Chants de la tradition séfarade judéo-espagnole
ATELIER D’INITIATION
29 NOVEMBRE au 2 DéCEMBRE 2025
AUBAGNE

CONTEXTE

Les chants séfarades, s’ils trouvent leur origine dans l’Espagne médiévale, ont largement été influencés, nourris, par l’univers musical et poétique des terres d’accueil et d’exil des communautés juives chassées de la Péninsule Ibérique à la fin du 15e siècle. C’est la raison pour laquelle l’approche des traditions musicales voisines du répertoire séfarade stricto sensu est nécessaire à l’étude du répertoire lui-même.
Sachant que les deux grandes aires géographiques où s’est développé le répertoire judéo-espagnol sont le sud de la Méditerranée occidentale d’une part, (Nord du Maroc, essentiellement) et la Méditerranée Orientale et les Balkans d’autre part (notamment les villes de l’empire Ottoman telles que Salonique, Istanbul, Izmir, Edirne, Sarajevo…), nous avons à cœur, en invitant régulièrement des musiciens et musicologues spécialistes des répertoires de ces deux aires, d’enrichir la pratique des élèves du Cursus et d’élargir les ponts entre ces répertoires voisins, en permettant également à d’autres personnes, (qui peuvent par exemple être inscrites à d’autres cursus), de les rejoindre le temps d’une Master-class.
Cette Masterclass permettra donc de développer sa familiarité avec le monde poétique et musical judéo-espagnol dans sa diversité, et d’approcher les différentes techniques d’ornementation vocale (voire instrumentale) rencontrées dans la sphère arabo-andalouse, ottomane, balkanique, que l’on pourra retrouver dans certains chants judéo-espagnols.

DÉMARCHE

L’atelier se déroulant essentiellement de façon orale, il ne nécessite pas de connaissance en lecture musicale. Cependant les partitions correspondant aux chants étudiés seront distribuées autant que possible.
Un temps pourra être consacré à l’écoute et l’analyse comparative de diverses interprétations de chants à partir d’extraits sonores.
On pourra apporter son matériel d’enregistrement, notamment pour s’approprier les chants proposés d’un jour à l’autre.

CONTENU

• Préparation corporelle et prise de conscience des éventuels points de blocage, ancrage et fluidité gestuelle.
• Echauffement vocal : travail sur la souplesse et l’agilité, l’ornementation et les mélismes, en fonction des chants abordés et dans le respect des modes.
• Travail rythmique : intégration des rythmes les plus fréquemment rencontrés et pratique de base de la percussion digitale pour accompagner le chant.
• Disponibilité, intériorisation, écoute et répétition de phrases musicales permettant de s’imprégner de l’éthos d’un mode.
• Travail spécifique autour de l’art de l’ornementation, à partir de quelques chants judéo-espagnols des différents rameaux constitutifs du répertoire : romances issues de la tradition médiévale espagnole, kantigas. coplas.
• Précisions autour du contexte historique et culturel, apports théoriques, travail sur la langue et l’interprétation : la prosodie, la prononciation, les mots que l’on souhaite mettre en avant en fonction de leur sens et de l’émotion que l’on transmet.
  

HORAIRES :
10H00 – 13H00 & 14H00 – 16H00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Bonne pratique du chant et intérêt pour le répertoire abordé dans sa diversité (pas de connaissance théorique  nécessaire).
• Ouvert aux amateurs et professionnels, lecteurs ou non-lecteurs de partitions.
• Une familiarité, même limitée, avec la langue judéo-espagnole (ou l’espagnol) permettra un gain de temps et davantage d’aisance.
• Des percussions (tambour sur cadre type daf) peuvent être prêtés par l’institut, mais on peut venir avec son propre instrument !
• Les instrumentistes sont également bienvenus,  s’ils souhaitent s’accompagner et/ou interpréter les intermèdes instrumentaux des chants abordés.

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DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 28/10/2025
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BIOGRAPHIE

Maria Zopounidis grandit en Grèce où elle baigne, depuis son enfance, dans une double culture musicale : son père, grec pontique, lui transmet les chants traditionnels de Grèce, d’Asie Mineure et de la mer noire dont ils sont originaires ; sa mère, pianiste franco-italienne, lui enseigne le piano et lui donne une éducation musicale classique.

Elle arrive en France afin de poursuivre ses recherches musicales et obtient en 2018, le Diplôme d’tudes Musicales en chant lyrique au CRR d’Avignon. Elle se perfectionne à l’Institut Supérieur des Arts de Toulouse où elle obtient, en 2022, le Diplôme National Supérieur Professionnel de Musicien en chant lyrique dans la classe de Sophie Koch et Didier Laclau-Barrère. Elle obtient également sa Licence en Musicologie à l’université de Toulouse Jean Jaurès et le Diplôme d’État en chant lyrique. En 2021 elle gagne le prix Espoir de l’Académie Internationale Maurice Ravel à Saint-Jean-de-Luz et en 2022, elle débute sa carrière de chanteuse professionnelle avec le Chœur National du Capitole de Toulouse. En 2023 et 2025, Maria incarne le rôle de Susanna dans les Noces de Figaro de Mozart à l’occasion du festivalNuits Musicales en Armagnac.

Son amour pour le chant ancien de transmission orale l’amène à suivre, en 2022, le cursus Chants sacrés et profanes des traditions séfarades et Al-Andalus auprès de Françoise Atlan, à l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne, où elle obtient en novembre 2023 son Diplôme d’Études Musicales. Depuis, elle enseigne en tant qu’assistante auprès de Sandra Bessis dans le cursus Chants de la tradition séfarade judéo-espagnole et approche des répertoires associés de l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne. Elle y enseigne également depuis 2022 le grec moderne dans le cursus Chants de Grèce et d’Asie Mineure dirigé par Maria Simoglou. Maria a également validé le Master en Musicologie à l’Université Jean Jaurès de Toulouse et a communiqué auprès de Florence Mouchet, maître de conférences en musicologie médiévale, au colloque Musiques modales d’aujourd’hui et d’hier, organisé en avril 2023 à l’Abbaye de Sylvanès.

Depuis juin 2023, Maria collabore avec différents artistes de la scène des musiques du monde, notamment Soroush Kamalian, poly-instrumentiste iranien et Bruno Allary, guitariste et directeur artistique de la Compagnie Rassegna.

Sandra Bessis

Née tunisienne, Sandra Bessis vit successivement dans son pays natal et divers pays avant de s’installer en France, où elle habite depuis l’âge de 18 ans.
Parallèlement à ses études universitaires littéraires, elle étudie le chant, avec Suzy Sachs d’abord, Françoise Semellaz plus tard.

Depuis plusieurs décennies, elle parcourt le territoire des chants séfarades et des musiques de la Méditerranée, se produisant sur de nombreuses scènes et festivals, tant en France qu’à l’étranger, travaillant également à diverses créations en compagnie d’autres artistes, sur le thème de la rencontre entre les traditions musicales du bassin Méditerranéen.

Son premier CD, d’une lointaine Espagne, paraît en 1992. Avec le flûtiste John Mac Lean, elle se promène dans le répertoire des chants judéo-espagnols en laissant libre cours à la créativité et à la fantaisie, jouant sur les timbres et les instruments.

Son quatrième CD, Entre deux rives, fruit d’un enregistrement « live » à la Synagogue de Carpentras, avec Rachid Brahim-Djelloul et Anello Capuano, sorti en 2005, opère une sorte de retour aux sources, croisant chants séfarades et autres chants de la Méditerranée, arabo-andalous notamment.

En 2006, elle crée à Paris, avec Rachid Brahim-Djelloul et Noureddine Aliane, un spectacle mêlant bribes de contes, Bouqalat, poésies populaires des femmes d’Alger, fragments d’histoires, d’Histoire, venant ponctuer romances, kantigas et mouwachahat.
Déambulation jouant sur les registres parlé, chanté, joué, parcourant à nouveau les chemins de la transmission, d’une rive à l’autre de la Méditerranée.

Avec l’ensemble Naguila, elle participe au voyage de Sefarad, spectacle créé à Montpellier en décembre 2009.

De 2010 à 2013 elle est une des deux chanteuses invitées à la dernière création de Bratsch, Orient mon Amour, mélodies et poèmes des rivages méditerranéens. Le spectacle, qui réunit 17 musiciens autour du poète Salah el Hamdani, est accueilli entre 2010 et 2013 par de nombreuses scènes nationales françaises.

Habitée par le goût des mots, du dévoilement de la parole intime, elle co-crée en 2013 au Théâtre de l’Epée de Bois, à la Cartoucherie de Vincennes, avec Mireille Diaz-Florian et l’accordéoniste Jasko Ramic, la lecture en musique : Toute chose au monde m’est nouvelle, textes et poèmes d’Aimé Césaire, Mahmoud Darwich, Saint John Perse, Anna Seghers, Sophie Bessis, Nancy Huston et Leïla Sebbar, et signe un peu plus tard un spectacle solo entre paroles et musiques, mettant en scène, en voix, une femme laissant remonter en elle traces, ombres et parfums du Mare Nostrum, échos et romances des exilés, et quelques figures de femmes. Depuis 2015, ce spectacle, jouant sur l’intimité avec le public, a été accueilli plus d’une quarantaine de fois en France, en Italie.

Cordoue 21 – Sur les traces de Sefarad, sorti en 2014, est son cinquième CD consacré à ces répertoires.

Elle y réunit autour d’elle Rachid Brahim-Djelloul au violon et à la voix, Noureddine Aliane au ‘oud, au mandole, Jasko Ramic à l’accordéon, Yousef Zayed aux percussions et au bouzouk, Théo Girard à la contrebasse et Araik Bakhtikian au doudouk, pour un nouveau voyage musical, libre déambulation en mer Méditerranée, se jouant des langues et de leurs identités respectives.

En décembre 2022, toujours à la Cartoucherie, avec la comédienne Fatima Soualhia Manet et le musicien Marius Pibarot, elle met en espace Ce que leur disent les anges, lecture musicale qu’elle a conçue en faisant se rencontrer les textes d’Annemarie Schwartzenbach, écrivaine-voyageuse prématurément disparue en 1944, et la chanteuse-poète Patti Smith.

Ses concerts sont une invitation au voyage dans l’univers musical puisant aux sources de l’Andalousie médiévale, puis continuant de cheminer dans les Orients qui héritèrent de sa décomposition, tel qu’il résonne pour nous, ici et maintenant.

“Voix ample, déclamation frissonnante, Sandra Bessis porte, en lointain héritage, le chant judéo-espagnol de l’Andalousie musulmane… Son chant embrasse en fait toute la Méditerranée, parce qu’il est nomade et ornementé”. Libération

MASTER-CLASS Bandonéon
Travail collectif et individuel
5 AU 7 DéCEMBRE 2025

// Ouvert aux accordéonistes //
// Possibilité de prêt de Bandonéon //

OBJECTIF

• Perfectionner la maîtrise du son du bandonéon.
• Travailler sur le vibrato
• Comprendre l’actualité et l’histoire de l’instrument

CONTENU GÉNÉRAL

• Travail à partir du répertoire classique
• Travail avec du matériel historique du Tango (A. Troilo, A. Piazzolla, C. Gardel),  œuvres proposées par Victor Hugo Villena.
• Travail sur des œuvres que les candidats maîtrisent et souhaitent développer pour leur interprétation.
• Écoute et analyse comparatives à partir d’extraits sonores : les solistes historiques et actuels du bandonéon.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

•  Tous les systèmes de bandonéon sont acceptés : bisonores argentin et allemand, et unisonores.
• Ouvert aussi aux accordéonistes
• Possibilité de prêt de quelques bandonéons par l’IIMM.
• Les stagiaires seront acceptés après avoir envoyé un échantillon sonore attestant de leur niveau (amateur, semi professionnel, professionnel).
• Langues parlées : français, espagnol, anglais, italien, allemand. Les cours en groupe seront donnés en français et en anglais.

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DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 04/11/2025
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Biographie

Victor VILLENA

Victor VILLENA

KANOUN #2 – Cours sur mesure selon le niveau
6 au 8 février 2026
AUBAGNE

Possibilité de mise à disposition de Kanoun

OBJECTIF

• Initiation à la pratique du Kanoun
• Découverte et/ou approfondissement de la connaissance de la musique traditionnelle arménienne
• Apprentissage de chants, airs de danse et rythmes populaires.

CONTENU GÉNÉRAL

• Travail sur la base de techniques du jeu
• Apprentissage de pièces issues du répertoire traditionnel arménien (Komitas…) à l’oreille ou avec des partitions simples
• Écoute et analyse d’extraits sonores venant illustrer la part de l’oralité et de l’écriture dans la musique traditionnelle arménienne.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Formation ouverte à tous (si possible venir avec son instrument : tous types de kanoun (arménien, turc, arabe, grec)).
• Possibilité d’accueillir chanteurs et musiciens de tout horizon et de tout niveau souhaitant se former à la musique arménienne, dans la limite des places disponibles.

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 05/01/2026
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EXTRAIT VIDÉO

BIOGRAPHIE

Meri Vardanyan est une joueuse de kanoun née en Arménie en 1980.

Elle débute le Kanon à l’âge de sept ans. Diplômée du conservatoire supérieur d’Erevan en Kanon et en direction, elle fait partie des meilleures joueuses arméniennes de sa génération.

Soliste dans l’Ensemble traditionnelle d’Etat, l’ensemble Ochagan (Musique médiévale arménienne) et The Gurdjieff folk instruments ensemble, elle participe à de nombreux concerts et festivals à travers le monde (Estonie, Portugal, France, Allemagne, Pays-Bas, Liban, Belgique, Russie, Géorgie… ).

En 2009 elle s’installe à Lyon (France) où elle poursuit ses études en musicologie et obtient un Master 2 à l’université Lumière Lyon 2 tout en continuant à exercer sa carrière professionnelle. Elle collabore depuis avec Khaled Arman, Vittorio Ghielmi, l’ensemble Goussan, The Gurdjieff ensemble avec qui elle enregistre deux albums au sein du label ECM, Maria Farantouri autour d’un projet « Beyond The Borders » ECM 2019.

Daf kurde
9 au 13 février 2026
AUBAGNE

Programme détaillé à venir
Plus d’information : contact@iimm.fr

Objectif

S’initier au monde poétique sufi et musical du Kurdistan d’Iran à travers la découverte et la technique des rythmes majeurs kurdes, attachés au chant qui marque cette tradition, à travers la pratique du daf.

Contenu général 

• Découverte et approfondissement des principaux rythmes kurdes liés au chant, utilisés particulièrement dans la confrérie Ghâdériyeh du Kurdistan d’Iran (lignée de maître Khalifeh-Mirza-Agha-Ghowssi)
• Travail sur les différentes techniques et frappes
• Travail sur des poèmes de Hafez et de Mowlânâ Rûmi, accompagné par l’ensemble des dafs, pour mieux comprendre le lien étroit entre le rythme et la parole dans cette tradition.

PRÉ-INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
• Date limite de demande de prise en charge : 08/01/2026 •
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Biographie

De famille kurde, Shadi Fathi perpétue l’héritage millénaire de la musique classique persane par une expérience de concertiste au long cours et par un lumineux sens de l’improvisation.

Disciple du grand maître Dariush Talaï, elle maîtrise également les instruments à cordes traditionnels et fait vibrer sa sensibilité sur des percussions digitales comme le zarb ou plus particulièrement le daf, avec un style de jeu dans la lignée de la confrérie Ghâderiyeh du Kurdistan Iranien.

Installée en France depuis 2002 et retournant régulièrement en Iran, Shadi confronte dès lors sa musicalité fleurie aux esthétiques européennes et méditerranéennes, multipliant les collaborations sur disques et sur scène.

Elle a encadré plusieurs stages de musique iranienne et de percussions kurde en France et en Suisse. Avec ces inspirations tutélaires, elle tisse ce fil ténu qui, d’un trait, d’un mot, d’un regard ou d’une note, transperce la beauté et contient dans l’infini détail la puissance de l’universalité. Sa musique navigue dans ses sources vives, de celles qui, fidèles à la poésie soufie, permettent de voir le monde dans une goutte d’eau.

Source photo : Muriel Despiau

La kora: l’héritage, les accords et techniques, la composition
16 au 20 février 2026
AUBAGNE

Possibilité de MISE À DISPOSITION de 3 kora
Contactez nous au 04 42 04 37 73

OBJECTIF GÉNÉRAL

Perfectionnement à la pratique de la kora, à la connaissance et analyse du répertoire mandingue.

CONTENU

Le rôle du korafola dans la culture mandingue dans une perspective historique et culturelle.

Travail sur les modes d’accordage de la kora :

• Silaba signifiant « la grande route », principal mode d’accordage de la kora. Utilisé dans l’ensemble du répertoire mandingue. Gamme de Fa majeur
• Tomora, mode d’accordage. Accord utilisé en Sénégambie. Gamme de Mi-bémol majeur
• Ardino/Sawta, troisième mode d’accordage. Utilisé au Mali et Guinée. Gamme de Do majeur

Écoute et analyse comparative de morceaux traditionnels :

• Répérage des accords travaillés (Silaba, Tomora et Ardino/Sawta) dans le répertoire suivant:
  – Mansana Cissé par Lalo Keba Drame (Sénégambie)
  – Nalésonko par Ballake Sissoko (Mali)
  – Allalake par Lamine Cissokho (Sénégal)

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Vièle Cheval de Mongolie
16 au 20 février 2026
AUBAGNE

OBJECTIF

S’initier et se perfectionner :
• À la Vièle à tête de Cheval (Morin Khuur) de Mongolie,
• Aux différentes techniques instrumentales,
• Au répertoire de l’instrument
• Selon le temps : à l’accompagnement du chant diphonique (khöömii) pour les participants qui le maîtrisent, ou plus généralement du chant

CONTENU GÉNÉRAL

Le morin khuur est l’instrument ancestral et emblématique des Mongols. Cette vièle à deux cordes frottées, dont la sonorité se rapproche de celle d’un violoncelle, étonne grâce à son manche surmonté d’une tête de cheval sculptée. Son répertoire est des plus vaste, allant des airs traditionnels pour accompagner le chant, aux rythmes de danse, en passant par des pièces solistes simples ou virtuoses appelées tatlaga. Si son jeu retrace l’allure des animaux, comme celle du cheval ou du chameau, ses résonnances subtiles rappellent l’immensité des steppes. Son usage moderne et contemporain se retrouve dans des créations en tous genres, notamment dans la musique classique ou le courant ethno-rock.

La démarche de Mandakhjargal est ancrée dans une tradition familiale du désert de Gobi et enrichie au contact de nombreuses expériences de créations, en musique traditionnelle, classique ou expérimentale.

Pour découvrir la pratique de la vièle cheval simplement, que l’on sache manier un archet ou non, il proposera :
• des exercices adaptés aux novices comme aux musiciens confirmés.
• l’apprentissage des fondements techniques
• des pistes de travail seront explorées pour comprendre comment accompagner le chant, qu’il soit diphonique, de gorge, ou autre.

Cette masterclasse est intégrée en complément des enseignements de chant diphonique mongol ouverts en cursus depuis quatre ans avec Johanni Curtet. Elle permettra d’ouvrir une perspective institutionnelle dans l’enseignement du morin khuur en France, jusqu’ici resté peu connu et transmis dans la sphère privée.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h30 – 16h30

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Tous publics, aucun pré-requis ( à partir de 18 ans). Plus jeune : nous contacter.

