisse. Avec ces inspirations tutélaires, elle tisse ce fil ténu qui, d’un trait, d’un mot, d’un regard ou d’une note, transperce la beauté et contient dans l’infini détail la puissance de l’universalité. Sa musique navigue dans ses sources vives, de celles qui, fidèles à la poésie soufie, permettent de voir le monde dans une goutte d’eau.

Source photo : Muriel Despiau

OBJECTIF

Plutôt que d’étudier un répertoire en particulier, je vous propose un travail sur des principes musicaux que nous retrouvons dans les musiques des traditions savantes, populaires et médiévales européennes de la Grande Méditerranée : de l’Inde du Nord à la Scandinavie.

Vous ne serez pas qu’interprète mais aussi créateurs « Compositeurs ».
En solo ou en groupe, vous créerez des musiques spontanées infinies. Vous saurez improviser sur des thèmes existants et vous pourrez composer vos propres œuvres.

CONTENU GÉNÉRAL

> L’étude des Modes
La gamme devient mode quand elle a deux notes principales « Finale et Teneur » ce qui lui donne son « Ethos » : son caractère, son sentiment. Modes d’Occident et d’Orient.  Comment jouer avec ?

>L’étude des Rythmes
Travail sur les deux familles de rythmes : rythmes d’imitation de la nature et rythmes mathématiques, géométriques, symétriques et asymétriques.

>L’improvisation
Improvisation mélodique arythmique : prélude (Taqsim, Alap).
Improvisation mélodique rythmique sur un rythme.
Improvisation mélodique arythmique sur un rythme.
Improvisation rythmique sur des percussions. En solo ou dans l’accompagnement

Ce travail est facile d’accès, parce que très logique. On peut pratiquer de façon très simple et on peut compliquer à l’infini.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

> Elle est ouverte à tous les instruments mélodiques ou de percussions, traditionnels ou modernes et aux voix.
Pas de limite d’âge mais il est préférable de maitriser suffisamment la technique de son instrument ou de sa voix pour profiter des cours.

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BIOGRAPHIE

Parcours
Henri AGNEL
Né à Rabat au Maroc le 17/12/1952 dans la double culture franco marocaine.
Etude à 4 ans du chant et de la Mandoline classique avec son père Jean AGNEL
Etude de l’écriture musicale classique et musique contemporaine « concrète » avec son oncle Aimé AGNEL. Famille proche des musiciens arabo andalous, et des traditions populaires arabes et berbères.
Arrivée en France en 1964.

Etude de guitare classique et guitare électrique au sein de la famille.
En 1969, étude de la guitare classique et flamenca à Oran en Algérie avec José Maria Rodriguez. En 1970, à Paris, fin de cycle d’étude de guitare classique et de composition avec Jacques Florencie Wilmann, qui le fait entrer dans l’ensemble de musique contemporaine

« Musique Vivante » avec Jean Pierre Drouet, Michel Portal, JF Jenny Clarke, Gaston et Brigitte Sylvestre…

En 1975, il entre dans les Ménestriers, ensemble de musiques du Moyen-Âge et de la Renaissance et il se lance dans une étude des musiques orientales qui ont une influence sur les musiques médiévales européennes.
Il retourne rencontrer des musiciens arabo andalous au Maroc, il étudie le Zarb iranien avec Djamchid Chemirani, le Oud sous les conseils de Mounir Bachir, le Rûbab afghan avec Amir Djan, le chant et la rythmique indienne avec Zahid Farani au Pakistan et la musique des Gnaoua avec Si Mohamed Chaouqi.

Il se consacre depuis plusieurs années à la famille ancêtre de la guitare, le Cistre, la Cetera, l’Orpharion et la Pandore en plus du Oud, du Rebec et toujours la guitare. Il est aussi percussionniste au Zarb et percussions marocaines.

Créations

• Il enregistre plusieurs CD, Les Estampies en Duo avec Djamchid Chemirani (Al Sur), Istanpitta avec Djamchid Chemirani, Henri Tournier, Michael Nick et Idriss Agnel, Cetera « Corsica Cister Song », avec ses élèves professionnels (Casa Edition), « Los Kaminos » avec Milena Jeliazkova, Milena Roudeva et Idriss Agnel (Prix Charles Cros) (Accords Croisés).
• En tant qu’accompagnateur et arrangeur : 5 CD et concerts avec Angélique Ionatos, CD et concerts avec Misia, Amina Alaoui, Ute Lemper, Houria Aïchi…
  CD avec Jacques Higelin, Brigitte Fontaine, Areski, Didier Malherbe… Soliste au Oud des 2 CD « Mozart l’Egyptien ».