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• Date limite de demande de prise en charge : 15/01/2026 •
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BIOGRAPHIES

MANDAKHJARGAL DAANSUREN

Mandakhjargal est né le 19 mai 1992 dans le village de Luus, dans la région de Dundgobi en Mongolie. Dès l’âge de 9 ans, il apprend à jouer du morin khuur (vièle cheval ou dite « à tête de cheval ») auprès de son père, musicien et luthier. Il grandit dans le désert de Gobi au sein d’une grande famille de musiciens. En 2010, il termine ses études à l’université de Soyol (Culture) en tant que joueur et professeur de morin khuur. Il apprend également toutes les techniques du khöömii et chant de gorge et maîtrise aussi la flûte tsuur et la guimbarde. Dès la fin 2010, en s’installant en France, il commence à promouvoir la musique traditionnelle mongole en Europe. Il se produit en concert avec différents partenaires artistiques, notamment Argusan, Duo Gobi Rhapsodie, Uvidas, Mathias Duplessy et les Violons du monde, Sakhius, Yidjam. Il sort son premier album solo en mai 2016 et l’album de son nouvel ensemble, Argusan, en 2021.

Discographie

• La mélodie de Gobi ( autoproduction, 2016)
• Pierre Redon et l’Ensemble 9, Chakras & 5 éléments ( Les Soeurs Grées, 2020)
• Argusan ( autoproduction, 2021)
• Gobi Rhapsodie, Nar ( Ars Produktion, 2022)
• Si Seulement je pouvais hiberner, B.O. du film composée par Johanni Curtet ( Buda Musique, 2024)

Lien vidéo :

https://www.dailymotion.com/video/x72cy1j

https://www.dailymotion.com/video/x72cy7a

EXTRAITS VIDÉOS

En savoir plus :
http://www.ethnomusicologie.fr/la-sfe/annuaire/userprofile/jcurtet
http://www.routesnomades.fr/
http://www.meikhaneh.com/

Textes : Mandakhjargal Daansuren et Johanni Curtet
Copyright photos : © Sébastien Cambon

ATELIER DÉCOUVERTE DU CHANT LONG URTYN DUU DE MONGOLIE
Enseignants : Johanni Curtet & Erdenetsetseg Khenmedekh

OBJECTIF

S’initier et découvrir:
• la pratique et le répertoire du chant long (urtyn duu) de Mongolie,
• la technique vocale du chant long et ses nombreux ornements,
• le procédé chanté non mesuré, mélismatique et ornementé de la poésie mongole

CONTENU GÉNÉRAL

Les peuples mongols cultivent des formes vocales tout à fait singulières, dont les techniques et ornements évoquent souvent la nature. Pour plonger dans cet univers, nous proposons de vous initier à une technique vocale mongole des plus emblématiques : le chant long (urtyn duu), dont la beauté mélismatique des mélodies étirées et virtuoses nous rappelle le contour des paysages de Mongolie. À travers une poésie au sens philosophique et spirituelle, le temps d’une strophe, le chanteur ou la chanteuse passe d’une voix de poitrine à une voix de tête, enchaîne des glissandi et traine sur des trémulations larynguées. Autant de techniques à apprendre à travers le texte, les mélismes pentatoniques, et la rencontre avec l’une des plus grandes voix de Mongolie, Erdenetsetseg Khenmedekh.

Contrairement au khöömii (chant diphonique), pratiqué par quelques centaines d’individus et très connu à l’étranger, c’est une technique vocale répandue partout en Mongolie et Mongolie-Intérieure (Chine), partagée par plusieurs ethnies, dont l’exécution varie d’une région à l’autre, selon celles ou ceux qui le chantent mais aussi selon que l’on soit face à la steppe, aux montagnes, ou au désert.

Ce chant se dit « long » car les mélodies trainent lentement d’une syllabe à l’autre, traversant parfois le temps d’un souffle une variété de procédés vocaux et ornements : passages rapides d’une voix de poitrine à voix de tête, glissandi, trémulations laryngées, accents glottiques, nuances puissantes puis légères et aériennes, le tout non mesuré. Il peut être a cappella ou accompagné d’une vièle cheval (morin khuur) ou d’une flûte traversière en bambou (limbe) jouée en respiration circulaire. L’instrumentiste suit et soutien le chant.

Avec des thématiques sacrées, symboliques ou philosophiques, on le chante traditionnellement lors de veillées, mariages, cérémonies de première coupe des cheveux d’un enfant ; au festival Naadam pour accompagner la lute ou encourager les chevaux et cavaliers au départ de la course ; ou encore dans les cérémonies d’état. Dans ces contextes, il peut y avoir une seule personne à chanter comme toute une assemblée.

La démarche d’Erdenetsetseg s’ancre dans une tradition familiale du désert de Gobi et enrichie au contact de nombreuses expériences de créations, en musique traditionnelle, classique et ethno-rock.

Pour découvrir la pratique du chant long urtyn duu, elle proposera :

• des exercices adaptés aux novices comme aux musiciens confirmés.
• l’apprentissage des fondements, à travers l’échauffement mongol et le travail de certaines techniques ornementales
• l’apprentissage d’un chant long.

Assisté de Johanni Curtet, qui apportera un éclairage ethnomusicologique, en complément des enseignements de chant diphonique mongol ouverts en cursus depuis trois ans, ce nouvel atelier permettra d’ouvrir une fenêtre sur l’une des techniques vocales les plus connues en Mongolie et rarement représentée en Occident, proposant ainsi l’un des premiers ateliers de chant long en Europe.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Tous publics, aucun pré requis de base (à partir de 18 ans).

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BIOGRAPHIES

Erdenetsetseg Khenmedekh

Née en 1972 à Mandalgovi dans la province de Dundgovi en Mongolie, elle grandie dans une famille de chanteurs et chanteuses traditionnels. Elle est imprégnée de la tradition du chant long dès l’enfance. Erdenetsetseg suit un apprentissage formel de cette technique vocale avec Chuluuntsetseg à partir de 2000 à l’Université des Arts et de la Culture d’Oulan-Bator. Pendant de nombreuses années, elle est chanteuse à l’Ensemble académique national de musique et de danse de Mongolie et chanteuse d’Altan Urag, groupe pionner du courant ethno-rock mongol. Chanteuse de chant long depuis trois générations, elle se consacre à une recherche sur les aspects rares et anciens de sa pratique pour la restauration et la transmission du répertoire. Excellente pédagogue, elle fait partie des plus grandes voix de Mongolie pour sa génération.

Discographie

Shanztai duunuud (autoproduction, 2015, Oulan-Bator)
Once upon a time in Mongolia (autoproduction, 2010, Oulan-Bator)
Mongol, BO du film, (autoproduction, 2010, Oulan-Bator)
Nation, (autoproduction, 2010, Oulan-Bator)
Blood (autoproduction, 2009, Oulan-Bator)
Hypnotism (autoproduction, 2008, Oulan-Bator)
Made in Altan Urag, (autoproduction, 2006, Oulan-Bator)
Unaga töröv, A foal’s been born, (autoproduction, 2004, Oulan-Bator)

Références

Tournées internationales, théâtre du Bolchoï en Russie, siège de l’UNESCO, Festival Fuji Rock au Japon, Plenitude World Music Festival, plusieurs bandes originales de films (Khadak, Mongol, Marco Polo). Tournée « Anthologie du khöömii mongol » avec Routes Nomades en 2016 (Opéra de Rennes, Opéra de Lille, Musée des Confluences, l’Alhambra-Genève, Festival Harmonie des steppes…).

Lien vidéo :

Johanni Curtet

Johanni Curtet est musicien, ethnomusicologue, pédagogue du chant diphonique et producteur. Formé d’abord par Trân Quang Hai, son apprentissage traditionnel lui vient de D. Tserendavaa dans les steppes de l’Altaï, et B. Odsüren à l’Université des arts et de la culture d’Oulan-Bator. Il enseigne actuellement le khöömii pour la Philharmonie de Paris, et vient d’ouvrir en 2020 un premier cursus en Occident avec l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne. Il a également enseigné pour Le Pont Supérieur, DROM, ADEM, l’Académie équestre de Versailles ; dans des festivals comme Les Suds à Arles ou Les Orientales, pour des musiciens professionnels, le réseau associatif en pratique amateur, et en 2017 aux États-Unis dans des universités de la côte est. Il a été invité en résidence pour le programme « UD international artist-in-residence in ‘Healing Arts’ initiative » en février et mars 2020 par l’Université du Delaware à Newark.

En dehors de Meïkhâneh, son trio principal, il a notamment joué avec Tserendavaa & Tsogtgerel, Urbi&Orbi de Pierrick Lefranc, l’Opéra électrique Èves futures d’Alain Basso, l’ensemble 9 de Pierre Redon, ou encore Katajjaq et Khöömii, Chorus Nunavik / Mongolie de Katia Makdissi-Warren pour le festival Présence Autochtone à Montréal.

En tant que chercheur, il est chargé de cours en ethnomusicolgie à l’Université Rennes 2. En 2010, il a participé à l’inscription du khöömii mongol sur la liste représentative du Patrimoine Culturel Immatériel de l’Humanité à l’UNESCO. Suite à cela, il publie avec Nomindari Shagdarsuren en 2017 un disque de référence, Une Anthologie du khöömii mongol, qui a reçu de nombreuses distinctions dont ffff Télérama, Coup de cœur de l’Académie Charles Cros, Sélection meilleurs albums 2017 par Le Monde, Top of the World du magazine Songlines, ou encore Meilleur album 2017 de l’Asie centrale et de l’est par le Transglobal World Music Chart.

Toute cette aventure musicale est racontée dans deux films documentaires de Jean-François Castell, Maîtres de chant diphonique (2010) et Voyage en Diphonie (2018).

Il vient de composer sa première musique de film pour « If Only I Could Hibernate » de la réalisatrice mongole Zoljargal Purevdash, en sélection officielle au festival de Cannes 2023 dans la catégorie Un certain regard.

Discographie :
• Best of Khukh Mongol Folk Art Ensemble (autoproduction)
• Khukh Mongol, Minii nutag (LC 12455, 2004, 5Special)
• Khukh Mongol, Chinggis Khaan (autoproduction, 2002, Allemagne)
• Une Anthologie du khöömii mongol, (2017, Buda Musique/Routes Nomades)

Filmographie :
• Voyage en Diphonie, de J.-F. Castell (2018, Les Films du rocher)

https://www.youtube.com/watch?v=VeR_fApgc_s

En partenariat avec Routes Nomades 
Textes : Johanni Curtet
Informations :  www.routesnomades.fr
Copyright photos : © Sh. Nomindari

Mentions

Production : Routes Nomades
Avec l’aide de Elbphilharmonie Hamburg.
Dans le cadre de la tournée « Les mélismes des steppes »  2026 organisée pour les 20 ans de Routes Nomades

Texte : Johanni Curtet

KATHAK – Danse DE L’INDE DU NORD 
21 au 25 février 2026
INDE – BÉNARÈS

OBJECTIF

L’objectif est de vous faire découvrir l’art de la danse classique de l’Inde du Nord Kathak. La forme d’atelier que je propose s’appuie sur l’ensemble de mes expériences professionnelles. L’enseignement de l’Histoire et des théories de la danse, chant des Bôles (onomatopées rythmiques) pour vocaliser la subdivision et le phrasé des temps, utilisation de la battue de main comme technique de repérage dans les cycles. Au sein de cet atelier qui s’adresse aux danseurs, danseuses venant de tous les horizons de la danse, nous allons plonger dans la chorégraphie autour de la fluidité de la danse et le rythmique indienne.

 RÉPERTOIRE & HISTOIRE

Enseignement de la danse Kathak « Lukhnow Gharana » (de l’école de Lukhnow) / Culture musicale & percussions corporelles) / Les subtilités d’interprétations selon les grandes écoles / L’Art de l’improvisation / Apprentissage de la rigueur grammaticale.

Le Kathak, danse classique du Nord de l’Inde est un art vieux de 3000 ans. Le mot « kathak » dérive du mot « katha » ou « fait de raconter une histoire ». Katha kahe so kathak : celui qui raconte une histoire en dansant est un kathak. A l’origine, cette communauté d’artistes dénommés Kathakar, raconte donc des histoires à caractère mythologique dans les temples hindous du Nord de l’Inde. Sans aucun doute, leur art trouve ses racines dans la pratique religieuse et dévotionnelle hindoue. Les mouvements des mains (mudra) et du corps, ainsi que les expressions du visage (abhinaya) utilisés par les Kathakars pour enrichir leur narration donnent naissance au Kathak. Le savoir des Kathakars s’est ainsi transmis de génération en génération selon la tradition orale.

Sous le règne des dynasties mogholes, entre le 11e et le 18e siècle, le Kathak quitte l’enceinte des temples et pénètre dans les somptueux palais des empereurs musulmans et des rois hindous. D’une pratique purement dévotionnelle, il évolue vers une danse de cour destinée à l’agrément de ces hauts et puissants seigneurs. Il adopte des éléments culturels typiquement persans et s’épanouit.

Sous le patronage des Moghols, le Kathak prend la forme que nous lui connaissons aujourd’hui. D’un aspect tout d’abord essentiellement hindou, l’esthétique de cette danse évolue, en accord avec l’esthétique de la culture musulmane. Ainsi, l’expression, le mime et la gestuelle deviennent plus subtils, l’artiste s’attachant à exprimer un même thème de mille et une manières grâce à d’infimes nuances. L’aspect danse pure ou nritta du Kathak devient aussi très sophistiqué, les rythmes, les mouvements, les pirouettes plus complexes. Le Kathak s’imprégné alors également de la poésie Urdu.

Le Kathak est, de nos jours, la seule danse classique de l’Inde qui fait la synthèse des cultures hindoue et musulmane.

PROGRAMME

En cours  d’élaboration
Pour informations : nous contacter à contact@iimm.fr

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• Date limite de demande de prise en charge : 20/01/2026 •
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Rythmes et improvisations dans la modalité perse et indienne
21 au 25 Février 2026
INDE / NEW-DELHI

En parallèle, se tiendront également des master-classes autonomes :
– Kathak – Danse de l’Inde du Nord avec Sharmila Sharma ;
– Musiques de l’Inde et improvisation avec Henri Tournier.
Ces master-classes se dérouleront simultanément à la formation – Rythmes et improvisations dans la modalité Perse et Indienne.
Une restitution finale réunissant les trois master-classes est envisagée en clôture de la formation.

OBJECTIFS

Ce cours de pratique musicale intensif, sous forme de master-class, propose de se concentrer sur l’analyse, la création et le développement de phrases mélodico-rythmiques dans la modalité perse et indienne, en utilisant des formes et des motifs rythmiques issus de ces traditions musicales.

Un programme détaillé sera disponible prochainement.

CONTENU PÉDAGOGIQUE

Ces structures rythmiques seront appréhendées comme des clés pour l’improvisation et la composition.

• Comprendre et utiliser le concept de « séries » où tout en apprenant une série de rythmes, on appréhende ensemble les éléments techniques et les idées de développement qui permettent d’appréhender l’improvisation de manière à la fois rationnelle et intuitive, en travaillant sur la dynamique, les accents, les rapports de vitesse, les jeux de timbres, l’ornementation, etc., et bien sûr en conservant une grande rigueur dans la métrique.
• Acquérir des séries d’exercices permettant de jongler avec différents patterns dans toutes les métriques.
• Gagner en liberté, en plaisir, s’autonomiser, être à l’aise sur toutes les métriques (paires, impaires) et ainsi développer son propre chemin créatif et artistique.
• Mémoriser des développements rythmiques, et ainsi sentir un chemin intuitif vers l’improvisation rythmique et mélodique modale.
• Comprendre les formes de développements rythmiques dans les formes savantes des musiques persanes et du sous-continent indien (Inde du Sud et Inde du Nord), travailler sur les « breaks » de fin de cycle rythmique (les « ti-hais », les « chakrodars »), les différentes formes mathématiques de développement (réductions, changement de rapport, etc.).
• Développer les rythmes chantés de manière ludique et mnémotechnique, comme dans les bols (Inde du Nord) ou dans les konnokols (Inde du Sud) ou de manière moins formelle comme en Iran, le chant est un moyen ludique et direct d’appréhender les formes rythmiques.
• Chercher l’équilibre « détente-tonicité » dans le rapport corps-instrument.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Les étudiant·es sont invité·es à participer avec leur instrument de musique.
Il est ouvert à tous chanteurs, musiciens, mélodistes ou percussionnistes, issus de toutes les cultures musicales (musique classique, ancienne, jazz, musiques du monde…) et de niveau moyen ou confirmé.

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BIOGRAPHIE

Keyvan Chemirani est né à Paris en 1968. C’est sur les hauteurs des collines de Manosque, dans les Alpes de Haute Provence, que Keyvan grandit et s’imprègne des musiques orientales et méditerranéennes. Son père et maître, Djamchid Chemirani lui transmet le savoir traditionnel. C’est le maître de Djamchid, Ostad Hossein Tehérani qui projette le zarb du rôle de simple accompagnateur à celui de soliste.
Jusqu’en 1989, Keyvan Chemirani suit parallèlement des études de mathématiques jusqu’en maîtrise et entame une carrière internationale en tant que soliste et accompagnateur. Avec son père et maître Djamchid et son frère Bijan, ils forment le Trio Chemirani et se produisent partout dans le monde. Tout en puisant dans la poésie persane, les Chemirani composent et développent des formes modernes où l’accent est mis sur les polyrythmies et sur la multiplicité des sons ; le trio dévoile à son auditoire les possibilités
infinies des percussions persanes.
Ses différentes rencontres musicales (flamenco, musique ottomane, grecque, arabo-andalouse, carnatique, jazz), lui ont permis d’appréhender les caractères particuliers de différentes traditions. La science de la
métrique de l’Inde – du Nord et encore plus du Sud – a toujours fasciné Keyvan Chemirani, il fera plusieurs voyages pour comprendre la pensée de la musique savante carnatique. A la fois influencé par les musiques modales méditerranéennes (du bassin méditerranéen jusqu’à l’Inde) et par les grands interprètes de jazz, il essaye de trouver un langage commun entre ces différentes cultures musicales.

Penser les percussions iraniennes comme une syntaxe qui lui permet d’investir les musiques orales ou écrites du monde entier, et faire œuvre : voilà le chemin ardu et passionnant qu’emprunte Keyvan Chemirani, pour
métamorphoser peu à peu en créations multiformes l’héritage musical persan reçu de son père Djamchid Chemirani. C’est pourquoi, à 53 ans, il peut à son tour enseigner le legs de la tradition orale, tout en gardant à l’esprit une visée contemporaine.

DISCOGRAPHIE SELECTIVE :
TRIO CHEMIRANI
1998 Trio de zarb, Al Sur, ALCD 241
2002 Qalam Kar, Iris Music, 3001 854
2004 Tchechmeh, Emouvance, emv 1019
2011 Trio Chemirani invite…, Accords-Croisés, AC 143
2015 Dawâr, Harmonia Mundi
TRIO CHEMIRANI & NEBA SOLO TRIO
2002 Falak, Cobalt, 09352-2
TRIO CHEMIRANI & ROSS DALY
« Blue Dragon » Live in Théatre de la Ville, Paris

KEYVAN CHEMIRANI
1997 Zarb duo, zarb solo, Al Sur, ALCD 231
2004 Le Rythme de la parole, Accords-Croisés, AC 104
2005 Le Rythme de la parole II, Accords-Croisés, AC 112.13
2007 Battements au coeur de l’Orient, Accords-Croisés, AC 121
2012 Melos, Accords-Croisés, AC 146
2014 Avaz, Innacor
2019 Keyvan Chemirani and the Rhythm Alchemy, Molpé production
2021 Hâl, ballades amoureuses, Alpha Classic

COLLABORATIONS
—- avec la musique baroque —-
« Il diluvio universale » de Michelangelo Falvetti dirigé par Leonardo Garcia Alarcon
—- avec le jazz —-
Louis Sclavis « Silk and Salt melodies » ECM records

Musiques de l’Inde & Improvisation
21 au 25 février 2026
INDE – NEW-DELHI

En parallèle, se tiendront également des master-classes autonomes :
– Kathak – Danse de l’Inde du Nord avec Sharmila Sharma ;
– Rythmes et improvisations dans la modalité Perse et Indienne avec
Keyvan Chemirani ;
Ces master-classes se dérouleront simultanément à la formation Musiques de l’Inde et improvition.
Une restitution finale réunissant les trois master-classes est envisagée en clôture de la formation.

CONTENU GÉNÉRAL

Musiques de l’Inde & Improvisation, où comment construire sa pratique de l’improvisation sous le prisme des éléments musicaux de la tradition indienne.

Cette formation propose, dans un premier temps de découvrir les notions de bases de la musique de l’Inde : système du Nord, la musique Hindustani, et celui du Sud, la musique Carnatique, notions de Raga (univers mélodique) et Tala (univers rythmique, cycles).

Puis d’approcher par la pratique vocale et instrumentale les stratégies de variations et d’improvisations singulières à la musique Hindustani, l’art de la construction d’un prélude (alap, jor, jhala), comment décorer une composition (gat, bandish) puis improviser autour d’elle dans un cycle rythmique donné, comment enrichir son discours improvisé avec des éléments rythmiques syncopés (layakari), et des structures rythmiques conclusives (tihai).

Et enfin d’imaginer comment intégrer ces éléments dans son propre vocabulaire d’improvisateur ou de compositeur.

Elle propose également une réflexion sur l’enseignement de tradition orale et ses qualités pédagogiques, et un partage d’expérience avec le formateur, musicien inspiré par l’apprentissage d’une double culture, musique classique occidentale et contemporaine, improvisation contemporaine occidentale/Musique classique de l’Inde du nord.

Conditions de participation

La formation s’adresse à tous musiciens, artistes, enseignants de niveau professionnel ou étudiants en fin d’études, quel que soit son instrument, et sa formation (classique, baroque, jazz, traditionnelle, musiques actuelles, …), tous âges confondus.

Les musiciens apportent leur instrument de musique (les candidatures seront étudiées).

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BIOGRAPHIE

Musique klezmer
25 février au 1er Mars 2026
AUBAGNE

OBJECTIF GÉNÉRAL

Initiation et perfectionnement aux différentes expressions du Klezmer, musique traditionnelle des juifs d’Europe de l’Est. 

CONTENU PÉDAGOGIQUE

> Apprentissage de morceaux du répertoire :

• Danses (pour les diverses célébrations et fêtes : mariages, anniversaires, bat-mitsvot ou bar-mitsvot)
• Nigunim (chansons sans paroles)
• Chansons domestiques (berceuses, etc.)
• Quelques mélodies issues de prières du culte juif (ex : Avinu Malkenu)

> Travail sur les spécificités techniques et théoriques du répertoire Klezmer :

• la mélodie et ses différentes variations
• la souplesse de l’agogique dans le phrasé d’une mélodie (jouer avec la vitesse),
• les harmonisations et arrangements
• les modes «Klezmer majeur» (Ahavah Rabbah), «Klezmer mineur» (Mi Chébérakh), myxolydien (Adonaï Malakh) et d’autres plus classiques
• les ornements (krekhts, glissandi, trilles)
• les motifs idiomatiques mélodico-rythmiques typiques de la musique Klezmer
• les différentes rythmiques : hora (ex : Gasn Nigun), freylekh (Bukoviner Freylekh), bulgar (ex : Heyser Bugar), terkish (ex : Der Yid In Yerushalayim ou Terkishe Yale V’Yove Tantz), Khosidl (ex : Khosidl de German Goldenshteyn)

> Apprendre à construire une improvisation (lors d’une Doïna, par exemple) : modale, sur un bourdon, et en initiant des changements d’harmonies

> Analyse générale du Klezmer à partir de l’écoute de sources audio, avec un apprentissage du répertoire. Il est possible d’amener des morceaux sous forme écrite ou audio souhaitant être travaillés pendant l’atelier.

> Écoutes :

• Anciens enregistrements (Naftule Brandwein, Dave Tarras, Abe Schwartz, Belf’s Romanian Orchestra, A. Elenkrig’s Yidishe Orchestra, Lieut. Jos. Frankel’s Orchestra, State Ens. of Jewish Folk Music of Ukrainian SSR, S. Young’s Yiddisher Orchestra, Josef Solinski, Max Leibowitz, Menashe Oppenheim)
• Comparaison avec enregistrement plus récents (Klezmatics, Brave Old World, Deborah Strauss, Chicago Klezmer Ensemble, Di Naye Kapelye, German Goldenshteyn, Zisl Slepovitch’s Litvakus, Steven Greenman, Pete Rushefsky And Jake Shulman-Ment)

> Comparer la modalité et l’influence de la tonalité occidentale dans les arrangements Klezmer actuels

CONTEXTE DU RÉPERTOIRE

La musique « klezmer » est celle que les baladins juifs ashkénazes colportaient de fête en fête, de « shtetl » (village) en ghetto, dans toute l’Europe de l’Est depuis le Moyen Âge jusqu’aux persécutions nazies et staliniennes du vingtième siècle. Elle s’inspire aussi bien de chants profanes et de danses populaires Au contact de musiciens slaves, tsiganes, grecs, turcs et -plus tard- du jazz, le klezmer a acquis une diversité et une sonorité caractéristique qui lui vaut aujourd’hui d’être reconnu et apprécié dans le monde entier. Le répertoire klezmer et yiddish invite le public à la danse et permet au musicien d’exprimer toutes les émotions humaines, de la joie au désespoir, de la piété à la révolte et du recueillement à l’ivresse, sans oublier l’humour juif et… l’amour! Depuis le 21ème siècle, une mention spéciale doit être faite aux nouvelles tendances qui incluent du klezmer ou se revendiquent, même de loin, de cette mouvance : il s’agit des multiples fusions avec des musiques occidentales contemporaines comme le reggae, le ska, le hip-hop, le drum’n bass, la disco, la techno, la house, le rap, le ragga, la jungle…

LE COLLECTAGE

Le collectage est devenu une urgence en voyant la génération de la Shoah disparaitre, avec elle toute la Yiddishkeit s’en aller. Dès les années 70 des musiciens et ethnomusicologues ont commencé ce travail de collectage, à commencer par le YIVO à NY (Yiddish Institute for Jewish Research – YIVO en Yiddish). Des personnes comme Zev Feldman ont fait plusieurs travaux de collectage sur le terrain pour récolter les sources des dernières personnes sur place encore vivantes.

LE RÔLE DE LA TRANSMISSION

De nombreux musiciens d’Europe de l’Est ont émigré aux USA, fuyant les pogroms, comme Dave Tarras ou Naftule Brandwein. Ils ont continué à jouer cette musique aux USA pour la communauté dans le cadre des célébrations de la vie juive, puis sur scène. Comme toutes les traditions orales, celle-ci s’est modifiée au contact notamment du jazz aux USA, donnant un style particulier qu’on ne trouve pas dans les transmissions qui ne sont pas passées par les Etats-Unis (ex: German Goldenshteyn, avant d’arriver aux USA en 1994). Depuis, de nombreux recueils de klezmer ont fait leurs apparitions, mais il manque toujours l’essentiel que l’écrit ne peut pas transcrire : le style, le phrasé, etc. Ces recueils sont précieux et permettent de découvrir du répertoire à condition de connaitre le style, ou d’avoir des sources sonores fiables.

LA RETRANSMISSION

La retranscription est limitée, car il est difficile d’écrire le phrasé, le style, le tempo et le rythme qui n’est pas vraiment carré (ex: la Hora klezmer est entre un 3/4 et un 5/8). Difficile également de transcrire les ornements (krekhts, trilles plus ou moins serrées). La partition n’est là que comme un aide-mémoire ou découvrir du répertoire, mais l’oralité est indispensable.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

> Attention : atelier uniquement INSTRUMENTAL.
> Ouvert à tous les instruments, tous niveaux (à condition de maîtriser un minimum son instrument), sans limite d’âge.
> Il faut savoir où sont toutes les notes sur son instrument, être à l’aise avec son instrument et pouvoir jouer des mélodies sans trop de difficultés (tenir un morceau du début à la fin sans s’arrêter et sans effort).

> Possibilité de venir en groupe, de préparer des morceaux, ses arrangements

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BIOGRAPHIE

Le contrebassiste et compositeur Rémy Yulzari réinvente le rôle la contrebasse comme instrument soliste aux multiples facettes. Puisant dans sa propre histoire, il créé un style personnel au large éventail de couleurs et de styles basé sur l’improvisation et la créativité. Rémy Yulzari utilise également l’accordéon, le mélodica et le piano sur scène. Il s’est produit dans des salles prestigieuses de plusieurs pays, de l’Angleterre aux États-Unis, d’Israël à la Russie, jusqu’à Taiwan et au Japon, ainsi que dans de nombreux festivals. Membre fondateur de plusieurs ensembles balayant un large éventail de styles, il a sorti sept albums, dont deux comme leader (Enigme Eternelle, Azafea), et deux avec son trio Klezele (Freylekh From Vladivostok et Mosaïque). Il a enregistré la bande originale du film «L’Empreinte» avec son Quintette Monsolo ainsi que deux albums d’oeuvres de musique de chambre de G. Onslow et J. S. Bach pour le label Polynmie. Il est également titulaire du Certificat d’Aptitude (Master d’Enseignement musical) du CNSM de Lyon et Artist Diploma de la prestigieuse Julliard School de New-York. Il est régulièrement invité à donner des masterclasses de contrebasse, musique de chambre et de musique klezmer au Japon (Koshin RKC Hall) et partout en France. Il enseigne au Pôle Supérieur de Paris, succédant à Ibrahim Maalouf.

Www : http://yulzari.com

Facebook : https://www.facebook.com/RemyYulzariBassist

Extrait vidéo : https://youtu.be/Y5DbeNd_j8c?t=211

Extrait audio n°1 : http://yulzari.com/wp-content/uploads/2012/07/Trio-klezmer-_-nigun.mp3

Musique arabo-andalouse
28 février au 4 mars 2026
AUBAGNE

CONTENU PÉDAGOGIQUE DÉTAILLÉ

Jour 1
10h-13h:

• Faire connaissance avec les musiciens participants 
• Introduction avec quelques aspects historiques, sociologiques, parler de la poésie, l’oralité, et l’instrumentarium . Donner également quelques éléments quant à la pratique de la musique Arabo-andalouse dans les pays du Maghreb.  
• Aborder les notions théoriques à travers le premier tab’ abordé raml-maya et son inqilab ya qelbi khellil hal 

14h-16h:  

• Continuer le travail de l’inqilab ya qelbi khellil hal  en mettant l’accent sur l’ornementation et enchaîner sur l’improvisation à travers l’istikhbar et sa codification.

Jour 2
10h-13h :

• Tab’ sika : structure et caractéristiques. Travail sur l’inqilab sûltanû lmahebbati mûnçifi 

14h-16h : 

• Travail sur l’istikhbar (improvisation) sika et réviser l’inqilab. 

Jour 3
10h-13h 

• Tab’ moual : structure et caractéristiques. Travail sur l’inqilab zarani lmalih ouahdou 

14h-16h 

• Travail sur l’istikhbar (improvisation)  moual et réviser l’inqilab. 
• Restitution du travail accompli depuis le début du stage. 

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Ouvert aux chanteuses et chanteurs . Tradition oblige , le chant est conseillé également pour les instrumentistes.  
• Ouvert aux instrumentistes avec un minimum de trois années de pratique (maîtrise de l’instrument) .
• Instruments  : ûd, kouitra, qanûn, fhel (ney), percussions (târ, derbûka), ainsi que des instruments équivalents de la tradition ottomane ou persane . Instruments plus récents adoptés par les maghrébins comme le violon , l’alto, le cello ou la mandoline ainsi que les instruments médiévaux tels que le rebek, harpe celtique, flûte à bec.  

  INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
  DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 27/01/2026
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BIOGRAPHIE

Né à Alger, Rachid Brahim-Djelloul obtient les premiers prix de violon et de musique de chambre au conservatoire d’Alger ainsi qu’une licence de musicologie. Il poursuit en France sa formation théorique et pratique (maîtrise de musicologie et DEA en esthétique, sciences et technologies des arts, Prix de Violon et Prix d’excellence de musique de chambre au CNR de Rueil-Malmaison).

Rachid Brahim-Djelloul a travaillé dans de nombreux orchestres symphoniques. Il s’est également produit en soliste et en musique de chambre avec le Quatuor à cordes Hypoténuse. Tout aussi brillant instrumentiste de musique traditionnelle, on a notamment pu l’entendre avec l’ensemble El Mawsili (orchestre de musique arabo-andalouse), Emmanuelle Drouet, Simon Elbaz ou Enrico Macias. Il a aussi accompagné des œuvres théâtrales de Slimane Benaïssa, notamment « Prophètes sans dieu » qui a reçu un franc succès dans les pays francophones. Ses collaborations l’ont mené à se produire dans différentes salles en Europe, en Afrique et au Canada.

Rachid Brahim-Djelloul a également participé à de nombreux enregistrements aussi bien de musique classique et traditionnelle que de jazz et de variété. Il a ainsi enregistré aux côtés de Sandra Bessis, Enrico Macias, Nassima, Michel Deneuve, François Méchali, Idir, Takfarinas, Chérif Kheddam ou encore Adamo. En tant que musicologue, il participe à de nombreux colloques et émissions de radio en France comme à l’étranger rendant compte de ses travaux de recherche concernant les musiques traditionnelles du pourtour méditerranéen. Il participe ainsi, en 2004, à un colloque à Chypre dont les actes sont réunis sous le titre « Emprunts linguistiques, empruntes culturelles ». Par ailleurs, il collabore à deux ouvrages ; l’un sur la musique populaire dite  »Châabi » d’Algérie (Ed. El-Ouns/UNESCO), l’autre sur la musique araboandalouse (CD interactif/Ed. El Ouns).

Fort de cette expérience, Rachid Brahim-Djelloul crée tout naturellement l’ensemble Amedyez avec lequel il souhaite faire fleurir toute la diversité et la richesse d’un patrimoine méditerranéen multiple – et pourtant féru de résonances communes. Le premier projet de cet ensemble est le spectacle qu’il réalise avec sa soeur, Amel Brahim-Djelloul. Enfn, il crée une classe de violon à l’ENM de Gennevilliers, où il enseigne depuis 2005 (musiques de tradition méditerranéenne).

VIDÉO

Chants de Grèce et d’Asie mineure
7 au 11 mars 2026
THESSALONIQUE – GRÈCE

OBJECTIF

Se former aux chants grecs, modes et modalités dans la musique urbaine et rurale de la Grèce et de l’Asie Mineure. Seront abordés au cours de cette master-class :

• Les techniques d’improvisation spécifiques à la musique urbaine et rurale de l’Asie Mineure
•  L’apprentissage des chansons
•  Le travail sur l’ornementation
•  L’arrangement
•  Le contexte historique et socioculturel du style

CRITÈRES D’ÉLIGIBILITÉ ERASMUS+

Pour participer à cette formation et bénéficier du programme ERASMUS+, vous devez correspondre à l’un de ces critères :
– avoir le statut de demandeur d’emploi,
–  être reconnu travailleur handicapé,
–  perçevoir des minimas sociaux.
Chaque situation est unique et nous avons tenu compte des profils particuliers en fonctions des critères exigés.
Pour tout renseignement supplémentaire, merci de nous contacter (contact@iimm.fr)

CONTENU GÉNÉRAL

MARIA SIMOGLOU

• Travail de technique vocale : relaxation, respiration et gestion du souffle, échauffement vocal, placement de la voix
• Apprentissage de chants grecs (Épire, Macédoine, Thrace et Asie mineure) : chants à l’unisson ou polyphoniques, travail du bourdon
• Travail sur l’interprétation, les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation 
• Travail sur les rythmes pour le chant et la danse : écoute du rythme à travers le corps, l’oreille, la parole
• Théorie des Maqams et analyse modale

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Bonne pratique du chant et de l’instrument (pas de connaissance théorique  nécessaire)
• Ouvert aux amateurs et professionnels

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 06/02/2026 •
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BIOGRAPHIE

MARIA SIMOGLOU

Chanteuse polymorphe et multi-instrumentiste, compositrice et auteur, Maria Simoglou a plus de 20 ans de présence sur la scène musicale et théâtrale internationale.

Née à Thessalonique en Grèce du nord, elle a la chance de bénéficier d’une double culture musicale, à la fois savante et populaire, grâce au berceau familial gorgé de musiques traditionnelles de Macédoine, Thrace et Asie Mineure et grâce aux études qu’elle a suivi, d’abord au Collège et Lycée musical de Thessalonique, puis au Conservatoire National d’État de Thessalonique (hautbois, ud, qanun, percussion) et enfin à l’académie musicale de Berlin « Hanns Eisler Musikhochschule » dans la branche chant/musique-théâtre auprès de Marion Lukowsky et du Pr. Magdalena Hajossyova. Elle a participé aux stages du chant, entre autres, avec Pr. Barbara Shlich, Pr. Norma Sharp, Thomas Quasthoff, René Jacobs, Spyros Sakkas, etc.

Très tôt elle collabore avec de nombreux groupes et orchestres en Grèce et à l’étranger dans le domaine de la musique traditionnelle, classique et contemporaine. Elle est régulièrement invitée à des concerts, des festivals et participe à des séminaires musicaux, notamment pour la musique du cinéma et du théâtre.

Elle se produit entre autres au Festival d’Avignon, Babel Med Music, Villa Méditerranée, Forum Barcelona, Schwarz-Weiss Festival, Bayer Kultur, Berliner Märchentage (Les jours de conte à Berlin), Deutsche Welle Konzerte, Montalbane Internationale Tage der Mittelalterlichen Musik (Journées Internationales de Musique Médiévale), Alte Musik Treff (Rencontre de la Musique Ancienne), Installation Moon Mirror de Rebecca HORN, DIMITRIA Ethno- Jazz Festival, Cité de la Musique de Marseille, Mandopolis Festival, Les Suds à Arles, Vélo Theatre, l’Abbaye de Sylvanès, Centre Pompidou, etc.

Elle intervient régulièrement à la radio et à la télévision en Grèce, Allemagne, Belgique, Suisse, Luxembourg, Pays-bas, Espagne, Angleterre, France, États-Unis, Australie etc.

Elle participe et collabore à de nombreux concerts et enregistrements aux côtés des chanteurs et musiciens de renommée internationale (Ross Daly, Spyros Sakkas, Stelios Petrakis, Efren Lopez, Maria Thoidou, Socratis Malamas, Bijan Chemirani, Patrick Vaillant, Kevin Seddiki etc.).

Depuis 2011, elle se produit avec la compagnie de théâtre « Mises en Scène » avec laquelle elle a participe à deux différents spectacles: « Bon Appétit » et « La parabole des papillons » (mises en scène de Michèle Addala / dramaturgie avec Gilles Robic).

Elle vit en France, à Marseille, depuis 2008, où elle dirige et intègre différents ensembles. Elle collabore en tant que chanteuse, musicienne ou comédienne dans des spectacles de musique, danse et théâtre traditionnelle et contemporaine.

Depuis 2008 elle donne régulièrement des Master-Classes (DROM, IIMM, FAMDT) et enseigne notamment la technique vocale et corporelle ainsi que le répertoire, l’interprétation, les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation, spécifiques aux chants grecs et d’Asie Mineure.

Discographie :

– « Kymata » – Kevin Seddiki, Maria Simoglou, Iacob Maciuca – Label : Buda Musique, 2018-
« Red » – Savvas Pavlidis – Production : Savvas Pavlidis,2018-
« Minóre Manés » -Maria Simoglou Ensemble – Label : Buda Musique, 2015-
» Panselinos  » – Kompania Massalias – Production : Panselinos / Hiphaistia – 2013-
« Il santiero »,KevinSeddiki, Label : Wildner Records, 2012-
« Tâle Yâd », OnEira 6tet, Label : Helico,2012-
« Si la Mar », OnEira 6tet, Label : Helico, 2010
– « Orion », Stelios Petrakis, Label : Seistron,2008
– « Kara Deniz- Two Steps », Savvas Pavlidis,Label:DMG Germany, 2007-
« Tis nychtas ta makria mallia »,Maria Thoidou, Sokratis Malamas , Label : Lyra, 2004-
« Kismet », Stelios Petrakis, Bijan Chemirani,Label : Buda Musique, 2004-
« Enas emfilios – To periodiko,Vol. 2 « , Dimosioypaliliko se retire,Label:Alli Poli, 2003 – « Chants et danses de la Méditerranée » – Tropos Quartett Berlin -Thessalonique – Production : Tropos Quartett, 2003.

 Maria Simoglou
 Maria Simoglou

Chants de la tradition séfarade judéo-espagnOLe

EN MARS 2026 – DATES À VENIR

THESSALONIQUE – GRÈCE

En partenariat avec l’Université de Macédoine & l’Institut Français de Thessalonique

CONTEXTE

A la différence d’autres traditions musicales, les chants judéo-espagnols ne constituent pas un ensemble stylistique homogène. Cette diversité, due à la fois à leur histoire, à la multiplicité des aires géographiques où ils se sont développés et aux nombreuses influences qui les traversent, laisse une grande part de liberté aux interprètes, liberté qui demande cependant à s’inscrire dans un cadre cohérent et fidèle à l’esprit qui les anime.

CRITÈRES D’ÉLIGIBILITÉ ERASMUS+

Pour participer à cette formation et bénéficier du programme ERASMUS+, vous devez correspondre à l’un de ces critères :
– avoir le statut de demandeur d’emploi,
–  être reconnu travailleur handicapé,
–  perçevoir des minimas sociaux.
Chaque situation est unique et nous avons tenu compte des profils particuliers en fonctions des critères exigés.
Pour tout renseignement supplémentaire, merci de nous contacter (contact@iimm.fr)

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
• Date limite de demande de prise en charge : 03/11/2025 •
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OBJECTIFS

• Se familiariser avec le monde poétique et musical des chants judéo-espagnols dans leur diversité, en intégrant le contexte historique, sociologique et géographique dans lequel ils s’inscrivent.
• Approcher les différentes branches du répertoire et leurs spécificités : des romances trouvant leur origine dans l’Espagne médiévale aux kantigas nées à Salonique ou Istanbul au XXe siècle, des chants d’amour profanes aux coplas rythmant les fêtes religieuses.
• Respecter les contraintes – et les libertés – modales du répertoire (sauf pour les chants, souvent plus récents, relevant de l’univers tonal) : continuité et différences entre les modes musicaux de l’Espagne médiévale, les modes arabo-andalous, les modes orientaux et/ou ottomans.

DÉMARCHE PÉDAGOGIQUE

Maria Zopounidis proposera l’apprentissage de divers chants durant la formation. Ce travail alternera des temps d’apprentissage collectif et des temps d’interprétation individuelle.
Un temps sera consacré à l’écoute et l’analyse comparative des chants et de leurs diverses interprétations possibles en fonction de l’aire géographique et de l’époque (des premières décennies du 20e siècle à aujourd’hui…)
L’atelier se déroulant essentiellement de façon orale, il ne nécessite pas de connaissance en lecture musicale. Cependant les partitions correspondant aux chants étudiés seront distribuées autant que possible.
La formation pourra s’achever sur une présentation par les participants du travail accompli durant la semaine, reprenant les principaux chants étudiés.

CONTENUS 

• Préparation corporelle : détente du corps et prise de conscience des éventuels points de blocage, ancrage et fluidité gestuelle.
• Ecoute, disponibilité, intériorisation et concentration, présence à soi-même et à l’auditoire.
• Echauffement et travail vocal : la souplesse et l’agilité, l’ornementation et les mélismes, en fonction des chants abordés et dans le respect des modes.
• Apprentissage et interprétation de quelques chants judéo-espagnols des différents rameaux constitutifs du répertoire : romances issues de la tradition médiévale espagnole, kantigas. Coplas.
• Les chants de la tradition salonicienne (et plus largement de la Méditerranée orientale) : similitudes et différences avec les chants de la tradition occidentale, nord du Maroc essentiellement.
• Les possibilités d’interprétation, d’accompagnement et l’art de l’ornementation selon les aires géographiques, les époques et les choix des interprètes.
• Les interprétations contemporaines : suivre les tendances et « l’air du temps », et/ou s’ouvrir à sa propre singularité : trouver sa voie/voix tout en respectant les spécificités du répertoire.
• Les constantes thématiques rencontrées dans le répertoire : par exemple, les « chants de frontière » et la hermana cautiva, ou les thèmes à double sens (avre la tu ventana, ou la tu puerta cerrada »). Continuité thématique ou rupture entre Méditerranée occidentale et Méditerranée orientale.
• Approche possible des répertoires associés : chant séfarade liturgique, chant arabo-andalou…
• Travail sur la langue : la prosodie, la (ou les…) prononciation(s) spécifique(s) du judéo-espagnol au regard du castillan, les mots que l’on souhaite mettre en avant en fonction de leur sens et de l’émotion que l’on transmet.
• Approche rythmique de l’accompagnement à la percussion digitale : chanter en s’accompagnant.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Bonne pratique du chant et intérêt pour le répertoire abordé dans sa diversité (pas de connaissance théorique  nécessaire).
• Une connaissance, même superficielle, de l’espagnol et/ou du judéo-espagnol facilitera le travail et l’apprentissage des chants.
• Ouvert aux amateurs et professionnels, lecteurs ou non-lecteurs de partitions.
  Les instrumentistes sont également bienvenus, s’ils souhaitent s’accompagner et/ou interpréter les intermèdes instrumentaux des chants abordés.
• Si possible, venir avec une percussion (tambour sur cadre comme bendir, daf, tambourin).

HORAIRES :
10h00 – 13h00 & 14h00 – 16h00

BIOGRAPHIE

Maria Zopounidis grandit en Grèce où elle baigne, depuis son enfance, dans une double culture musicale : son père, grec pontique, lui transmet les chants traditionnels de Grèce, d’Asie Mineure et de la mer noire dont ils sont originaires ; sa mère, pianiste franco-italienne, lui enseigne le piano et lui donne une éducation musicale classique.

Elle arrive en France afin de poursuivre ses recherches musicales et obtient en 2018, le Diplôme d’tudes Musicales en chant lyrique au CRR d’Avignon. Elle se perfectionne à l’Institut Supérieur des Arts de Toulouse où elle obtient, en 2022, le Diplôme National Supérieur Professionnel de Musicien en chant lyrique dans la classe de Sophie Koch et Didier Laclau-Barrère. Elle obtient également sa Licence en Musicologie à l’université de Toulouse Jean Jaurès et le Diplôme d’État en chant lyrique. En 2021 elle gagne le prix Espoir de l’Académie Internationale Maurice Ravel à Saint-Jean-de-Luz et en 2022, elle débute sa carrière de chanteuse professionnelle avec le Chœur National du Capitole de Toulouse. En 2023 et 2025, Maria incarne le rôle de Susanna dans les Noces de Figaro de Mozart à l’occasion du festivalNuits Musicales en Armagnac.

Son amour pour le chant ancien de transmission orale l’amène à suivre, en 2022, le cursus Chants sacrés et profanes des traditions séfarades et Al-Andalus auprès de Françoise Atlan, à l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne, où elle obtient en novembre 2023 son Diplôme d’Études Musicales. Depuis, elle enseigne en tant qu’assistante auprès de Sandra Bessis dans le cursus Chants de la tradition séfarade judéo-espagnole et approche des répertoires associés de l’Institut International des Musiques du Monde à Aubagne. Elle y enseigne également depuis 2022 le grec moderne dans le cursus Chants de Grèce et d’Asie Mineure dirigé par Maria Simoglou. Maria a également validé le Master en Musicologie à l’Université Jean Jaurès de Toulouse et a communiqué auprès de Florence Mouchet, maître de conférences en musicologie médiévale, au colloque Musiques modales d’aujourd’hui et d’hier, organisé en avril 2023 à l’Abbaye de Sylvanès.

Depuis juin 2023, Maria collabore avec différents artistes de la scène des musiques du monde, notamment Soroush Kamalian, poly-instrumentiste iranien et Bruno Allary, guitariste et directeur artistique de la Compagnie Rassegna.

KANOUN #3 – Cours sur mesure selon niveaux
3 au 5 avril 2026
AUBAGNE

Possibilité de mise à disposition de Kanoun

OBJECTIF

• Initiation à la pratique du Kanoun
• Découverte et/ou approfondissement de la connaissance de la musique traditionnelle arménienne
• Apprentissage de chants, airs de danse et rythmes populaires.

CONTENU GÉNÉRAL

• Travail sur la base de techniques du jeu
• Apprentissage de pièces issues du répertoire traditionnel arménien (Komitas…) à l’oreille ou avec des partitions simples
• Écoute et analyse d’extraits sonores venant illustrer la part de l’oralité et de l’écriture dans la musique traditionnelle arménienne.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Formation ouverte à tous (si possible venir avec son instrument : tous types de kanoun (arménien, turc, arabe, grec)).
• Possibilité d’accueillir chanteurs et musiciens de tout horizon et de tout niveau souhaitant se former à la musique arménienne, dans la limite des places disponibles.

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 02/03/2026
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EXTRAIT VIDÉO

BIOGRAPHIE

Meri Vardanyan est une joueuse de kanoun née en Arménie en 1980.

Elle débute le Kanon à l’âge de sept ans. Diplômée du conservatoire supérieur d’Erevan en Kanon et en direction, elle fait partie des meilleures joueuses arméniennes de sa génération.

Soliste dans l’Ensemble traditionnelle d’Etat, l’ensemble Ochagan (Musique médiévale arménienne) et The Gurdjieff folk instruments ensemble, elle participe à de nombreux concerts et festivals à travers le monde (Estonie, Portugal, France, Allemagne, Pays-Bas, Liban, Belgique, Russie, Géorgie… ).

En 2009 elle s’installe à Lyon (France) où elle poursuit ses études en musicologie et obtient un Master 2 à l’université Lumière Lyon 2 tout en continuant à exercer sa carrière professionnelle. Elle collabore depuis avec Khaled Arman, Vittorio Ghielmi, l’ensemble Goussan, The Gurdjieff ensemble avec qui elle enregistre deux albums au sein du label ECM, Maria Farantouri autour d’un projet « Beyond The Borders » ECM 2019.

Danse Tango : danse, culture et transmission
13 au 17 avril 2026
AUBAGNE

OBJECTIF GÉNÉRAL 

CONTENU PÉDAGOGIQUE

PRÉ-REQUIS

Cette master-class s’adresse :
– aux danseurs ayant déjà une expérience préalable du tango argentin (niveau intermédiaire ou avancé),
– aux danseurs professionnels issus d’autres disciplines (danse contemporaine, classique, jazz, etc.) souhaitant découvrir le tango comme langage artistique.

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BIOGRAPHIES

OUD ORIENTAL
16 au 22 avril 2026
AMMAN – JORDANIE
COURS DISPENSÉS EN ANGLAIS

En partenariat avec Crescendo Music & Art Academy

En parallèle, se tiendront également des master-classes autonomes :
– Chant Oriental avec Dorsaf HAMDANI
– Percussions Orientales avec Youssef Hbeisch
Ces master-classes se dérouleront simultanément à la formation en Oud Oriental.
Une restitution finale réunissant les trois master-classes est envisagée en clôture de la formation.

OBJECTIFS

• Développer ses performances par l’analyse des notions théoriques et pratiques
• Améliorer sa connaissance musicale et sa technique instrumentale
• Acquérir les outils (modes en tétracordes) pour développer les techniques d’improvisations
• Explorer les différents modes d’interprétations
• Développer sa capacité d’analyse et d’écoute
• Elargir sa pratique de la musique classique arabe par les différents modes de jeux
  
  Programme complet en cours d’élaboration

CONTENU PÉDAGOGIQUE

Les méthodes pédagogiques :  Au-delà, de l’enseignement dit « traditionnel », le programme sera constitué autour d’une nouvelle approche qui permettra d’élargir les différents modes d’interprétations basés sur l’utilisation rythmique du plectre (dispositif permettant de pincer ou gratter les cordes du luth arabe – oud).

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

NOM DES ŒUVRES MUSICALES

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Chaque participant viendra avec ses propre instruments, repose-pied, pupitre, accessoires, partitions imprimées. Avoir un niveau minimum d’anglais.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
• Date limite de demande de prise en charge : 12/03/2026 •
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BIOGRAPHIE

Extraits vidéo

CHANT ORIENTAL
16 au 22 avril 2026
AMMAN – JORDANIE

En partenariat avec Crescendo Music & Art Academy

En parallèle, se tiendront également des master-classes autonomes :
– Oud Oriental // Ahmad AL KHATIB
–Percussions Orientales // Youssef HBEISCH
Ces master-classes se dérouleront simultanément à la formation en Chant Oriental.
==> Une restitution finale réunissant les trois master-classes est envisagée en clôture de la formation.

OBJECTIF

Cette formation repose sur une démarche de développement de travail sur la voix. Il s’agit d’accompagner chaque personne dans sa recherche du bon placement de la voix et dans l’appropriation des différentes techniques de chant oriental.

Programme complet en cours d’élaboration

CONTENU GÉNÉRAL

Dorsaf HAMDANI a toujours eu à cœur de poursuivre une démarche pédagogique et sociale auprès des groupes multiculturels de tout âge, avec une prédilection pour les jeunes. La méthode proposée est un subtil mélange entre apprentissage et coaching vocal.

Le contenu pédagogique de sa master-class comprendra :
• L’échauffement corporel et appropriation de l’espace et de son corps : Mise en accord, préparation du corps pour trouver les résonances, détente et disponibilité, verticalité et horizontalité, ancrage au sol, écoute intérieure, concentration, énergie.
• Le travail et la technique de respiration : gestion du souffle, apprendre à respirer par le ventre, contrôler et positionner sa voix.
• Un travail sur la prononciation : travail de certains syllabes et lettres de la langue arabe de façon chantée.
• L’initiation de son oreille à la musique arabe : écoute de lectures de textes sacrés
• Le travail de plusieurs chants arabes et les improvisations vocales
• La relation entre poésie et musique, métrique de la poésie arabe classique déterminant le rythme musical.
• L’étude de la musique arabe : cycles rythmiques répétés, échelles particulières, modes musicaux, écoute d’extraits pour illustrer l’évolution de la musique arabe.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

MÉTHODOLOGIE

Trois possibilités s’offrent aux participants dans le choix des chants abordés :
1 – Les participants proposent spontanément des chansons de leur choix
2 – Après avoir auditionné les participants, Dorsaf HAMDANI propose des chants qui correspondent à la personne et à son timbre de voix.
3 – Lorsque le niveau le permet, il est proposé aux participants un travail d’écriture sur 2 à 3 chansons sur un air choisi par le groupe.

OBJECTIF FINAL

• Enregistrement des chants par vidéo pour que chacun puisse se regarder, analyser son chant et sa gestuelle pour pouvoir s’améliorer.
• Restitution publique des participants à l’issue de la master-class.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Posséder une base en chant arabe

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• Date limite de demande de prise en charge : 12/03/2026 •
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BIOGRAPHIE

Fille d’un violoniste, Dorsaf Hamdani rejoint le Conservatoire national de musique de Tunis en 1985, lui permettant de se produire avec différents orchestres de malouf tunisien.

En 1994, Hamdani obtient son baccalauréat et entame ses études supérieures, décrochant ainsi une maîtrise de musicologie en 1998. Pendant ses années d’études, elle participe à des tournées avec La Rachidia. Deux années plus tard, elle obtient à la Sorbonne un master de musique et musicologie.

Prix

Parmi les principales distinctions de la chanteuse figurent le troisième prix du Festival de la chanson arabe 1995 tenu en Jordanie et le disque d’or du Festival de la chanson tunisienne en 1996.

Spectacles

• • 2006 : Ya Mewlana (mise en scène d’Elyes Baccar) ;
  • 2011 : Ivresses avec Alireza Ghorbani ;
  • 2013 : Princesses du chant arabe au palais Abdellia de La Marsa.

Discographie

• • 2011 : Ivresses – Le sacre de Khayyam avec le multi-instrumentiste iranien Alireza Ghorbani ;
  • 2012 : Princesses du chant arabe, reprises des titres des divas arabes : Oum Kalthoum, Fairuz et Ismahène ;
  • 2012 : Melos avec le percussionniste iranien Keyvan Chemirani ;
  • 2013 : Barbara-Fairouz avec Daniel Mille à la direction musicale.

PERCUSSIONS ORIENTALES
16 au 22 avril 2026
AMMAN – JORDANIE

En partenariat avec Crescendo Music & Art Academy

En parallèle, se tiendront également des master-classes autonomes :
– Chant Oriental // Dorsaf HAMDANI
– Oud Oriental // Ahmad AL KHATIB
Ces master-classes se dérouleront simultanément à la formation en Percussions Orientales.
==> Une restitution finale réunissant les trois master-classes est envisagée en clôture de la formation.

OBJECTIFS

• Développer ses compétences par l’analyse des notions théoriques et pratiques
• Améliorer sa connaissance musicale et sa technique instrumentale
• Développer sa capacité d’analyse et d’écoute
• Élargir sa pratique du répertoire rythmique arabe classique et moderne par les différents de jeux

Programme complet en cours d’élaboration

CONTENU PÉDAGOGIQUE

Il s’agit ainsi d’un mode d’enseignement novateur, qui s’articulera en suivant 3 méthodes pédagogiques :

• Réaliser de nombreux exercices qui contribuent à développer l’expression motrice et à développer la technique nécessaire au jeu des rythmes et de leur vocabulaire et leurs variations.
• Les sessions pour développer les modes d’interprétations et d’improvisations.
• Les sessions pour la mise en pratique des acquis sur chaque fin de journée.

PROGRAMME

Les partitions vous seront adressées à réception de votre inscription.

• Rythmes de base nécessaires pour composer tous les rythmes, quel que soit leur métrique (les rythmes à deux et trois unités – actifs, semi-actifs, non-actifs).
• Rythmes binaires 4/8: sous-divisé 2+2. Ayub, Karachi, Malfouf… sous-divisé 2+2.
• Rythmes binaires: 8/8: Massmoudi 2+2+ 2+2, Qataqoufti  3+2+3, Wihdeh Kabirah 3+3+2
• Rythmes binaires 6/8: Darej khaliji, Darej masri,, Qantara sous-divisé 2+2+2 et Mizan al darj, Okruk et York Samai sous-divisé 3+3.
• Rythmes impaires en 5/8: Thouraya 2+3 et 3+2.
• Rythmes impaires en 7/8: Dawer Hindi sous-divisé 3+2+2 et 7/16: Mandira sous-divisé 2+2+3, puis 2+3+2 et 3+2+2.
• Rythmes impaires en 9/8: Aqssaq sous-divisé 2+2+2+3, 2+2+3+2,  2+3+2+2, 3+2+2+2
• Rythme impaire Samai Thakqeel 10/8: sous-divisé 3+2+3+2
• Rythme impaire Georgina 10/16 sous-divisé 3+2+2+3

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Chaque participant viendra, si possible un instrument de percussion orientale (riqq, daf, darbouka…). Si nécessaire des instruments de percussion peuvent être fournis par l’organisation.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
• Date limite de demande de prise en charge : 12/03/2026 •
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BIOGRAPHIE

EXTRAITS VIDÉOS

L’Art du Makam et l’éveil de la créativité modale
20 au 24 avril 2026
AUBAGNE

En partenariat avec Labyrinth

DESCRIPTIF

Le Makam est un concept souvent mal compris, notamment en Occident, où il est généralement réduit à un simple système de gammes. En réalité, les makams vont bien au-delà de cette conception. Ils ne se limitent pas à des structures de gammes, mais représentent avant tout un ensemble de motifs mélodiques très spécifiques, mais également d’une grande flexibilité. Ces motifs s’articulent les uns aux autres selon l’étendue et les possibilités créatives de chaque musicien.

Chaque makam possède un ensemble de compositions dites « caractéristiques » qui dévoilent son comportement et son essence dans leur intégralité. C’est à travers l’étude de ces compositions qu’un musicien en herbe peut développer un répertoire solide et cohérent de phrases mélodiques. Ce répertoire lui servira ensuite de base pour ses explorations créatives, que ce soit dans l’improvisation ou la composition.

Au cours de cette master-class, des partitions seront utilisées dans la notation spécifique de la musique turque (système Ezgi/Arel/Yekta), plus précisément en accord de Mansur (sans transposition). Cette approche permettra aux participants d’appréhender pleinement la richesse et la complexité du Makam.

OBJECTIF

Le concept et la pratique du makam se retrouvent à travers une vaste région du monde, s’étendant du nord-ouest de l’Afrique jusqu’aux confins occidentaux de la Chine (région du Xinjiang), couvrant presque tout l’espace intermédiaire. Bien que chaque tradition régionale présente une multitude de variations, déviations et pratiques idiomatiques uniques, l’idée fondamentale de l’importance des unités de phrasé reste au cœur de toutes ces traditions. Cette master-class se concentrera principalement sur le système du makam tel qu’il est pratiqué dans la musique ottomane et la musique turque contemporaine.

En plus de l’étude des phrases mélodiques telles qu’elles apparaissent dans des compositions historiques spécifiques, nous explorerons également comment les musiciens actuels peuvent travailler avec les makams pour enrichir leur créativité, améliorer leurs compétences en improvisation, et diversifier leur approche de la composition.

CONTENU PÉDAGOGIQUE

THÉORIE
En fonction du niveau des étudiants, Ross DALY pourra couvrir un nombre plus ou moins important de Makams. Il se concentrera d’abord sur les Makams de base (tels que Hicaz, Rast, Uşşak, etc.) mais il donnera également des exemples de construction et d’utilisation de Makams composés.

RYTHME
Dans ce séminaire, sera mentionné l’importance de l’usul dans la construction de la mélodie (en particulier dans les peşrevs), et quelques exemples seront donnés (devri kebir, muhammes, aksak semai, etc.), mais l’accent principal sera mis sur le makam.

RÉPERTOIRE
Seront utilisés comme exemples, des compositions de divers compositeurs de différentes époques de la musique ottomane. Abdul Qadir Meraghi, Gazi Giray Han, Neyzen Salih Dede, Neyzen Yusuf Paşa, Kemani Tatyos ef., Lavtaci Anton, Tanburi Cemil Bey, Neyzen Aziz Dede, İsmail Dede ef. etc…
Seront également utilisés des şehirsel que Ross DALY a lui-même composés spécifiquement pour démontrer les caractéristiques de certains makams.

Entre deux et un mois avant la masterclass seront envoyés des partitions de pièces que Ross DALY considère comme essentielles.

IMPROVISATION
L’improvisation dans les makams est un processus d’accompagnement individuel, ce n’est pas un processus « à taille unique », il est donc très difficile de spécifier exactement ce qui sera fait en termes d’accompagnement des étudiants dans Taksim – qui est le type d’improvisation que l’on trouve principalement dans cette musique. Cela dépendra du nombre et des niveaux respectifs des étudiants. L’accompagnement de l’improvisation est un processus très interactif. Sans connaître les élèves concernés, il ne sera pas possible de prédire l’approche exacte que le professeur trouvera adaptée à chacun. C’est pourquoi les coordonnées des étudiants seront communiquées à Ross DALY avant la masterclass. Une lettre de motivation ou un CV, en anglais, est également demandé aux étudiants et doit être envoyé à contact@iimm.fr avant la masterclass.

CONDITIONS DE PARTICIPATION
Les étudiants doivent avoir au moins un niveau moyen sur un instrument approprié (capable de rendre les intervalles microtonaux inhérents au makam turc), ainsi qu’un niveau de base de lecture à vue de partitions d’une seule ligne. Le séminaire se déroulera en anglais.

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 19/03/2026 •
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BIOGRAPHIE

Bien des années avant l’apparition de ce que nous appelons les « musiques du monde », certaines personnes avaient déjà compris l’immense valeur et la grande variété des diverses traditions musicales du monde et avaient consacré leur vie à leur étude. L’une de ces personnes est Ross Daly.

Bien que d’origine irlandaise, Ross Daly ne correspond pas vraiment à un stéréotype ethnique particulier, étant donné que sa vie s’est déroulée dans de nombreuses régions du monde et qu’il vit depuis 35 ans sur l’île de Crète, en Grèce. Ross Daly a découvert très tôt que la musique était, selon ses propres termes, « le langage de mon dialogue avec ce que je perçois comme sacré ».

Ce dialogue l’a conduit aux grandes traditions modales du Moyen-Orient, de l’Asie centrale et du sous-continent indien, où il a enfin trouvé les archétypes musicaux qu’il avait recherchés toute sa vie. Dans ces traditions, il a rencontré une musique qui n’était pas simplement un véhicule d’expression personnelle, mais qui était capable d’emmener quelqu’un au-delà de ce qu’il percevait normalement comme les frontières de son propre moi, dans d’autres domaines d’expérience transpersonnelle.

Cette découverte a tout changé dans la vie de Ross Daly, qui a abandonné toute autre activité pour se consacrer à l’étude des secrets les plus intimes de ces traditions musicales et à l’art de la composition. Il a ensuite beaucoup voyagé, étudiant auprès des plus grands maîtres des traditions modales du monde. Depuis 1975, il est établi sur l’île de Crète, où il est universellement reconnu comme l’un des plus grands experts de la riche tradition musicale de l’île.

Il est aussi particulièrement connu et respecté pour sa capacité à réunir des artistes de traditions différentes et apparemment sans rapport dans des collaborations d’une qualité et d’une profondeur uniques. En 1982, il a créé le Labyrinth Musical Workshop, aujourd’hui situé dans le village de Houdetsi, à 20 km au sud de la capitale Herakleion.

Après de nombreuses années de formation intensive dans diverses traditions musicales, Ross Daly s’est tourné vers la composition en s’appuyant sur toutes les connaissances qu’il a acquises au cours de ses longs apprentissages. Aujourd’hui, il a publié plus de trente-huit albums de ses propres compositions ainsi que de ses propres arrangements de mélodies traditionnelles qu’il a recueillies au cours de ses voyages. L’île de Crète, en Grèce, constitue toujours une base pour ses recherches personnelles et musicales, alors qu’il continue à voyager à travers le monde pour présenter sa musique.

Ross Daly s’est produit dans de nombreuses salles et festivals importants tels que : Carnegie Hall (2015), Migration Festival, Taipei, Taiwan (2006), International Lute Festival, Tetouan, Maroc (2006), Madrid Summer Festival, Sabatini Gardens, Espagne (2006), International Festival, Warsaw, Pologne (2006), Manresa Festival, Barcelona, Espagne (2006), Athens Concert Hall (1993, 2006), National Concert Hall, Dublin, et bien d’autres.

Au cours de l’été 2004, il a été directeur artistique du programme culturel des Jeux olympiques pour la ville olympique d’Héraklion, sur l’île de Crète, intitulé « Crete, Music Crossroads » (Crète, carrefour de la musique). Il a organisé et supervisé artistiquement 15 concerts avec la participation de 300 musiciens du monde entier. Parmi eux, des musiciens de renommée internationale tels que : Jordi Savall, Eduardo Niebla, Huun Huur Tu, Habil Aliev, Dhoad Gypsies of Rajasthan, Mohammad Rahim Khushnawaz, Trio Chemirani, Adel Salameh et bien d’autres. Aujourd’hui, Ross Daly continue de voyager et de se produire en Grèce et à l’étranger, tout en dirigeant l’atelier musical « Labyrinth » dans le village de Houdetsi, en Crète.

EXTRAIT VIDEO

Polyphonies et polyrythmies bulgares
20 au 24 avril 2026
AUBAGNE

OBJECTIF GÉNÉRAL 

Ce programme de formation est conçu pour plonger les participants dans la riche tradition du chant folklorique bulgare. Sous la direction de Milena JELIAZKOVA, le cours propose des pistes d’exploration et des clés de compréhension des éléments uniques de la musique traditionnelle bulgare, en mettant l’accent sur la complexité rythmique, les styles régionaux et les structures modales. Les participants auront une bonne image d’ensemble de ce patrimoine culturel à travers une approche structurée et progressive.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
• Date limite de demande de prise en charge : 19/03/2026 •
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OBJECTIFS FINAUX

• Maîtrise des rythmes impairs :
  Les participants développeront une solide compréhension des rythmes irréguliers (mesures impaires) distinctifs présents dans la musique bulgare, tels que le 5/8, 7/8 et 9/8, qui sont au cœur du genre. Cela inclut l’apprentissage de l’identification, du décompte et de l’exécution précise de ces rythmes, car ils constituent la base de la musique folklorique bulgare.
• Introduction à la modalité bulgare :
  Le cours initiera les participants aux différents modes (gammes) utilisés dans la musique traditionnelle bulgare, diatoniques et chromatiques. La compréhension de ces modes améliorera la capacité des participants à interpréter et à exécuter les chansons avec une compréhension des précisions stylistiques. 
• Reconnaissance des styles régionaux :
  Chaque région possède des caractéristiques uniques en termes de rythme, de technique vocale et d’instrumentation. La maîtrise de ces distinctions est essentielle pour comprendre la diversité et la richesse des traditions musicales bulgares. Lors de cette masterclass, différents éclairages seront donnés sur les styles régionaux.  
• Techniques vocales et ornementation :
  Grâce à une pratique active, les participants affineront leurs techniques vocales spécifiques au chant folklorique bulgare, y compris la respiration diaphragmatique, la projection puissante et l’utilisation d’ornementations complexes (mélismes). Ces compétences sont indispensables pour reproduire avec précision l’intensité émotionnelle et l’énergie typiques des chansons folkloriques bulgares.
• Contexte culturel et historique :
  Le cours offrira un aperçu historique et culturel de la musique folklorique bulgare, en partant de ses racines, sa signification et son évolution au sein de la société bulgare. Cette compréhension contextuelle enrichira l’interprétation des participants et renforcera leur connexion avec les chants interprétés.
• Improvisation et interprétation :
  Les participants seront encouragés à expérimenter l’improvisation dans le cadre des structures modales et des schémas rythmiques de la musique bulgare. Cela favorisera la créativité et l’expression personnelle tout en respectant les formes et styles traditionnels du genre.
• Initiation au travail de groupe : la notion même de « polyphonie » invite à une plus grande écoute à l’Autre, mais également à une prise de conscience de soi au sein d’un ensemble de personnes chantantes. Ainsi, chanter des polyphonies (bulgares ou autres) devient synonyme de travail d’équipe – travail qui appelle le plaisir sonore, le plaisir d’être ensemble, de créer du son ensemble, de faire sens ensemble. Interpréter des chants polyphoniques signifie accepter sa propre voix (voie) au sein du groupe, mais aussi l’harmoniser avec celles des autres, et créer ainsi ensemble une unité à partir des différences de chacun.

À la fin de cette Masterclass, les participants repartiront avec de très solides pistes de travail individuel, une meilleure technique du placement bulgare, des outils pour exercer correctement les rythmes et les modes chez eux. Ils auront acquis une bonne compréhension des monodies et polyphonies bulgares, du contexte historique et socio-culturel dans lequel ces chants ont évolué et continuent d’évoluer, et pourront envisager plus en avant leur engagement professionnel dans le domaine de cette musique ancestrale.

RÉPERTOIRES ET THÉMATIQUE

Dans cette master-class inédite, Milena JELIAZKOVA vous propose d’aborder les chants polyphoniques bulgares, profanes et sacrés, qui ont traversé les siècles en sauvegardant leur originalité. Largement diffusés en France depuis une trentaine d’années, ils restent cependant énigmatiques pour les oreilles occidentales.

La musique populaire et traditionnelle dissonante caractéristique des chants profanes bulgares, qui se sont transmis oralement pendant les siècles, continue de toucher tous les publics grâce à sa forte charge émotive. Les chants liturgiques en slavon bouleversent également les interprètes, mais d’une autre manière, et l’enthousiasme communicatif de ces deux types de chants bulgares incite de plus en plus d’auditeurs amateurs, mais aussi d’étudiants pratiquant le chant et souhaitant enrichir leurs connaissances musicales ainsi que leurs professeurs, à franchir le pas vers l’interprétation.

CONTENU GÉNÉRAL

• Échauffement corporel : Mise en accord, préparation du corps pour trouver les résonances, gestion du souffle, détente et disponibilité, verticalité et horizontalité, ancrage au sol, écoute intérieure, concentration, énergie
• Exploration des timbres : Placement de la voix (spécificités selon les hauteurs), gestion du son, travail sur les voyelles, articulation, voix parlée et chantée
• Approche polyphonique :Travail sur les intervalles modaux et les accords, gestion de la « gêne »
• Initiation aux rythmes impairs : Gestion du souffle et spécificités
• L’ornementation (en chant libre en en rythme impair)
• L’interprétation : Travail sur l’expression vocale conciliant technicité et identité artistique, exercices d’improvisation, exploration des divers registres émotionnels (mémoire affective) et des intentions vocales, immédiateté des perceptions et relation à soi, travail du texte, exploration des sensations et de l’imaginaire afin de servir l’interprétation
• Le rôle du corps : Mise en espace et mise en situation scénique, exploration du « lâcher-prise » – ne plus essayer de « bien faire » mais se « laisser faire ». *Techniques plus ou moins développées en fonction de la durée du stage et du niveau des stagiaires.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

La master-class est ouverte aux chanteurs débutants et confirmés, la bonne oreille et la justesse chantée sont néanmoins indispensables.

BIOGRAPHIE

Bulgare et citoyenne française, Milena JELIAZKOVA commence ses études de piano et de chant à l’âge de six ans auprès de Kristina Boeva, professeur émérite de l’Académie des Arts Musicaux de Plovdiv. Parallèlement elle suit des cours de chants et danses traditionnelles bulgares avec sa mère, chanteuse et danseuse dans « Ensemble Trakiya ». Après huit ans de formation à la fois classique et traditionnelle dans son pays, elle s’est investie, en France, avec BALKANES, quatuor de polyphonies bulgares a cappella, dans le chant traditionnel bulgare et l’univers des chants sacrés slavons et byzantins. Milena chante depuis 1997 au sein de cet ensemble féminin a cappella qui se produit en France, Suisse, Italie, Bulgarie, Tunisie, Allemagne, USA…

Ses goûts musicaux éclectiques l’ont amenée à s’intéresser de plus en plus aux chants traditionnels du monde en général et aux techniques de chant diverses qui s’y attachent.

En 2006, elle crée avec Jean-Pierre Caporossi et Tony Canton le projet KËF – élektro Balkans. Milena chante également depuis 15 ans dans la Cie Henri AGNEL, qui explore les répertoires méditerranéens médiévaux et contemporains et avec laquelle elle tourne en France et à l’étranger.

En 2017, elle co-fonde le SIBYLLES TRIO avec Françoise ATLAN et Milena ROUDEVA, et en 2019 « MUSTAAR » duo de voix et percussions, avec Malik ADDA. Cette même année, elle est choisie par Simon-Pierre BESTION, fondateur et directeur artistique de la Cie LA TEMPÊTE, comme soliste en chant traditionnel pour sa création « Prophète(s)/Jérusalem » commanditée par le Festival de Saint-Denis et la Basilique de Vézelay.

En 2020, le quatuor BALKANES dont elle est le moteur est choisi par ANDRÉ MANOUKIAN pour chanter sur le nouveau CD du célèbre jazzman et pour se produire avec lui en tournée à partir de 2022.

En février 2021 naît le DUO SOURCIÈRES, chants de femmes d’Orient et d’Occident, avec Els JANSSENS-VANMUNSTER, chanteuse et directrice artistique de l’Ensemble MORA VOCIS.

Milena compose et réalise des arrangements pour tous ces ensembles, co-anime de stages vocaux à destination de tous les publics en France, Italie et Suisse, enseigne le chant bulgare à l’Institut International des Musiques du Monde (iimm.fr) et propose du coaching vocal et scénique aux chanteurs débutants et confirmés (diplômée d’Harmoniques, Paris.). Elle intervient également comme pédagogue en chants bulgares à la Philharmonie de Paris.

Discographie :                                            Publications :
BALKANES « Ochté », 2003                     « La Bulgare », roman, Hello Editions, 2022BALKANES « Kœsmet », 2012
Cie HENRI AGNEL « Los Kaminos », 2014
BALKANES « Séfarades », 2016
A. MANOUKIAN « Anouch », 2022

 Balkanes
 Balkanes
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milenajeliazkova.com

Diversité du khöömii : pratiques féminine et masculine du chant diphonique mongol
22 au 26 avril 2026
AUBAGNE

LE CONTENU PÉDAGOGIQUE SERA COMMUNIQUÉ ULTÉRIEUREMENT

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DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 21/03/2026
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Monodies et polyphonies médiévales : Hildegard von Bingen (1098-1179) et Manuscrit de Las Huelgas (XIIIe siècle)

14 AU 17 MAI 2026

OBJECTIF

• Invitation à partir sur les traces d’une musique d’antan avec un regard d’aujourd’hui.
• Apprentissage de monodies de Hildegard von Bingen (1098-1179) et du manuscrit de Las Huelgas (XIIIe siècle) dans toutes leurs diversités textuelles et mélodiques
• Apprentissage de polyphonies du Manuscrit de Las Huelgas
• Initiation aux « neumes » et autres écritures musicales du Moyen Âge
• Initiation au tempérament pythagoricien

 RÉPERTOIRE

• Visionnaire légendaire, Hildegard von Bingen est l’une des rares femmes de toute l’histoire de la musique ayant laissé autant d’écrits sur des sujets très variés. Les monodies, en latin, de cette abbesse hors du commun sont des chants poétiques inspirés de ses visions solitaires et de véritables hymnes à la vie, à l’amour, à la fécondité et à la femme. Elles nous renseignent sur la tradition du chant savant et nous montrent la richesse d’une pratique vocale liturgique que l’on associe communément aux voix masculines.
• Le monastère de Las Huelgas à Burgos en Espagne était et est toujours un monastère de femmes. Le manuscrit dit ‘de Las Huelgas’ contient des monodies et polyphonies majoritairement dans le style de l’École de Notre Dame. Si on retrouve plusieurs chants dans d’autres sources, certaines sont des pièces uniques.

CONTENU GÉNÉRAL

• Préparation corporelle du chanteur et mise en voix
• Transmission orale : apprentissage par écoute et imitation (sans partitions)
• Travail d’écoute et de justesse harmonique, recherche de timbres
• Travail de dynamique du souffle, sons tenus et mélisme
• Recherche d’interprétation des textes (e.a. parlé/chanté)
• Initiation aux écritures médiévales

HORAIRES :
10h00 – 13h00 & 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Adolescents et adultes, femmes et hommes, de tout niveau, aucune connaissance préalable exigée.
• Ce stage s’adaptera aux aptitudes de tout le monde, que vous débutez ou que vous ayez une certaine habitude du chant voire du chant médiéval.
  La méthode d’enseignement se prête à mélanger les niveaux dans un seul groupe tout en gardant une approche individualisée.

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• Date limite de demande de prise en charge : 10/04/2026 •
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BIOGRAPHIE

Après un diplôme en Orthophonie, la chanteuse Els Janssens poursuit sa formation musicale au Jazzstudio d’Anvers (B), puis en chant classique aux Conservatoires d’Anvers (B) et Liège (B). Ensuite elle part se spécialiser en musique baroque et renaissance au Conservatoire de Toulouse et en musique médiévale à la Schola Cantorum Basiliensis (CH).

Aujourd’hui, Els Janssens mène une carrière internationale, s’aventurant avec enthousiasme dans douze siècles de musique dite « classique ». Avec Mora Vocis, dont elle assure la direction artistique depuis 2011, Els Janssens conçoit des concerts et des spectacles de musique médiévale et contemporaine, en y mêlant parfois du cirque, du théâtre, de la vidéo, de la danse, donnant ainsi un place importante au corps comme instrument et prolongation de la voix.

De nombreux enregistrements audio et vidéo (et leurs récompenses) témoignent des collaborations avec des musiciens de grande renommée (Ensemble Leones, Mora Vocis, Ensemble Dialogos, Solistes XXI, Oensemble recherche, Ensemble Meitar…). Els Janssens donner une place importante à la création et le travail en direct avec des compositrices et compositeurs de notre temps. Dans cette même lumière, l’improvisation regagne du terrain grâce aux rencontres diverses avec des artistes de pays et de styles très variés.

Parallèlement à sa carrière de chanteuse-interprète polyglotte, Els Janssens enseigne le chant et la présence scénique sous forme de stage ou de master class. Elle intervient également auprès de différents artistes et ensembles en tant que conseillère musicale, linguistique et scénique.

Photo ©François MARIOTTI

Violon arabo-oriental : improvisation et composition collective
8 AU 12 JUIN 2026
AUBAGNE

CONTEXTE

OBJECTIF

• Assimiler et reconnaître les principaux maqâms de la musique arabe
• Construire et Développer un discours musical cohérent à travers l’improvisation.-
• S’initier aux micro-intervalles-
• Aborder les principales techniques ornementales du violon arabo-oriental avec une mise en contexte pour chaque zone géographique étudié.-
• Stimuler la partition intérieure en optimisant l’écoute et en poussant les limites de la mémoire.
• Mettre en application les bases de la polyrythmie en stabilisant l’horloge interne.
• Percevoir les phénomènes de Tension/Détente rapportés aux maqâms.
• Développer des stratégies d’exploration musicale individualisées selon le Background de chaque candidat.

KANOUN #4 – Cours sur mesure selon LE niveau
3 au 5 JUILLET 2026
AUBAGNE

Possibilité de mise à disposition de Kanoun

OBJECTIF

• Initiation à la pratique du Kanoun
• Découverte et/ou approfondissement de la connaissance de la musique traditionnelle arménienne
• Apprentissage de chants, airs de danse et rythmes populaires.

CONTENU GÉNÉRAL

• Travail sur la base de techniques du jeu
• Apprentissage de pièces issues du répertoire traditionnel arménien (Komitas…) à l’oreille ou avec des partitions simples
• Écoute et analyse d’extraits sonores venant illustrer la part de l’oralité et de l’écriture dans la musique traditionnelle arménienne.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Formation ouverte à tous (si possible venir avec son instrument : tous types de kanoun (arménien, turc, arabe, grec)).
• Possibilité d’accueillir chanteurs et musiciens de tout horizon et de tout niveau souhaitant se former à la musique arménienne, dans la limite des places disponibles.

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 02/06/2026
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EXTRAIT VIDÉO

BIOGRAPHIE

Meri Vardanyan est une joueuse de kanoun née en Arménie en 1980.

Elle débute le Kanon à l’âge de sept ans. Diplômée du conservatoire supérieur d’Erevan en Kanon et en direction, elle fait partie des meilleures joueuses arméniennes de sa génération.

Soliste dans l’Ensemble traditionnelle d’Etat, l’ensemble Ochagan (Musique médiévale arménienne) et The Gurdjieff folk instruments ensemble, elle participe à de nombreux concerts et festivals à travers le monde (Estonie, Portugal, France, Allemagne, Pays-Bas, Liban, Belgique, Russie, Géorgie… ).

En 2009 elle s’installe à Lyon (France) où elle poursuit ses études en musicologie et obtient un Master 2 à l’université Lumière Lyon 2 tout en continuant à exercer sa carrière professionnelle. Elle collabore depuis avec Khaled Arman, Vittorio Ghielmi, l’ensemble Goussan, The Gurdjieff ensemble avec qui elle enregistre deux albums au sein du label ECM, Maria Farantouri autour d’un projet « Beyond The Borders » ECM 2019.

Outils pour la création dans le cadre des musiques modales, de A à Z
7 au 11 juillet 2026
CRÈTE

En partenariat avec Labyrinth

Programme à venir
Plus d’information : contact@iimm.fr

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 06/06/2026
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« Jakbeop (作法) » ou la Danse du papillon
Rituel Boudhiste – COREE DU SUD

Dates communiquées ultérieurement
AIX-EN-PROVENCE

CONTEXTE

Le Yeongsanjae est un rituel bouddhiste coréen d’une grande importance, destiné à honorer et à libérer les âmes des défunts en leur permettant de sortir du cycle des renaissances (samsara) pour atteindre le nirvana. Ce rituel trouve ses origines dans la prédication du Bouddha Shakyamuni sur la montagne sacrée de Vulture Peak (Yeongchuksan), d’où il tire son nom. Le Yeongsanjae comprend plusieurs étapes cérémonielles, telles que des chants rituels (Beompae), des prières, des offrandes de nourriture et des danses sacrées, dont la célèbre danse du papillon (Nabi Chum) et le Bara Chum. Ces danses symbolisent le processus de libération spirituelle et la diffusion du Dharma, la loi bouddhiste. Le rituel se déroule dans un cadre solennel et s’adresse non seulement aux défunts, mais aussi aux vivants, leur permettant de méditer sur les enseignements du Bouddha, la vie, et la mort.

Le Yeongsanjae est reconnu comme un patrimoine culturel immatériel de l’humanité par l’UNESCO depuis 2009, en raison de sa grande valeur spirituelle, artistique et culturelle dans la tradition bouddhiste coréenne.

PRESENTATION DE LA DANSE DU PAPILLON (NABI CHUM)

Le Nabi Chum (나비춤), ou danse du papillon, est une danse rituelle bouddhiste coréenne exécutée principalement lors de cérémonies religieuses comme le Yeongsanjae. C’est l’une des danses les plus emblématiques et spirituellement significatives du bouddhisme coréen.

Signification symbolique :
Le Nabi Chum imite les mouvements gracieux d’un papillon, un symbole de transformation et de libération spirituelle dans de nombreuses cultures, y compris le bouddhisme. Dans ce contexte, le papillon représente l’âme se détachant des contraintes terrestres pour s’élever vers un état d’illumination et de paix spirituelle, soit le nirvana. Cette danse est donc perçue comme une métaphore du passage de l’âme des défunts du monde matériel vers le monde spirituel.

Caractéristiques de la danse :
– Mouvements lents et gracieux : Les danseurs, souvent des moines ou des nonnes bouddhistes, réalisent des mouvements fluides et contrôlés, évoquant la légèreté d’un papillon en vol. Ces mouvements sont dépourvus de toute précipitation, symbolisant la sérénité et la paix.
– Costume : Les danseurs portent des robes traditionnelles (jangsam), souvent blanches ou dans des couleurs douces, symbolisant la pureté et la spiritualité.
– Cadre rituel : Le Nabi Chum n’est pas une simple performance artistique. Elle fait partie intégrante du rituel religieux, où elle est perçue comme une offrande spirituelle à Bouddha. Elle se déroule en général dans un environnement sacré, et les danseurs effectuent leurs mouvements avec une profonde concentration, en accord avec la solennité du moment.

Rôle dans les rituels :
Le Nabi Chum est exécuté pour aider à purifier l’espace sacré et à guider les âmes des défunts vers l’illumination. Les mouvements de la danse, associés à des chants bouddhistes (Beompae) et à d’autres rituels, participent à la création d’un environnement harmonieux propice à la prière et à la méditation.

En résumé, le Nabi Chum est bien plus qu’une danse, c’est un acte de prière en mouvement qui incarne la libération spirituelle et la recherche d’harmonie entre le corps et l’esprit dans le cadre des rituels bouddhistes coréens.

OBJECTIF

L’objectif de cette master-class est de s’initier à ses gestes mesurés et maîtrisés revêtant une signification religieuse profonde, incarnant à la fois solennité et harmonie, et créant ainsi une esthétique empreinte de gravité et de grâce. Cette danse s’inspire des cinq éléments de la nature brahmanique énoncés dans le Jang-A-Hamgyeong, à savoir la rectitude, l’élégance, la clarté, la profondeur et l’ampleur. Tour à tour nous aborderons les mouvements rituels du Jakbeopmu, notamment 

• Jeongjik symbolise l’intégrité et le redressement du corps, exprimant la droiture spirituelle.
• Hwa-a fait référence à des gestes harmonieux et élégants, qui manifestent la beauté intérieure du rituel.
• Cheoncheol évoque des mouvements simples, purs et non ornés, représentant la clarté spirituelle.
• Simman désigne des mouvements profonds et complets, traduisant l’intensité et la plénitude des intentions religieuses.
• Jupyeon-wonmun symbolise l’ouverture et l’ampleur des mouvements, représentant la vaste portée du Dharma bouddhique.

La danse du papillon symbolise la loi bouddhique à travers ses actions et ses mouvements. On peut donc dire qu’il s’agit de la danse la plus importante parmi les danses rituelles bouddhistes.

CONTENU PEDAGOGIQUE

1 – Durant cette master-class, les participants exploreront diverses méthodes et chorégraphies traditionnelles bouddhistes, chacune portant une signification spirituelle et artistique profonde. Parmi les pratiques abordées, nous étudierons :

• La méthode de composition du verset Dojang : Exploration des gestes liés à l’espace sacré, symbolisant l’établissement du lieu rituel.
• La méthode de composition du verset du Thé : Gestes raffinés accompagnant l’offrande du thé, symbole de purification et de méditation.
• La méthode de composition des Quatre Directions du Corps : Une danse représentant l’unité du corps et de l’esprit en harmonisant les quatre points cardinaux.
• La méthode de composition du verset Jeongrye : Mouvement associé à la récitation d’un verset rituel, illustrant la dévotion et la concentration.
• La méthode de composition du verset de la Fleur d’Encens : Gestes élégants incarnant l’offrande d’encens, symbolisant la purification de l’esprit.
• La méthode de composition du verset Unsim : Technique centrée sur la conscience intérieure et l’harmonie avec soi-même.
• La méthode de composition de l’Enfer de la Souffrance : Danse symbolique illustrant la souffrance et le chemin de la libération spirituelle.
• La méthode de prise de refuge dans Bouddha : Mouvements représentant l’engagement spirituel et la recherche de guidance auprès du Bouddha.
• La méthode de prise de mandala : Gestes rituels alignés sur la création d’un mandala, symbole de l’univers et de l’éveil.
• La méthode de prise de sutras : Danse accompagnant la récitation des textes sacrés bouddhistes, vecteurs de sagesse.
• La méthode de prise de refuge dans les Trois Joyaux : Une pratique gestuelle symbolisant la dévotion envers le Bouddha, le Dharma et la Sangha.
• La méthode de louange de la pivoine : Célébration de la beauté éphémère de la vie à travers des gestes gracieux inspirés par la pivoine.
• La méthode de prise des kalpas à longue distance : Mouvement symbolisant l’éternité du temps et la patience dans le chemin spirituel.
• La méthode de prise des cinq offrandes : Exploration des gestes liés aux cinq offrandes principales, symbolisant la générosité et la gratitude.

Ces méthodes mettent en lumière les danses rituelles comme des actes spirituels profonds, alliant mouvement, méditation et prière. Chaque méthode étudiée dans cette master-class permettra aux participants d’appréhender les subtilités de la danse bouddhiste et d’en saisir toute la portée philosophique et spirituelle.

2 – Cette formation s’accompagnera par des chants bouddhistes mais également par le maniement des éléments :
– Le Taejing (태징) : Un grand gong en métal utilisé dans les rituels bouddhistes. Son son profond et résonant symbolise la diffusion du Dharma (les enseignements du Bouddha) à travers l’univers. Il est souvent joué pour marquer des moments importants dans la cérémonie.
– Le Moktak (목탁) : Un instrument en bois en forme de poisson ou de coquillage, utilisé pour rythmer les chants bouddhistes. Le son répétitif du moktak aide les moines et les pratiquants à se concentrer pendant les récitations et les prières.
– Le Buk (북) : Un tambour utilisé dans les rituels bouddhistes. Son battement régulier accompagne les chants et les danses rituelles, renforçant l’atmosphère méditative et sacrée.

Ces instruments jouent un rôle central dans la création d’une ambiance propice à la méditation et à la prière dans les cérémonies bouddhistes.

3 – Les mouvements suivants feront l’objet d’un enseignement approfondi :
– Les mouvements clés de la danse incluent la révérence à demi-corps et la rotation des pieds en forme de T, symbolisant respect et humilité.
– La danse se caractérise par l’absence quasi totale de mouvements rapides. Les épaules et la tête bougent à peine, conférant à la chorégraphie une grande douceur et une quiétude. Chaque geste est soigneusement exécuté dans un espace restreint (généralement limité à un pas), renforçant l’attention et le respect des danseurs. En général, la danse est interprétée par deux ou quatre personnes.
– La première étape de l’apprentissage de la danse du papillon est le Doryang Gejakbeop. Ce mouvement est fondamental, car il est souvent intégré dans la danse du papillon lors des Yojap (繞匝 : déplacement circulaire autour du Bouddha en tant que centre). Le Doryang Ge Nabi est le plus complexe et complet des mouvements de la danse du papillon. Ainsi, maîtriser cette chorégraphie permet d’aborder les autres séquences avec aisance, en suivant simplement l’ordre des mouvements.
– Le Doryang Gejakbeop comporte huit mouvements distincts, chacun ayant une signification spirituelle et symbolique profonde.

Puisque cette danse symbolise la loi bouddhique, ses costumes revêtent une signification particulière, se distinguant des autres danses. Le Jangsam (長衫) est porté sous la kasa (袈裟) et est généralement confectionné dans un tissu blanc uni. La longueur du corps et celle des manches sont identiques, tandis qu’une corde en brocart rouge, mesurant environ 2 cm de large, est attachée au centre de la ceinture. Cette corde, cousue directement sur le vêtement, est appelée « doltti ». La fente située sous l’aisselle est nommée « dang-aji ».

En déployant les pans avant du costume sur les côtés, on peut observer qu’il est divisé en huit sections, appelées « palgeumgang ». De plus, le « daeryeong » est une magnifique pièce de soie d’environ 20 cm de large, attachée à l’avant de la poitrine à l’aide d’une corde rouge. La longueur du daeryeong doit descendre des épaules jusqu’aux orteils, ajoutant grâce et majesté à l’ensemble du costume.

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Cette formation se déroulera en anglais, il est donc important de posséder une bonne maîtrise de la langue.
Prérequis : Ouverte à tous, sans limite d’âge, aucun niveau d’éducation ou d’expérience préalable requis.

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BIOGRAPHIE DE DR KANG SUN-OK

Née en 1974, Dr. Kang Sun-ok danse depuis l’âge de 9 ans. Elle a obtenu une licence en danse coréenne, puis une maîtrise en éducation physique pour les personnes en situation de handicap. Elle a ensuite décroché un doctorat en philosophie de l’éducation physique.

Ses travaux académiques, tant au niveau de son master que de son doctorat, se concentrent principalement sur l’amélioration qualitative de la vie à travers le mouvement corporel (danse) pour les personnes handicapées et les personnes âgées. Elle a enseigné pendant 12 ans à des étudiants de premier et deuxième cycles à l’Université Ewha Womans, la première université pour femmes en Asie, riche de plus de 100 ans d’histoire. Elle enseigne actuellement la psychothérapie par l’art à l’Université Shinhan en Corée.

Les personnes handicapées et les personnes âgées partagent un point commun : leurs mouvements corporels sont souvent entravés ou limités. Toutefois, ces deux groupes restent des êtres humains à part entière, membres de la même société, influencés par les environnements historiques et culturels propres à chaque contexte. Partant de cette idée, elle poursuit ses recherches et dispense des formations démontrant que les personnes handicapées et les personnes âgées peuvent bénéficier d’un traitement psychologique et physique plus efficace à travers les arts traditionnels.

En particulier, Dr. Kang explore la philosophie bouddhiste et l’art bouddhique, considérés comme les sommets de la pensée philosophique. À travers la danse bouddhiste coréenne, notamment la danse du papillon et le Bara chum, des formes d’art uniques et porteuses de valeur philosophique, elle œuvre pour élever la valeur de la vie humaine à l’échelle mondiale. Pour elle, la danse bouddhiste dépasse le simple cadre de la danse : c’est une prière profonde pour la vie et un moyen de formation personnelle permettant de mieux comprendre l’univers et soi-même.

Dr. Kang a publié environ 30 articles scientifiques et a donné de nombreuses conférences à travers le monde. Elle est également professeure invitée à l’Académie de danse de Pékin, à l’Académie des arts de Bali en Indonésie, ainsi qu’à l’Académie de chorégraphie d’Ouzbékistan. Chaque année, elle participe à 6 à 10 représentations différentes.

https://www.youtube.com/watch?v=uYUpgbKwChk

Chanter les répertoires de la tradition orale en français
DATES COMMUNIQUÉES ULTÉRIEUREMENT
AUBAGNE

Plus d’information : contact@iimm.fr

OBJECTIF

Connaître et expérimenter les bases de la modalité occidentale, outils de création, d’invention, pour harmoniser les chansons de la tradition orale en français.

• Appréhender oralement des pièces inédites du répertoire chanté de la tradition orale en français dans leurs formes monodiques.
• Émancipation de l’oreille, travail spécifique d’écoute, ouverture aux échelles dites « non tempérées »
• Mise à disposition d’une « boîte à outils » musicale pour proposer la création, l’invention d’une harmonisation respectueuse des caractéristiques particulières à cette forme musicale.
• Découvrir les principes musicaux de base de ce répertoire oral, s’ouvrir à la compréhension des autres cultures musicales du monde.

CONTENU GÉNÉRAL

S’appuyant sur ce qui fait une des grandes caractéristiques des musiques traditionnelles, la modalité, cette formation a pour buts :
• de transmettre un répertoire chanté monodique issu des traditions orales en français,

• de donner quelques outils utiles, moyens simples et en accord avec ses spécificités, afin de répondre aux questions relatives à son harmonisation,
• de créer, d’inventer des polyphonies à partir de ces outils.

Au-delà du répertoire, sont abordées les caractéristiques musicales, ornementales, et vocales, ainsi qu’une approche de l’histoire de ce champ musical.

Un temps particulier est consacré aux questions de technique vocale et respiratoire, de timbres et de pose de voix.
• Écoute de documents de terrains (collectages),
• Préparation corporelle au moyen de quelques danses en rond.

L’atelier se déroulant de façon entièrement orale, il ne nécessite aucune connaissance en lecture musicale préalable. Il est recommandé d’apporter son matériel d’enregistrement.

En savoir plus : http://www.ciebeline.com/stages/introduction-pour-qui-voudrait-commencer-a-chanter-les-repertoires-de-la-tradition-orale

CONDITIONS DE PARTICIPATION

S’adresse aux personnes de tous âges aimant chanter, débutants et confirmés, ayant une bonne oreille et une habitude de mémoriser. Instruments à bourdons bienvenus.

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Extraits audio

La jeune Sylvie

Les galants transis quoique indiscrets

Biographie

Langues modales orientales : Musique byzantine et turque
Du signe à l’interprétation vocale et/ou instrumentale
DATES COMMUNIQUÉES ULTÉRIEUREMENT
AUBAGNE

Plus d’information : contact@iimm.fr

OBJECTIFS

L’objectif de cette masterclass est de familiariser les étudiants/apprenants avec les systèmes sémiographiques musicaux modaux spécifiques à l’espace balkanique et anatolien.

CONTENU PEDAGOGIQUE

Parmi les objectifs spécifiques/dérivés figure l’étude de la sémiographie de la musique byzantine du XIXe siècle à nos jours.
Ainsi, les étudiants auront l’occasion de former leurs compétences spécifiques, par l’application des notions théoriques enseignées (dans la pratique) et la formation de compétences, par l’étude et l’analyse parallèles et comparatives entre les systèmes musicaux byzantins, turcs et ottomans. Le programme facilite également les incursions dans les systèmes sémiographiques et théoriques antérieurs au 19e siècle.

Un autre objectif dérivé vise l’étude et les manières d’utiliser les micro intervalles spécifiques à ces langages musicaux et les stratégies, respectivement l’enseignement de leurs méthodes de calcul.
En ce qui concerne la conception et la planification de cette unité d’apprentissage, le contenu de l’enseignement sera structuré de manière progressive et déductive, le dossier pédagogique contenant les éléments théoriques et pratiques spécifiques au paquet d’informations lié à chaque jour du cours.

Le processus d’enseignement et d’apprentissage sera dynamique, interactif, centré sur l’apprenant, avec une technique et une méthode didactiques comprenant une conversation heuristique, un jeu didactique et un exercice, afin de faciliter le transfert des connaissances et l’apprentissage rapide des signes graphiques et de leur rôle.

La mesure des résultats et de la pertinence de la masterclass proposée sera réalisée par l’organisation d’un concert de démonstration soutenu par les étudiants, qui interpréteront des pièces musicales/études destinées à prouver les aptitudes et les compétences acquises en participant à la masterclass/en obtenant le diplôme de cette masterclass.

Le répertoire visé comprendra des pièces musicales byzantines et turques, de niveaux de complexité débutant et intermédiaire, sélectionnées en fonction de la durée du programme, soit une masterclass de 5 jours.

HORAIRE : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

connaissance de base (théorie) d’une langue musicale (occidentale), expérience en chant vocal ou instrumental. Le cours se déroulera en anglais.

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BIOGRAPHIE

Constantin Răileanu est docteur en musique de l’Université nationale de musique de Bucarest, où il a présenté en 2014 une thèse intitulée « Diastematic paradigms in Byzantine music » (paradigmes diastématiques dans la musique byzantine). Dans cette même université, il est diplômé de deux départements majeurs – musique byzantine (2006) et direction de chœur académique (2007). Il est également titulaire d’un diplôme en histoire et philosophie des religions de la faculté de théologie orthodoxe de Bucarest (2001).

De 1998 à 2000, il travaille comme professeur de musique à Bucarest et, à partir de 2004, il mène une prodigieuse activité de formation sur le terrain, en lançant, coordonnant et soutenant des concerts- leçons, des ateliers, des camps artistiques et des classes de maître, destinés à différents groupes d’âge et à tous les niveaux de compétence et de formation musicales.

La compétence et le travail de recherche, les efforts concrets pour diffuser les résultats, l’expérience de l’enseignement, le tact pédagogique, l’approche dynamique et interactive sont les attributs qui ont conduit au succès des nombreuses activités de formation réalisées, matérialisées par l’obtention par les étudiants de résultats et de performances élevés.

Les projets CoolTrad (2024), Art Camp (2022), Dimitrie Cantemir (2019) – Grèce, Tradition et Maîtrise (2012), les cours en ligne avec des étudiants du monde entier de 2020 à aujourd’hui, etc. sont pertinents à cet égard.

VIDÉOS & ARTICLES :

https://www.facebook.com/share/p/isPDYyYR98RH5dh2/
https://www.facebook.com/share/v/NtJQRwpJs9X4duvw/
https://www.facebook.com/share/v/BpKm7NZhGHCch7Ug/
https://www.facebook.com/share/p/dkVtxNsixcFXxp7Q/
https://www.facebook.com/share/p/rHsBb2BAcFzCj6X8/

https://ziarullumina.ro/actualitate-religioasa/stiri/conferinta-despre-muzica-psaltica-la-parohia-iancu-vechi-matasari-184164.html?fbclid=IwY2xjawEZipVleHRuA2FlbQIxMQABHc-EdNei_-LTKDnCUWgVSTZeluErxdTdwjgH3g1_Qswc-jGmy6sxuglr9w_aem_cAHnfSpa2-Yvis-U8Y_MQg&sfnsn=wa

VOIX, MAQAM & IMPROVISATION DANS LE RÉPERTOIRE SYRO-MARONITE ET CLASSIQUE ORIENTAL DU LIBAN
AUBAGNE

Dates communiquées ultérieurement

Pour des informationS : contact@iimm.fr

OBJECTIFS

L’objectif principal de notre masterclass sera de savoir utiliser plusieurs formes ornementales, chanter et pratiquer tous ces éléments sur des pièces bien choisies.

CONTENU PÉDAGOGIQUE

La voix orientale : technique vocale, les ornements orientaux, le phénomène dans l’utilisation de la voix, les « ‘Orab », la « Qafla ».

Le Iqa3 oriental, c’est-à-dire les rythmes simples complexes et composés avec des chants là-dessous.

Notion du maqam, de l’improvisation, de la langue arabe et de la relation avec les fioritures ainsi que des mélodies syriaques, des chants syro-maronites.

Concernant le chant syriaque, seront étudiés plusieurs mélodies maronites, leurs maqam et la méthode à suivre pour les chanter avec des caractéristiques (soupirs, ponctuations et accents … ce chant est syllabique, prototype).

Concernant le répertoire classique oriental, des chants arabes connus seront travaillés pour approfondir la technique et la manière de les aborder.

Pendant la masterclass, un temps sera réservé aux participants pour s’entrainer sur des mélodies profanes et religieuses, leur donnant ainsi l’opportunité de corriger sur place la technique vocale utilisée.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Masterclass ouverte aux chanteurs, à partir de 16 ans, et ce, ayant déjà ou non une pratique du chant.

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BIOGRAPHIE

Ghada Shbeir est titulaire d’un doctorat en sciences musicales ainsi que d’un diplôme en chant arabe de l’Université Saint-Esprit de Kaslik.

Aujourd’hui, elle enseigne le chant arabe oriental et ses théories, ainsi que l’histoire de la musique arabe à la même université. Elle est également directrice du chœur de chant arabe oriental à l’Université Saint-Esprit de Kaslik.

En 1997, elle a remporté le premier prix du Concours de la meilleure chanson arabe en Égypte. Elle a également reçu le BBC World Music Award pour le Moyen-Orient et l’Afrique du Nord pour son CD intitulé “Mouachahat” en 2007. En plus de cela, elle a remporté le premier prix international pour l’interprétation des chants andalous (Mouachahat).

Par la suite, Ghada Shbeir a sorti plusieurs CD arabes intitulés “Qawaleb”, “Al Qasida”, “Andalusia” et de nombreux CD de chants syriaques : « Chants Syriaques », « Passion », « Chants Syriaques – Noël » et « Chants Syriaques – Vol 4 ».

Elle a récemment lancé un livre intitulé “Al Mouashahat”, un programme académique pour les étudiants en chant oriental réparti sur cinq ans.

Son deuxième livre sera bientôt publié sous le titre “Al Maqamat Al Arabiya”, un programme académique pour les étudiants en chant oriental réparti sur quatre ans.

De plus, Shbeir a mené de nombreuses recherches sur la musique arabe, notamment sur les Mouachahat, ainsi que sur la musique syriaque. En conséquence, elle a pu noter plus de 700 mélodies de chants maronites et catholiques syriaques entre 2004 et 2007.

Ghada Shbeir a voyagé dans de nombreux pays pour donner de nombreux concerts et participer à des congrès internationaux de musique en tant que conférencière et donneuse de conférences. Elle a également participé à des festivals internationaux en Europe et dans de nombreux pays à travers le monde, y compris le Liban, l’Égypte, la Grèce, la Slovaquie, la France, Londres, le Koweït, Abu Dhabi, le Canada, Bologne, le Qatar, l’Allemagne, l’Espagne, la Chine, les États-Unis, Sarajevo, la Suisse, la Jordanie, la Turquie, Oman, Bahreïn, l’Algérie, l’Azerbaïdjan, Mascate, et d’autres. Les réalisations et la carrière artistique de Ghada Shbeir comprennent :

– La composition de nombreux poèmes et mouachahats et leur interprétation lors de nombreux concerts au Liban et à l’étranger. Shbeir a composé des poèmes pour “Wallada”, “Ya telak riqqi”, “Yom l doja”, “Yakoutat al ghaymat” et un bouquet de poèmes pour Abdul Aziz Saoud Al Babtain.

– Sa participation au “Beirut Chants Festival” pendant douze années consécutives à partir de 2007.

– Sa participation à cinq émissions télévisées, dont “The Voice” lors de sa première saison en 2012, où elle a participé en tant que coach pour les candidats.

– Des conférences sur le chant arabe dans plusieurs pays, dont le Liban, Oman, Bahreïn, l’Algérie, l’Égypte et la Grèce.

– Sa participation à plusieurs pièces musicales, notamment : “La Terre de l’Immortalité” à Bahreïn en 2014 et “Ibn Battuta” à Mascate et à Milan en 2015.

– Sa participation au Festival “Al Bustan” pendant trois années consécutives : 2002, 2003 et 2004, avec des concerts de chants syriaques.

– La publication de nombreux articles éducatifs, comme un article sur Wadih El Safi publié dans le journal Al-Nahar en décembre 2013. De plus, elle a publié un article sur F. Youssef Al-Ashkar en 2012, un autre sur F. Youssef El Khoury en 2011 et un article sur les frères Rahbani en 2014.

Outils pour la création dans le cadre des musiques modales, de A à Z
17 au 21 novembre 2025
AUBAGNE

OBJECTIF

L’objectif de cette master-class est d’explorer, de manière exhaustive, toutes les phases du processus créatif d’une œuvre musicale dans le cadre de ce que l’on appelle la musique modale. Ce terme englobe une vaste famille de systèmes musicaux, présentant divers degrés de formalisation, allant de l’Afrique du Nord aux traditions modales européennes (contemporaines et médiévales), jusqu’à l’Asie centrale et au sous-continent indien, en passant par les Balkans et le Moyen-Orient.

APPRENTISSAGE DES PARAMÈTRES ESSENTIELS À LA CRÉATION 

• des facteurs organologiques à considérer lors du choix de son instrument;
• au contexte historique, social, politique, ethnique et religieux propre à chaque style abordé;
• avec un accent particulier sur la formation technique et théorique des élèves, à travers l’étude;
• des modes, de la rythmologie, et des formes compositionnelles issues des grandes traditions évoquées.

CONTENU GÉNÉRAL

Le travail collectif sera également encouragé, avec ses multiples enjeux :

• arrangements
• instrumentation
• choix de timbres
• techniques d’enregistrement en studio et son en concert, etc.
  HORAIRES : 
  10H00 – 13H00 & 14H00 – 16H00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Cette master-class s’adresse à tous les musiciens pratiquant un instrument mélodique ou de percussion et chanteurs/euses, issus de n’importe quel univers musical, disposant d’un niveau suffisant de maîtrise instrumentale.

Des notions de solfège sont recommandées.

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 16/10/2025
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BIOGRAPHIE

EFRÉN LÓPEZ

Multi-instrumentiste · Compositeur · Producteur · Ingénieur du son

Spécialisé dans la vielle à roue et les luths de la tradition médiévale européenne, de la Méditerranée orientale, du Moyen-Orient et de l’Asie centrale.

Depuis plus de 30 ans, Efrén López (València, Espagne, 1972) a participé en tant que compositeur, interprète et/ou producteur à certains des projets musicaux les plus créatifs des deux rives de la Méditerranée, du Moyen- Orient, de l’Asie et des traditions médiévales européennes: Jordi Savall & Hespèrion XXI, Ross Daly, Trio Petrakis López Chemirani, L’Ham de Foc, Stelios Petrakis, Kelly Thoma, Keyvan Chemirani, Katerina Papadopoulou, Derya Türkan, Dilek Türkan, Göksel Baktagir, Sima Bina, Zohar Fresco, Michalis Kouloumis, Azam Ali, Paloma Gutiérrez del Arroyo, Arianna Savall, Capella de Ministrers, Oni Wytars, Eléonore Fourniau, Sylvain Barou, Rocío Márquez, Carles Dénia, María del Mar Bonet, Lamia Yared, Yasamin Shahhosseini, Daud Khan, Parvathy Baul, Fernando Barroso, Germán Díaz, Ziya Tabasian, Nilgün Aksoy, Ertan Tekin, Veka Aler, Arslan Hasreti, Siamak Aghaei, Pedram Khavarzamini, Kourosh Ghazvineh, Bashir Faramarzi, E.A.R., 3,14, Elena Ledda, On, Noma Omran, Zohreh Jooya, Núria Rovira Salat, Faun, Al Firdaus, InTactvs, Eloqventia, Cabra, Armand Amar, Minco Eggersman ou Sandra Sangiao.

Avec toutes ces formations, il a offert des concerts dans des festivals les plus prestigieux d’Europe, d’Afrique du Nord, d’Amérique du Nord et du Sud, du Moyen-Orient, de Chine et du sous-continent indien, et a participé à l’enregistrement de plus de 100 CD.

Il a étudié les techniques et la théorie de divers instruments et systèmes musicaux de la Méditerranée, du Moyen-Orient et de la musique medievale avec Ross Daly, Erkan Oğur, Erol Parlak, Mehmet Erenler, Erdal Erzincan, Ömer Erdoğdular, Necati Çelik, Yurdal Tokcan, Daud Khan Sadozai, Mohammed RahimKhushnawaz, Yasamin Shahhosseini, Keyvan Chemirani, Zohar Fresco, Isabel Martín, Araz Salek, Nigel Eaton, Maurizio Martinotti, Germán Díaz et Pascal Lefevre, entre autres.En tant que professeur de musique, il a donné des ateliers sur la musique médiévale, traditionnelle, modale et l’ingénierie du son à :

Berklee Music School à Valence (Espagne)
Labyrinth Music School en Crète (Grèce)
Labyrinth Catalunya (Espagne)
Labyrinth Online
ESMUC (Barcelone, Espagne)
Ateliers d’Ethnomusicologie (Genève, Suisse)
Ruhnu Fiddle Festival (Estonie)
Fondation Royaumont (France)
École de Musique Persane (Malmö, Suède)

Photo © Jean-Christophe Ken

Cours sur mesure selon LE NIVEAU
31 octobre au 2 novembre 2025
AUBAGNE

Possibilité de mise à disposition de Kanoun

OBJECTIF

• Initiation à la pratique du Kanoun
• Découverte et/ou approfondissement de la connaissance de la musique traditionnelle arménienne
• Apprentissage de chants, airs de danse et rythmes populaires.

CONTENU GÉNÉRAL

• Travail sur la base de techniques du jeu
• Apprentissage de pièces issues du répertoire traditionnel arménien (Komitas…) à l’oreille ou avec des partitions simples
• Écoute et analyse d’extraits sonores venant illustrer la part de l’oralité et de l’écriture dans la musique traditionnelle arménienne.

HORAIRES :
10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Formation ouverte à tous (si possible venir avec son instrument : tous types de kanoun (arménien, turc, arabe, grec)).
• Possibilité d’accueillir chanteurs et musiciens de tout horizon et de tout niveau souhaitant se former à la musique arménienne, dans la limite des places disponibles.

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 30/09/2025
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EXTRAIT VIDÉO

BIOGRAPHIE

Meri Vardanyan est une joueuse de kanoun née en Arménie en 1980.

Elle débute le Kanon à l’âge de sept ans. Diplômée du conservatoire supérieur d’Erevan en Kanon et en direction, elle fait partie des meilleures joueuses arméniennes de sa génération.

Soliste dans l’Ensemble traditionnelle d’Etat, l’ensemble Ochagan (Musique médiévale arménienne) et The Gurdjieff folk instruments ensemble, elle participe à de nombreux concerts et festivals à travers le monde (Estonie, Portugal, France, Allemagne, Pays-Bas, Liban, Belgique, Russie, Géorgie… ).

En 2009 elle s’installe à Lyon (France) où elle poursuit ses études en musicologie et obtient un Master 2 à l’université Lumière Lyon 2 tout en continuant à exercer sa carrière professionnelle. Elle collabore depuis avec Khaled Arman, Vittorio Ghielmi, l’ensemble Goussan, The Gurdjieff ensemble avec qui elle enregistre deux albums au sein du label ECM, Maria Farantouri autour d’un projet « Beyond The Borders » ECM 2019.

L’ART DU CHANT DANS LA TRADITION DE LA MUSIQUE HINDUSTANI
20 au 24 octobre 2025
AUBAGNE

INTRODUCTION

Venez découvrir cette grande tradition par son approche vocale singulière, dans le genre Khayal, beauté des textes poétiques, de l’ornementation tout en mélismes, et du jeux rythmique adapté à la voix

CONTEXTE

Pour cet atelier d’initiation inédit l’IIMM et Henri Tournier invitent Madhubanti Sarkar, spécialiste du chant Khayal, à partager avec chanteuses, chanteurs et instrumentistes de tous horizons l’art du phrasé et de l’improvisation liés à son répertoire.

INSCRIVEZ-VOUS SANS PLUS TARDER
• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 19/09/2025 >> INSCRIPTION EN LIGNE <<
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CONTENU DE LA MASTER-CLASS

• Musique Hindustani – Inde du nord / musique Carnatique – Inde du sud
• Les genres principaux de la Musique classique de l’Inde du nord : Khayal, Dhrupad (classiques), Thumri, Dadra, Kajari, Ghazal, Tappa, Bhajan (semi-classiques)
• Notion de Raga – l’univers mélodique, de Tala – l’univers rythmique 
• Les 10 That, le système de classification des Raga 
• Le Tanpura : rôle de bourdon, instrument emblématique des musiques de l’Inde, point de référence indispensable pour une conscience subtile de la justesse
• Apprentissage des techniques vocales spécifiques à la musique indienne
• Pratique des Alankar, exercices d’entraînement, pratique d’exercices simples chantés en Sargam, le système des notes (Svara) de cette tradition
• Les différents type d’ornements : Mind, Andolan, Gamak, Khatka, Murki, …
• Le système de notation musicale singulier à la musique Hindustani
• L’enseignement de tradition orale : apprentissage d’une structure d’élaboration fixe d’un Alap (prélude)
• Comment improviser dans ce prélude
• Découverte des Tala (cycles rythmiques), et de leurs Theka (phrases caractéristiques)
• Apprentissage d’un Bandish (composition) dans un Tala adapté
• Découverte des différents types de textes poétiques mis en musique dans ce contexte
• Différents aspects du développement de l’improvisation, différentes techniques d’improvisation
• Organiser la structure du discours musical en Khayal

CONDITION DE PARTICIPATION

• Âge minimum : 15 ans
• Ouvert aux chanteuses, chanteurs et instrumentistes
• Niveau minimum : Bon amateurHORAIRES :
  10h00 – 13h00 & 14h00 – 16h00

BIOGRAPHIES

Madhubanti SARKAR

Issue d’une famille de musiciens de Calcutta (Inde), Madhubanti SARKAR a été initiée à la musique classique de l’Inde du Nord (style Hindustani) dès son enfance par son père, Goutam Kumar Sarkar, chanteur de Kheyal / Thumri, disciple du grand maître Pandit Jnan Prakash Ghosh. Diplômée de Sangeet Visharadh Upadhi, Madhubanti a été formé au Kheyal par M. Santanu Bandyopadhyay (célèbre maître de Vishunupur Gharana) et au genre semi-classique par Mme Dalia Rahut, digne représentante de l’Ecole de Benares Gharana. Grâce à sa formation musicale riche et diversifiée, Madhubanti maîtrise le genre classique comme le kheyal ainsi que des genres semi-classiques tels que le thumri, le dadra, le chaiti, le kajari ou le bhajan.

Actuellement installée dans la région lyonnaise, elle a effectué plusieurs tournées musicales en France, en Allemagne, au Pays Bas, en Suisse et au Maroc. Elle donne régulièrement des cours individuels. Elle a animé des ateliers de musique classique indienne à la Cité de la musique, à Marseille, dans le cadre du Festival Mehfil et aussi à l’auditorium de Lyon.

La compagnie de musique renommé de Calcutta, Bihaan Music a sortie son premier album à Calcutta en Inde en 2016. Madhubanti a interprété des chansons dans les albums suivants:

• Voyages et rencontres en Inde ([Muret]: Association internationale Enfance et découvertes,2006)
• La musique indienne: la danse du démon (Gallimard, 2010).

Chants de Grèce et d’Asie mineure
18 AU 22 octobrE 2025

OBJECTIF

Se former aux chants grecs, modes et modalités dans la musique urbaine et rurale de la Grèce et de l’Asie Mineure. Seront abordés au cours de cette master-class :

• Les techniques d’improvisation spécifiques à la musique urbaine et rurale de l’Asie Mineure
•  L’apprentissage des chansons
•  Le travail sur l’ornementation
•  L’arrangement
•  Le contexte historique et socioculturel du style

CONTENU GÉNÉRAL

• Travail de technique vocale : relaxation, respiration et gestion du souffle, échauffement vocal, placement de la voix
• Apprentissage de chants grecs (Épire, Macédoine, Thrace et Asie mineure) : chants à l’unisson ou polyphoniques, travail du bourdon
• Travail sur l’interprétation, les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation 
• Travail sur les rythmes pour le chant et la danse : écoute du rythme à travers le corps, l’oreille, la parole
• Théorie des Maqams et analyse modale

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Bonne pratique du chant et de l’instrument (pas de connaissance théorique  nécessaire)
• Ouvert aux amateurs et professionnels

HORAIRES :
10h00 – 13h00 & 14h00 – 16h00

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 17/09/2025 •
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BIOGRAPHIES

MARIA SIMOGLOU // CHANT

Chanteuse polymorphe et multi-instrumentiste, compositrice et auteur, Maria Simoglou a plus de 20 ans de présence sur la scène musicale et théâtrale internationale.

Née à Thessalonique en Grèce du nord, elle a la chance de bénéficier d’une double culture musicale, à la fois savante et populaire, grâce au berceau familial gorgé de musiques traditionnelles de Macédoine, Thrace et Asie Mineure et grâce aux études qu’elle a suivi, d’abord au Collège et Lycée musical de Thessalonique, puis au Conservatoire National d’État de Thessalonique (hautbois, ud, qanun, percussion) et enfin à l’académie musicale de Berlin « Hanns Eisler Musikhochschule » dans la branche chant/musique-théâtre auprès de Marion Lukowsky et du Pr. Magdalena Hajossyova. Elle a participé aux stages du chant, entre autres, avec Pr. Barbara Shlich, Pr. Norma Sharp, Thomas Quasthoff, René Jacobs, Spyros Sakkas, etc.

Très tôt elle collabore avec de nombreux groupes et orchestres en Grèce et à l’étranger dans le domaine de la musique traditionnelle, classique et contemporaine. Elle est régulièrement invitée à des concerts, des festivals et participe à des séminaires musicaux, notamment pour la musique du cinéma et du théâtre.

Elle se produit entre autres au Festival d’Avignon, Babel Med Music, Villa Méditerranée, Forum Barcelona, Schwarz-Weiss Festival, Bayer Kultur, Berliner Märchentage (Les jours de conte à Berlin), Deutsche Welle Konzerte, Montalbane Internationale Tage der Mittelalterlichen Musik (Journées Internationales de Musique Médiévale), Alte Musik Treff (Rencontre de la Musique Ancienne), Installation Moon Mirror de Rebecca HORN, DIMITRIA Ethno- Jazz Festival, Cité de la Musique de Marseille, Mandopolis Festival, Les Suds à Arles, Vélo Theatre, l’Abbaye de Sylvanès, Centre Pompidou, etc.

Elle intervient régulièrement à la radio et à la télévision en Grèce, Allemagne, Belgique, Suisse, Luxembourg, Pays-bas, Espagne, Angleterre, France, États-Unis, Australie etc.

Elle participe et collabore à de nombreux concerts et enregistrements aux côtés des chanteurs et musiciens de renommée internationale (Ross Daly, Spyros Sakkas, Stelios Petrakis, Efren Lopez, Maria Thoidou, Socratis Malamas, Bijan Chemirani, Patrick Vaillant, Kevin Seddiki etc.).

Depuis 2011, elle se produit avec la compagnie de théâtre « Mises en Scène » avec laquelle elle a participe à deux différents spectacles: « Bon Appétit » et « La parabole des papillons » (mises en scène de Michèle Addala / dramaturgie avec Gilles Robic).

Elle vit en France, à Marseille, depuis 2008, où elle dirige et intègre différents ensembles. Elle collabore en tant que chanteuse, musicienne ou comédienne dans des spectacles de musique, danse et théâtre traditionnelle et contemporaine.

Depuis 2008 elle donne régulièrement des Master-Classes (DROM, IIMM, FAMDT) et enseigne notamment la technique vocale et corporelle ainsi que le répertoire, l’interprétation, les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation, spécifiques aux chants grecs et d’Asie Mineure.

Discographie :

– « Kymata » – Kevin Seddiki, Maria Simoglou, Iacob Maciuca – Label : Buda Musique, 2018-
« Red » – Savvas Pavlidis – Production : Savvas Pavlidis,2018-
« Minóre Manés » -Maria Simoglou Ensemble – Label : Buda Musique, 2015-
» Panselinos  » – Kompania Massalias – Production : Panselinos / Hiphaistia – 2013-
« Il santiero »,KevinSeddiki, Label : Wildner Records, 2012-
« Tâle Yâd », OnEira 6tet, Label : Helico,2012-
« Si la Mar », OnEira 6tet, Label : Helico, 2010
– « Orion », Stelios Petrakis, Label : Seistron,2008
– « Kara Deniz- Two Steps », Savvas Pavlidis,Label:DMG Germany, 2007-
« Tis nychtas ta makria mallia »,Maria Thoidou, Sokratis Malamas , Label : Lyra, 2004-
« Kismet », Stelios Petrakis, Bijan Chemirani,Label : Buda Musique, 2004-
« Enas emfilios – To periodiko,Vol. 2 « , Dimosioypaliliko se retire,Label:Alli Poli, 2003 – « Chants et danses de la Méditerranée » – Tropos Quartett Berlin -Thessalonique – Production : Tropos Quartett, 2003.

CHANT MÉDIÉVAL
18 au 22 octobre 2025

OBJECTIF

• Invitation à partir sur les traces d’une musique d’antan avec un regard d’aujourd’hui.
• Apprentissage de monodies dans toutes leurs diversités textuelles et mélodiques
• Apprentissage de polyphonies
• Initiation aux « neumes » et autres écritures musicales du Moyen Âge
• Initiation au tempérament pythagoricien

 RÉPERTOIRE

• L’Abbaye bénédictine de Saint Martial de Limoges était le plus important lieu monastique limousin au Moyen Âge. Les principaux manuscrits médiévaux de l’École de Saint Martial contenant des polyphonies (des tropes, des séquences et les premiers organa) dans le style dit ‘de Saint Martial’ datent de la fin du XIe siècle et de la première moitié du XIIe siècle.
• Le Monastère de Las Huelgas à Burgos en Espagne était et est toujours un monastère de femmes. Le manuscrit dit ‘de Las Huelgas’ contient des monodies et polyphonies majoritairement dans le style de l’École de Notre Dame (seconde moitié du XIIe siècle et première moitié du XIIIe siècle). Si on retrouve plusieurs de ces chants dans d’autres sources, certaines sont des pièces uniques.

CONTENU GÉNÉRAL

• Préparation corporelle du chanteur et mise en voix
• Transmission orale : apprentissage par écoute et imitation (sans partitions)
• Travail d’écoute et de justesse harmonique, recherche de timbres
• Travail de dynamique du souffle, sons tenus et mélisme
• Recherche d’interprétation des textes (e.a. parlé/chanté)
• Initiation aux écritures médiévales

HORAIRES :
10h00 – 13h00 & 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

• Adolescents et adultes, femmes et hommes, de tout niveau, aucune connaissance préalable exigée.
• Ce stage s’adaptera aux aptitudes de tout le monde, que vous débutez ou que vous ayez une certaine habitude du chant voire du chant médiéval.
  La méthode d’enseignement se prête à mélanger les niveaux dans un seul groupe tout en gardant une approche individualisée.

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• Date limite de demande de prise en charge : 17/09/2025 •
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BIOGRAPHIE

Après un diplôme en Orthophonie, la chanteuse Els Janssens poursuit sa formation musicale au Jazzstudio d’Anvers (B), puis en chant classique aux Conservatoires d’Anvers (B) et Liège (B). Ensuite elle part se spécialiser en musique baroque et renaissance au Conservatoire de Toulouse et en musique médiévale à la Schola Cantorum Basiliensis (CH).

Aujourd’hui, Els Janssens mène une carrière internationale, s’aventurant avec enthousiasme dans douze siècles de musique dite « classique ». Avec Mora Vocis, dont elle assure la direction artistique depuis 2011, Els Janssens conçoit des concerts et des spectacles de musique médiévale et contemporaine, en y mêlant parfois du cirque, du théâtre, de la vidéo, de la danse, donnant ainsi un place importante au corps comme instrument et prolongation de la voix.

De nombreux enregistrements audio et vidéo (et leurs récompenses) témoignent des collaborations avec des musiciens de grande renommée (Ensemble Leones, Mora Vocis, Ensemble Dialogos, Solistes XXI, Oensemble recherche, Ensemble Meitar…). Els Janssens donner une place importante à la création et le travail en direct avec des compositrices et compositeurs de notre temps. Dans cette même lumière, l’improvisation regagne du terrain grâce aux rencontres diverses avec des artistes de pays et de styles très variés.

Parallèlement à sa carrière de chanteuse-interprète polyglotte, Els Janssens enseigne le chant et la présence scénique sous forme de stage ou de master class. Elle intervient également auprès de différents artistes et ensembles en tant que conseillère musicale, linguistique et scénique.

Photo ©François MARIOTTI

Rythmes & Improvisations dans la modalité perse et indienne 
30 septembre au 3 octobre 2025
AUBAGNE (13)

OBJECTIFS

Ce cours de pratique musicale intensif, sous forme de master-class, propose de se concentrer sur l’analyse, la création et le développement de phrases mélodico-rythmiques dans la modalité perse et indienne, en utilisant des formes et des motifs rythmiques issus de ces traditions musicales.

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• DATE LIMITE DE DEMANDE DE PRISE EN CHARGE : 29/08/2025
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CONTENU PÉDAGOGIQUE

Ces structures rythmiques seront appréhendées comme des clés pour l’improvisation et la composition.

• Comprendre et utiliser le concept de « séries » où tout en apprenant une série de rythmes, on appréhende ensemble les éléments techniques et les idées de développement qui permettent d’appréhender l’improvisation de manière à la fois rationnelle et intuitive, en travaillant sur la dynamique, les accents, les rapports de vitesse, les jeux de timbres, l’ornementation, etc., et bien sûr en conservant une grande rigueur dans la métrique.
• Acquérir des séries d’exercices permettant de jongler avec différents patterns dans toutes les métriques.
• Gagner en liberté, en plaisir, s’autonomiser, être à l’aise sur toutes les métriques (paires, impaires) et ainsi développer son propre chemin créatif et artistique.
• Mémoriser des développements rythmiques, et ainsi sentir un chemin intuitif vers l’improvisation rythmique et mélodique modale.
• Comprendre les formes de développements rythmiques dans les formes savantes des musiques persanes et du sous-continent indien (Inde du Sud et Inde du Nord), travailler sur les « breaks » de fin de cycle rythmique (les « ti-hais », les « chakrodars »), les différentes formes mathématiques de développement (réductions, changement de rapport, etc.).
• Développer les rythmes chantés de manière ludique et mnémotechnique, comme dans les bols (Inde du Nord) ou dans les konnokols (Inde du Sud) ou de manière moins formelle comme en Iran, le chant est un moyen ludique et direct d’appréhender les formes rythmiques.
• Chercher l’équilibre « détente-tonicité » dans le rapport corps-instrument.

HORAIRES : 10h00 – 13h00 // 14h00 – 16h00

CONDITIONS DE PARTICIPATION

Les étudiant·es sont invité·es à participer avec leur instrument de musique.
Il est ouvert à tous chanteurs, musiciens, mélodistes ou percussionnistes, issus de toutes les cultures musicales (musique classique, ancienne, jazz, musiques du monde…) et de niveau moyen ou confirmé.

BIOGRAPHIE

Keyvan Chemirani est né à Paris en 1968. C’est sur les hauteurs des collines de Manosque, dans les Alpes de Haute Provence, que Keyvan grandit et s’imprègne des musiques orientales et méditerranéennes. Son père et maître, Djamchid Chemirani lui transmet le savoir traditionnel. C’est le maître de Djamchid, Ostad Hossein Tehérani qui projette le zarb du rôle de simple accompagnateur à celui de soliste.
Jusqu’en 1989, Keyvan Chemirani suit parallèlement des études de mathématiques jusqu’en maîtrise et entame une carrière internationale en tant que soliste et accompagnateur. Avec son père et maître Djamchid et son frère Bijan, ils forment le Trio Chemirani et se produisent partout dans le monde. Tout en puisant dans la poésie persane, les Chemirani composent et développent des formes modernes où l’accent est mis sur les polyrythmies et sur la multiplicité des sons ; le trio dévoile à son auditoire les possibilités
infinies des percussions persanes.
Ses différentes rencontres musicales (flamenco, musique ottomane, grecque, arabo-andalouse, carnatique, jazz), lui ont permis d’appréhender les caractères particuliers de différentes traditions. La science de la
métrique de l’Inde – du Nord et encore plus du Sud – a toujours fasciné Keyvan Chemirani, il fera plusieurs voyages pour comprendre la pensée de la musique savante carnatique. A la fois influencé par les musiques modales méditerranéennes (du bassin méditerranéen jusqu’à l’Inde) et par les grands interprètes de jazz, il essaye de trouver un langage commun entre ces différentes cultures musicales.

Penser les percussions iraniennes comme une syntaxe qui lui permet d’investir les musiques orales ou écrites du monde entier, et faire œuvre : voilà le chemin ardu et passionnant qu’emprunte Keyvan Chemirani, pour
métamorphoser peu à peu en créations multiformes l’héritage musical persan reçu de son père Djamchid Chemirani. C’est pourquoi, à 53 ans, il peut à son tour enseigner le legs de la tradition orale, tout en gardant à l’esprit une visée contemporaine.

DISCOGRAPHIE SELECTIVE :
TRIO CHEMIRANI
1998 Trio de zarb, Al Sur, ALCD 241
2002 Qalam Kar, Iris Music, 3001 854
2004 Tchechmeh, Emouvance, emv 1019
2011 Trio Chemirani invite…, Accords-Croisés, AC 143
2015 Dawâr, Harmonia Mundi
TRIO CHEMIRANI & NEBA SOLO TRIO
2002 Falak, Cobalt, 09352-2
TRIO CHEMIRANI & ROSS DALY
« Blue Dragon » Live in Théatre de la Ville, Paris

KEYVAN CHEMIRANI
1997 Zarb duo, zarb solo, Al Sur, ALCD 231
2004 Le Rythme de la parole, Accords-Croisés, AC 104
2005 Le Rythme de la parole II, Accords-Croisés, AC 112.13
2007 Battements au coeur de l’Orient, Accords-Croisés, AC 121
2012 Melos, Accords-Croisés, AC 146
2014 Avaz, Innacor
2019 Keyvan Chemirani and the Rhythm Alchemy, Molpé production
2021 Hâl, ballades amoureuses, Alpha Classic

COLLABORATIONS
—- avec la musique baroque —-
« Il diluvio universale » de Michelangelo Falvetti dirigé par Leonardo Garcia Alarcon
—- avec le jazz —-
Louis Sclavis « Silk and Salt melodies » ECM records